Performance ore 19:00

Galleria Franco Noero, Via Mottalciata 10/b.

La galleria aprirà al pubblico a partire dalle 18.00, mentre la performance avrà inizio alle 19.00.

L’esistenza degli esseri umani è legata a Dio, mentre l’estinzione degli animali è legata all’uomo. La mostra personale di Yahon Chang presso la Galleria Franco Noero di Torino intende creare una modalità di dialogo territoriale con lo spazio della galleria attraverso dipinti, sculture e opere installative uniche nel loro genere, con l’obiettivo di interpretare il suo concetto di “esistenza ed estinzione” e di riflettere sulle problematiche della vita. La creazione artistica di Yahon si è a lungo concentrata sulla sperimentazione e sull’espressione moderna della tradizionale pittura a inchiostro cinese, nonché sulla preoccupazione e sull’espressione della contemporaneità, in particolare sui due temi dell’“alienazione delle scienze umane e della società” e del “deterioramento dell’ambiente e dell’ecologia”. Come devoto cristiano, Yahon predilige le creazioni pittoriche improvvisate “a pennello rapido/inchiostro volante” per comunicare con Dio a livello spirituale in termini di pratica fisica e mentale personale, in un modo sempre diverso e con concetti che interpretano varie rappresentazioni visive di Dio come Creatore, Sacrificio e Redentore. D’altra parte, vivendo nella società contemporanea, la sua preoccupazione per la vita reale si riflette nell’attenzione e nella rappresentazione di tutti gli esseri viventi e degli animali vulnerabili. Dagli animali randagi a quelli in via di estinzione, questo è un altro percorso artistico che ha sviluppato ed esplorato negli ultimi anni. In questa mostra personale alla Galleria Franco Noero, Yahon Chang fa pieno uso di dipinti a inchiostro e di opere monocromatiche che corrispondono al bianco puro e allo spazio luminoso della galleria. Oltre al contrasto visivo, questa mostra creerà cambiamenti nel ritmo e nell’atmosfera dello spazio. I due temi delle opere esposte sono: “Compassion, Light of Creation”, che presenta l’interpretazione contemporanea di Yahon di varie forme e volti di Dio. Il secondo è “Helpless, Black of Depression”, che mostra la malinconia e l’ansia dell’orso nero taiwanese in via di estinzione.

Cresciuto a Taiwan nel secondo dopoguerra, le sue opere ritraggono un particolare linguaggio visivo che dà voce all’agonia, alle avversità e all’accettazione, cercando al contempo di raggiungere una spiritualità e una pace più elevate. Attraverso l’atto pittorico, i valori culturali e spirituali sono incarnati in modo intensamente personale. Nei suoi dipinti, l’artista taiwanese Yahon Chang unisce la tradizionale pittura a inchiostro cinese e le forme occidentali di espressione artistica per produrre una sintesi tra Oriente e Occidente. Solitamente in piedi su grandi fogli di tela di lino o carta xuan e brandendo un pennello lungo quasi quanto la sua altezza, Chang crea opere intrise di energia performativa caratterizzate da pennellate larghe e ampie. Attingendo ai letterati cinesi, alle tradizioni buddiste Zen (Chan) e alla fede cristiana, l’artista intende la pittura come un’attività che collega corpo, mente e anima attraverso l’esplorazione del rapporto tra calligrafia, letteratura cinese, filosofia Zen, arte marziale e spiritualità. Tutto il suo corpo funge da asse per questi dipinti espressivi ed è influenzato dalla sua formazione in calligrafia.

h 18:00 – 20:00

Via Pollone 10/A – Torino

Eric Nathaniel Mack, Not titled yet, 2024

Hassan Sharif, Copper, 2016 (detail)

