ore 16 – 20

MOSTRA 1

SHINYA SAKURAI | marks and traces

giochi di luce, 

sembianze profonde e cupe,

simboli rivelatori,

stelle abbaglianti,

tracce e strutture ipnotiche 

tra reale e immaginario

L’esposizione “marks and traces” segna una ricorrenza nel percorso dell’artista giapponese Shinya Sakurai (Hiroshima, 1981), conosciuto per il suo linguaggio iconico, ermetico ed astratto: vent’anni dal suo arrivo a Torino, città in cui dal 2004, con Osaka, divide vita e lavoro.

In queste sue ultime tele, i segni fluidi e le composizioni geometrizzanti lasciano scie che, come impronte, tracciano un percorso personale, pregno di nuovi indizi.

L’artista abbandona le colorate ed iridescenti geometrie per dedicarsi a differenti giochi di luce, sembianze profonde e cupe, rivelatrici di una contemporaneità in continuo mutamento. Gli avvenimenti degli ultimi tempi hanno infatti lasciato sulle sue tele tracce e segni inequivocabilmente e indelebilmente densi e carichi, simboli rivelatori della complessità del presente.

L’artista ha scelto come supporto per tutte le opere esposte il velluto, ad esprimere appunto la serietà dei tempi, ma anche base elegante ed essenziale.

Su queste superfici monocrome emergono però pennellate fluide, realizzate con colori ad olio, resine e colle traslucide, a formare squarci di luce e stelle abbaglianti, che illuminano ed evocano armoniose simmetrie, simboli di fiducia e speranza per il futuro.

Le composizioni di Shinya Sakurai fluttuano in uno spazio profondo animato da segni e tratti simbolici, tracce e strutture ipnotiche in grado di evocare atmosfere tese tra il reale e l’immaginario, sempre emotivamente e visivamente coinvolgenti.

Stesso giorno ed ora, inaugura negli spazi di Tomdesign, attigui alla galleria, in Corso San Maurizio 73, la mostra “Piccola scatola di cristalli” della giapponese Yoshiko Suzuran.

MOSTRA 2

ERWIN OLAF

La galleria ricorda il fotografo Erwin Olaf, recentemente scomparso, con una selezione di fotografie dalle sue prime quattro serie: Rain (2004), Hope (2005), Grief (2007) e Hotel (2010).

Ritratti in scorci di interni, attimi sospesi che suggeriscono insondabili panorami interiori.  

Orario di galleria: giovedi, venerdì e sabato dalle 16 alle 19

Erwin Olaf: Hope, Portrait (2005), ed. 14/15, 22 x 22 cm

ore 16 – 22

Dal testo critico di Mattia Solari: “Tutto è interconnesso, e tutto è animato da energie dalle diverse tonalità e vibrazioni che confluiscono tra loro. L’opera d’arte è dunque uno strumento che registra il passaggio di una forza“.

Orario della galleria: gio – ven – sab | ore 16 – 19 o su appuntamento

Gianluca Capozzi, Untitled 64, 2023, acrilico su lino, 100 x 80 cm

MEL BOCHNER (Pittsburgh 1940) nel 1966 organizza a New York quella che sarà definita la prima mostra di arte concettuale della storia. Da sempre il suo lavoro è incentrato sul linguaggio, il suo significato e la sua rappresentazione. Vanta una sterminata serie di esposizioni in gallerie private ed è presente nelle collezioni permanenti di MET, MoMA e Whitney Museum di New York, Tate Modern di Londra, National Gallery di Washington, MOCA di Los Angeles. Metroquadro ha presentato in Italia i monoprints di Mel Bochner fin dal 2009, anno in cui l’artista ne ha iniziato la produzione.  

In questa sua quinta personale presso la galleria, sono in mostra gli ultimi lavori, ormai diventati iconici.

orari: gio – sab  16 – 19

MEL BOCHNER (b. 1940)
Blah, Blah, Blah, 2022
Monoprint in oil with collage, engraving and embossment on handmade paper
69.2 x 57.2 cm 

orario della galleria

gio – ven – sab | ore 16 – 19

o su appuntamento al 328 4820897

PAROLE NUDE :
INCONTRO CON L’ARTISTA DARIO NEIRA
E LA CURATRICE OLGA GAMBARI.

ALL’INTERNO DI

WAITING FOR THE PHAIR

organizzato da:

MARTEDI 4 APRILE ORE 19:
30 POSTI DISPONIBILI
R.S.V.P.

Nella vita, alla fine è sempre una questione di pelle.

L’incontro, la conoscenza, la condivisione, l’amore e l’odio, non possono che passare per la pelle,

perché la pelle è quella parte, corazza e vibrissa insieme, che entra realmente a contatto con l’altro,

l’esterno, il fuori.

La pelle è sempre in prima linea, scrive Chandra Candiani in un suo verso.

Pelle viva e sensibile, resistente e fragile, che si fa diario biografico, testimone dell’identità a cui

appartiene, un documento di riconoscimento. Elemento di appartenenza comune al genere umano.

Per Dario Neira l’umanità è un grande e continuo skin scape, come lui lo definisce, un paesaggio

irregolare e metamorfico, assemblato con un mosaico di pelli che nascono e vivono, vicine e lontane,

ciascuna una parte per il tutto di ciò che noi siamo come specie. Uno skin scape che traduce la sua

visione del mondo, il suo occhio che si è educato nella pratica della medicina, dove, sotto abiti,

acconciature e orpelli, l’uomo, la donna, sono nudi, sono corpi. Rivestiti di pelle. Che respirano e si

manifestano attraverso la pelle. E per un medico la pelle diventa un terreno di indagine, rivelazione.