La Galleria Franco Noero è lieta di presentare A Clown Jumped into the Arena, la prima mostra personale di Anna  Boghiguian in galleria a Torino, che si articola sia all’interno in Via Mottalciata, che all’esterno, nel giardino  situato in un ex spazio industriale a pochi passi dalla galleria.  Artista poliedrica e inveterata viaggiatrice, Boghiguian è conosciuta per i suoi disegni, dipinti, collage e  complesse installazioni ambientali. Le sue opere, che da un lato cercano di confluire in un tentativo di mappare  il mondo che ci circonda, combinano il più delle volte figurazione e scrittura mediante un tratto spontaneo, quasi  immediato, e caratterizzate da colori saturi e vividi. Le strutture narrative concepite e messe in mostra da  Boghiguian sono dense di pensieri personali, riferimenti storici e politici, di poesia e critica, descrivendo un  mondo in perenne movimento e portando alla luce un’interpretazione profonda e autentica della condizione  umana moderna e contemporanea.  La mostra raccoglie una selezione di opere che pongono l’accento su alcuni dei temi più cari all’artista in un  intenso dialogo tra lavori recenti e altri realizzati appositamente per l’occasione. Mediante l’utilizzo di un’ampia  eterogeneità di materiali come la ghisa, il bronzo, il vetro, la resina, il tessuto e la cartapesta, il nuovo corpus di  lavori trova la propria espressione nell’impiego di differenti tecniche che diventano cifra distintiva della pratica  dell’artista e, completandola, manifestano la visione più intima di Boghiguian rispetto al mondo e alle sue  continue trasformazioni.

L’artista è stata recentemente insignita del prestigioso Wolfgang Hahn Prize assegnato annualmente del Museum  Ludwig di Colonia.

Anna Boghiguian (1946, Il Cairo) vive e lavora al Cairo, Egitto.  Il suo lavoro è stato esposto in mostre personali in istituzioni pubbliche e private internazionali, tra cui: The Power Plant  Contemporary Art, Toronto, Canada (2023); Kunsthaus Bregenz, Bregenz, Austria (2022); Kunsthaus Bregenz in Venedig:  Scuola di San Pasquale, Venezia, Italia (2022); IVAM – Institut Valencià dʼArt Modern, Valencia, Spagna (2021); MGK-Museum  für Gegenwartskunst Siegen, Siegen, Germania (2021); The Stedelijk Museum, Gent, Belgio (2020); Tate, St. Ives, UK (2019);  Sharjah Art Foundation, Sharjah, EAU (2018); New Museum, New York, USA (2017); Castello di Rivoli Museo d’Arte  Contemporanea, Rivoli, Italia (2017); Carré d’Art, Nîmes, Francia (2016); SBC Gallery of Contemporary Art, Montreal, Canada  (2015); Benaki Museum of Greek Culture, Atene, Grecia (2010).  Ha inoltre preso parte a Biennali e mostre internazionali, come: 35esima Biennale di San Paolo, San Paolo, Brasile (2023), 4a  Autostrada Biennale, Prizren, Kosovo (2023), 22esima Biennale di Sydney, Sydney, Australia (2020); 56esima Biennale di  Venezia, Padiglione Armenia, Venezia, Italia (2015); dOCUMENTA (13), Kassel, Germania (2012); 10a Biennale di Sharjah,  Sharjah, EAU (2011); 11a Biennale Internazionale di Istanbul, Istanbul, Turchia (2009).  Nel 2023 la Gesellschaft für Moderne Kunst le ha conferito il Wolfgang Hahn Prize, presso il Museo Ludwig a Colonia,  Germania. Nel 2015 ha vinto il Leone d’Oro al Miglior Padiglione (Armenia) alla 56a Biennale di Venezia 2015.

English

Galleria Franco Noero is pleased to present A Clown Jumped into the Arena, Anna Boghiguian’s first solo exhibition at the gallery, which takes place both indoors, in the spaces of Via Mottalciata, and outdoors, in a garden set into a former industrial site a few steps away from the indoor premises of the gallery. A multifaceted artist and an inveterate traveler, Boghiguian is best known for her drawings, paintings, collages, and large-scale complex installations. Her practice, which on the one hand can be seen as an attempt to map the world that surrounds us, more often combines figuration and writing through a spontaneous, almost immediate act and the use of saturated and vivid colors. The narratives constructed and displayed by Boghiguian are dense with the artists’s personal thoughts, historical and political references, poetry and critique, depicting a world in constant movement and resulting in an eminently unique interpretation of the modern era. The exhibition brings together a selection of works that focus on some of the themes that are most dear to the artist forming an intense dialogue between recent works and others made specially for the occasion. Encompassing a wide heterogeneity of materials such as cast iron, bronze, glass, resin, fabric and papier-mâché, the new bodies of work find their expression in numerous techniques that simultaneously represent the distinctive characteristic of Boghiguian’s oeuvre and in turn complement it, reflecting her personal interpretation and outlook of a world in ceaseless transformation.

The artist was recently awarded the prestigious Wolfgang Hahn Prize given annually by the Museum Ludwig in Cologne.

Anna Boghiguian (b. 1946, Cairo) lives and works in Cairo, Egypt. Her work has been shown in solo exhibitions in international public and private Institutions, including: The Power Plant Contemporary Art, Toronto, Canada (2023); Kunsthaus Bregenz, Bregenz, Austria (2022); Kunsthaus Bregenz in Venedig: Scuola di San Pasquale, Venice, Italy (2022); IVAM – Institut Valencià dʼArt Modern, Valencia, Spain (2021); MGK – Museum für Gegenwartskunst Siegen, Siegen, Germany (2021); The Stedelijk Museum, Gent, Belgium (2020); Tate, St. Ives, UK (2019); Sharjah Art Foundation, Sharjah, UAE (2018); New Museum, New York, USA (2017); Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli, Italy (2017); Carré d’Art, Nîmes, France (2016); SBC Gallery of Contemporary Art, Montreal, Canada (2015); Benaki Museum of Greek Culture, Athens, Greece (2010), among others. She has participated in Biennials and international exhibitions such as: 35th Bienal de São Paulo, São Paulo, Brazil (2023); 4th Autostrada Biennale, Prizren, Kosovo (2023); 22nd Biennale of Sydney, Sydney, Australia (2020); 56th Biennale di Venezia, Armenian Pavillion, Venezia, Italy (2015); dOCUMENTA (13), Kassel, Germany (2012); 10th Sharjah Biennial, Sharjah, UAE (2011); 11th International Istanbul Biennial, Istanbul, Turkey (2009). In 2023 she was the recipient of the Wolfgang Hahn Prize from the Gesellschaft für Moderne Kunst at the Museum Ludwig in Cologne. In 2015 she was awarded the Golden Lion for the best national participation, 56th Venice Biennale (2015).

Anna Boghiguian, Alexandria, 2022 mixed media Courtesy the artist and Galleria Franco Noero

Coins and Coffins Under My Bed è la sesta mostra personale di Jason Dodge con la galleria. Dodge definisce l’essenza del suo lavoro come qualcosa che va “di pari passo con quanto accade di già”. Per le sue nuove sculture l’artista utilizza vetrine e plinti di diversi Musei per accogliere nuove costellazioni di api morte, gemme e natron. Queste opere si sovrappongono ad una storia già esistente, dove prima si trovavano ceramiche di Paul Gauguin, un’opera di Louise Bourgeois di stoffa, vasi antichi, anoscritti di Carlo Mollino e sculture di Medardo Rosso, ora c’è la loro assenza. Questa mostra è al tempo stesso una collettiva e una personale, in cui la comunicazione della storia si intreccia con gli effetti collaterali dell’attività umana e con la poesia del detrito. Questa mostra si è resa possibile tramite la generosità di numerose Istituzioni:

CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino; Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; GAM –Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Torino; Musei Reali di Torino – Museo di Antichità; Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica, Torino; Pinacoteca Agnelli, Torino; Ny Carlsberg Glyptotek, Copenaghen. Coins and Coffins Under My Bed è il titolo di una poesia di Diane Wakoski. Dodge è, anche, incluso nella mostra Everybody Talks about the Weather curata da Dieter Roelstraete in apertura presso la Fondazione Prada di Venezia il 19 maggio. A partire dal 12 maggio, il bookshop Paint in Black di Torino ospiterà una rassegna dei suoi libri d’artista e delle sue edizioni, curata da Luca Cerizza. Quest’estate l’artista parteciperà alla RIBOCA Riga Biennial e alla nuova installazione della National Collection presso l’Hamburger Bahnhof di Berlino.