Anche di pietà. E infatti Neira è andato sotto alla pelle.

Gli uomini e le donne, vecchiadultiragazzebambini, nel suo lavoro appaiono un corale corpo umano

oltre il tempo e lo spazio, una mappatura del sé singolo e collettivo che avvolge e coinvolge il concetto

stesso di umanità. Pelle di pelli, tutte diverse eppure tutte uguali quando ci si spoglia, nella nudità

della nascita e della morte, esseri fatti di testa e di volto, fatti di busto e braccia con mani e gambe con

piedi. Superfici lisce e pieghe, ma anche pori, unghie, peli. Neira si immerge nelle immagini

fotografiche di silhouette trovate nella fabbrica di corpi che è l’iconografica mass mediatica,

precisamente nella carta stampata di servizi e pubblicità sulle riviste, luogo di consumo cannibale di

figure, stereotipi, mode e modelli, di umanità. Un moloch che omologa, stravolge e disumanizza. In

quella produzione seriale e alienante lui scorge il brillio, le lucciole nella notte. Cerca l’uomo con

Diogene. In quell’archivio infinito e plurale vede, percepisce, ascolta e ritaglia chirurgicamente

frammenti di pelle, di lineamenti e scorci fisici, per trasfigurarli in altrettanti frammenti di un enorme

ritratto astratto e libero, dalla rarefazione estetica, che porta avanti da anni. Un monumento

all’umano, di cui pelle è sinonimo istintivo e metonimico. Un collage che si rigenera ogni giorno come

la pelle, che produce elementi infiniti di una creatura ibrida e mutante, indifesa, letale e meravigliosa

come è l’essere umano. Una visione evoluzionistica e mistica insieme, parti di parti che muoiono e

rinascono in una circolarità organica ed energetica, oltre che visiva.

Un corpo, dei corpi, di cui Dario Neira a un certo punto ha sentito anche la voce, la necessità di dargli

la parola. Carne e logos, questo è l’uomo. Lo è stato anche Cristo. Il logos che crea e distrugge, il verbo

rivelato che prende forma nella carnalità terrena e la eleva.

Le parole scelte da Neira sono icone nude, dal valore simbolico universale, parole comuni, come sick,

courage, me and you, flesh, word, fear, fragile. Appartengono a tutte e tutti. Insieme, scritte e

pronunciate, raccontano storie, sono vite reali e immaginarie, quelle accadute, quelle in corso, quelle

che verranno, quelle mancate, sognate, perdute. Le nostre, comunque.

Olga Gambari

orari apertura:  gio – ven – sab | 16 – 19

Neira EDUCES ME_2022_collage on paper_70x120

ore 19 – 23

Notte delle Gallerie OUVERTURE # 12 – TAG ART NIGHT

In mostra una raccolta di soggetti dalle serie fotografiche Rain (2004), Hope (2005), Grief (2007), Hotel (2010).  “La serie Hotel riguarda l’alienazione e la sottile gamma di oscure emozioni che essa provoca in una persona. Le stanze di hotel in cui dormo quando viaggio sono tutte diverse, ma la sensazione che trasmettono è sempre la stessa, ha luogo una sorta di distacco.”   Erwin Olaf  Con queste parole Erwin Olaf commenta in un’intervista la sua serie Hotel (2010). Come è sua abitudine, il fotografo olandese sceglie per questa serie di indagare uno specifico ed unico stato d’animo in tutte le sue sfaccettature ed interpretazioni, da quelle più comuni e superficiali a quelle più inconsuete ed oscure. Se la serie Hope (2005) esplorava il sentimento della speranza e dell’attesa anche nelle sue implicazioni meno ovvie e più inquietanti, e in Grief (2007) prendeva corpo una geografia della tristezza e del dolore nell’apprendere una notizia sconvolgente ed inaspettata, Hotel (2010) si concentra sull’alienazione e sulla sospensione derivata dalla solitudine e dal distacco dal mondo esterno. Le anonime camere d’albergo in cui i soggetti sono ritratti sono scatole chiuse ed isolate in una dimensione assente dal tempo reale, in cui i personaggi appaiono intrappolati in un’annoiata attesa. I bellissimi nudi femminili delle foto sono avvolti in sofisticate atmosfere di velluto che evocano sottilmente le diverse città in cui le camere d’albergo si trovano. L’ambiguità e il senso di nostalgica frustrazione che le immagini trasmettono contrastano con la perfezione meticolosa dei dettagli della rappresentazione, confermando ancora una volta l’abilità dell’artista nel ricostruire il contesto e la scena fin nei minimi dettagli, con un’attenzione quasi cinematografica al trucco, all’acconciatura, all’abito, all’oggetto d’arredo, alla luce dell’ambiente. Ancora una volta ci si trova immersi in ovattate atmosfere ispirate agli anni Cinquanta e Sessanta, in cui emergono citazioni di grandi maestri del cinema italiano quali Pasolini, Visconti, Fellini. Tuttavia in questa serie non è tanto la nostalgia che interessa Olaf, o il rimpianto di un tempo trascorso, quanto piuttosto l’estetica di un’epoca capace di esprimere in modo pro- fondo, attraente e sensuale la complessità dell’animo umano, esplorandone anche i lati più nascosti attraverso un’antologia della bellezza. 

Nell’ambito di Torino Photo Days 2022

metroquadro presenta:

ThePhair, 27-29 maggio, stand n. 12 

DARIO NEIRA e STEVE SABELLA