Jason Dodge (Pennsylvania, 1969) vive a Møn, in Danimarca. Negli ultimi venti anni Jason Dodge ha creato sculture e realizzato mostre che parlano di assenza, distanza, percezione tattile e visiva. Il suo lavoro è spesso paragonato alla poesia e, come molta poesia, richiede al lettore o allo spettatore di essere presente e di guardare dentro se stesso come veicolo di significati. Leggendo una poesia o una scultura, qualcosa di nuovo accade. Dodge dice: “non è ciò che qualcosa significa che è importante, è come qualcosa significa”. I suoi lavori non sono pensati per essere decifrati, piuttosto sono essi stessi macchine per decifrare. ll suo lavoro è stato oggetto di esposizioni personali presso Istituzioni pubbliche e private internazionali, tra le quali: MACRO – Museum of Contemporary Art, Roma, Italia (2022); Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino, Italia; Schinkel Pavillon, Berlino, Germania (2017); Institut d’Art Contemporain Villeurbanne Rhône-Alpes, Villeurbanne, Francia (2016). Tra le biennali ricordiamo la partecipazione a: 9a Liverpool Biennial, Liverpool, UK (2016); 55a Biennale di Venezia, Padiglione Lituania, Venezia, Italia (2013); 12a Biennale de Lyon, Lione, Francia (2013). Le opere di Jason Dodge fanno parte, tra le altre, delle collezioni permanenti di: Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA; MCA – Museum of Contemporary Art Chicago, Chicago, USA; collezioni Nazionali di Francia e Germania. Dodge è il fondatore della casa editrice Fivehundred Places, che ad oggi ha pubblicato 25 libri monografici di poesie di poeti contemporanei tra cui Ishion Hutchinson, Eileen Myles, CA Conrad, Dorothea Lasky e Matthew Dickman

FELT è la prima personale dell’artista americano Eric Nathaniel Mack allestita a Torino nella galleria di Via Mottalciata.
Il lavoro di Mack varia dalla scultura all’installazione, dalle opere a parete ai lavori su carta. La sua estetica prevede un particolare tipo di tattilità e di utilizzo di oggetti comuni, con particolare attenzione a quelli legati all’abbigliamento. Elementi ready-made, quali indumenti, coperte, pannelli forati, pagine di riviste e occhielli, si ricompongono e si trasformano attraverso l’uso di pittura acrilica e di tinture.

Il linguaggio visivo di Eric Nathaniel Mack parla attraverso questi materiali, così come attraverso il colore e la consistenza, la percezione e la fluidità. Le sue opere si dispiegano e si muovono, rese vive da una gamma di tonalità, da forme irregolari e da una narrazione poetica. I riferimenti all’industria della moda e alla figura conferiscono una qualità seducente, riferendosi all’identità o a una narrazione fatta di materiale desiderio e intenzione.

Eric Nathaniel Mack (1987, Columbia, MD) vive e lavora a New York.
Ha conseguito il BFA presso la Cooper Union, New York, USA, e il MFA presso la Yale University, New Haven, USA. Nel 2017, Mack è stato il vincitore del primo BALTIC Artists’ Award, selezionato dall’artista Lorna Simpson, e ha completato la Rauschenberg Residency a Captiva Island, Florida, e una residenza d’artista presso la Delfina Foundation a Londra, Regno Unito.
Tra le mostre personali istituzionali ricordiamo Lemme walk across the room, Brooklyn Museum, New York, USA (2019); In austerity, stripped from its support and worn as a sarong, The Power Station, Dallas, USA (2019); il BALTIC Artists’ Award 2017, BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead, Regno Unito (2017); e Eric Mack: Vogue Fabrics, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York, USA (2017). Tra le sue prossime mostre Chronorama / Chronorama Redux, curata da Matthieu Humery, a Palazzo Grassi a Venezia nel marzo 2023. Tra le principali mostre collettive ricordiamo la Whitney Biennial 2019, Whitney Museum of American Art, New York, USA; Ungestalt, Kunsthalle Basel, Svizzera (2017); In the Abstract, Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, USA (2017); Blue Black, Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, USA (2017); Making & Unmaking: An exhibition curated by Duro Olowu, Camden Arts Centre, Londra, Regno Unito (2016); e Greater New York 2015, MoMA PS1, Long Island City, New York, USA (2015). Le opere di Mack sono presenti nelle collezioni permanenti della Albright-Knox Art Gallery, dello Studio Museum di Harlem e del Whitney Museum of American Art.

ENGLISH VERSION

Galleria Franco Noero is pleased to announce FELT, the first solo exhibition of American artist Eric Nathaniel Mack to be held in Turin in the spaces of Via Mottalciata.

Mack’s work varies from sculpture and installation, to wall pieces and work on paper. His aesthetic involves a particular type of tactility and usage of common items, primarily those related to clothing. Readymade elements, such as garments, blankets, pegboards, magazine pages, and grommets, recompose and transmute via usage of mediums like acrylic paint and dye. Eric Nathaniel Mack’s visual language speaks through these materials, as well as through color and texture, optics and flux. His works flow and shift, alive with a spectrum of hues, irregular shapes, and poetic drama. References to the fashion industry and the figure impart a seductive quality, connecting to identity or a material fiction of desire and intention.

Eric Nathaniel Mack (1987, Columbia, MD) lives and works in New York.

He received his BFA from The Cooper Union, New York, USA and his MFA from Yale University, New Haven, USA In 2017, Mack was the recipient of the inaugural BALTIC Artists’ Award selected by artist Lorna Simpson and completed the Rauschenberg Residency in Captiva Island, FL and an artist-in-residency at Delfina Foundation in London, United Kingdom.
Institutional solo exhibitions include Lemme walk across the room, Brooklyn Museum, New York, USA (2019); In austerity, stripped from its support and worn as a sarong, The Power Station, Dallas, USA (2019); The BALTIC Artists’ Award 2017, BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead, United Kingdom (2017); and Eric Mack: Vogue Fabrics, Albright–Knox Art Gallery, Buffalo, New York, USA (2017). Among his upcoming exhibitions, CHRONORAMA curated by Matthieu Humery at Palazzo Grassi in Venice in March 2023. Major group exhibitions include the Whitney Biennial 2019, Whitney Museum of American Art, New York, USA; Ungestalt, Kunsthalle Basel, Switzerland (2017); In the Abstract, Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, USA (2017); Blue Black, Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, USA (2017); Making & Unmaking: An exhibition curated by Duro Olowu, Camden Arts Centre, London, United Kingdom (2016); and Greater New York 2015, MoMA PS1, Long Island City, New York, USA (2015). Mack’s work is in the permanent collections of Albright-Knox Art Gallery, The Studio Museum in Harlem and the Whitney Museum of American Art.

Installation view, Eric Nathaniel Mack, Scampolo!, The Douglas Hyde Gallery of Contemporary Art, March 4 – May 29, 2022

La Galleria Franco Noero è felice di presentare la quinta mostra personale di Henrik Olesen in galleria. La pratica artisitica di Olesen è ricca di molteplici riferimenti legati alla gay subculture e alla storia dell’omosessualità. L’artista rielabora le informazioni in forma di testo, immagine e altri materiali per affrontare temi quali le relazioni di potere e le norme sociali. Le sue opere spesso si focalizzano sui concetti quali le categorie e le gerarchie con il fine di suggerirne nuove composizioni e decostruzioni. Una volta era così. Ora non lo è più. I nuovi lavori su tela e pannelli di masonite si compongono di una molteplicità di colori dalla tonalità scura, addensanti e vernici adesive. In alcune delle superfici la plasticità dei colori a olio è concertata dalla presenza di stampe incollate su carta e pellicole traslucide, da testi scritti a mano dall’artista su nastro adesivo di carta e da prese elettriche verniciate a spray.

I AM PLASTIC. THIS IS MY ORGANS. Le opere in mostra rappresentano e raffigurano il sistema digestivo umano, in una pluralità di organi come l’intestino, lo stomaco, il fegato e i reni. I motivi ricorrenti presenti nelle opere sono inspirati a L’Homme ouvert (1923) di Jean Fautrier. Due nuovi passaggi sono stati aperti nelle pareti della galleria, così da mostrarne la loro architettura interna.

Le mostre personali di Henrik Olesen includono esposizioni al Reina Sofia, Madrid, Spagna (2019), Schinkel Pavillion, Berlino, Germania (2018), Wattis Institute, San Francisco, USA (2017), Museum Ludwig/Wolfgang-Hahn-Price, Colonia, Germania (2012), Kunstmuseum Basel, Basilea, Germania (2011), MoMA – Projects 94, New York, USA (2011). Tra le mostre collettive ricordiamo: KW, Berlino, Germania (2021), Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, Germania (2019), Hammer Museum, Los Angeles, USA (2018) Bienal de Sao Paulo, Brasile (2018; 2016), Fondazione Prada, Milano, Italia (2016), Punta della Dogana a Venezia – Fondazione Pinault, Venezia, Italia (2015; 2016), Biennale di Venezia, Venezia, Italia (2013), New Museum, New York, USA (2012), Generali Foundation, Vienna, Austria (2012) e Pinakothek der Moderne a Monaco, Germania (2012).

(immagine)

Henrik Olesen

Stomach, intestine, kidney, liver

2022

oil on canvas, painter butter, acrylic gel medium, paper, inkjet on transparent film,

Edding 750, tape

39.8 Å~ 50 cm / 15 5/8 Å~ 19 5/8 inches

HO 22.017

Crediti fotografici: Sebastiano Pellion di Persano

La Galleria Franco Noero ha il piacere di presentare la quarta personale di Robert Mapplethorpe, negli spazi di via Mottalciata e in collaborazione con The Robert Mapplethorpe Foundation. La nuova selezione di fotografie, che supera il centinaio, è un viaggio che ripercorre tutte le fasi della carriera dell’artista dai suoi esordi fino alla sua scomparsa, volontariamente ordinate in sequenze che non guardano alla cronologia, a un genere o a qualsiasi tipo di gerarchia. Le fotografie hanno infatti un’empatia che le unisce, a volte una congruenza costruttiva nelle linee compositive, altre volte si tratta di suggestioni narrative, altre ancora sono la grana, l’impasto e i toni di bianco, nero e la gamma di grigi a dettare legge. Come capitato già in altre occasioni, data la disponibilità presso la Fondazione, si riesce a ricostruire alcune sequenze di fotografie realizzate nella stessa sessione, variazioni sullo stesso tema: è particolarmente interessante in questi casi vedere come ai modelli viene chiesto di interpretare una particolare postura, ad esempio desunta dallo studio di statue antiche, oppure di esprimere l’esuberanza e l’elasticità quasi malleabile e di qualità scultorea della muscolatura di ballerini, altro ‘topos’ ricorrente nella ricerca di Mapplethorpe. Il tono romantico delle foto del primo periodo, spesso scattate in esterni nel corso del suo primo viaggio in Inghilterra e ispirate con molta probabilità da un’ammirazione per la pittura inglese e per quella sua qualità di legarsi al paesaggio, si uniscono alla fascinazione per l’arte e per la cultura italiana ed in generale europea: un bronzetto ripreso di fronte ad una riproduzione fotografica di uno scorcio romano all’interno dell’antico Foro; il corpo color ebano di un modello ritratto in una posa con grande probabilità desunta dal celebre ‘Spinario’ dei Musei Capitolini, una delle statue più note nel ‘catalogo’ del Grand Tour; uomini incappucciati come frati della migliore tradizione barocca tali a quelli di Zurbarán; un discobolo in una vetrina di gessi, un delizioso bronzetto di Spartaco incatenato, un uomo di colore seduto a terra con accanto una felce come nella pittura ottocentesca di genere esotico, una pantera di marmo di gusto Art Decó, appaiata ad un kimono giapponese, una gardenia al centro del ricamo di uno scialle ‘paisley’, insomma un’intera serie di suggestioni e citazioni di tempi disparati nella storia che ritraggono perfettamente l’atmosfera di sollecitazione culturale di una città come New York negli anni in cui Mapplethorpe l’ha vissuta. E ancora i contrasti: un’acconciatura di treccine di fronte ad un arazzo, una testa di Pan baciata da un anturium, Lisa Lyon come angelo dai boccoli biondi o con la testa coperta da un mantello come nelle rappresentazioni della Vergine Maria, le linee essenziali di un volto femminile di Matisse in un loft a New York, un meraviglioso argento con piccolo elefante di Gorham su fondo nero profondo e cosi via.

Robert Mapplethorpe (New York 1946 –Boston, MA 1989), ha studiato disegno, pittura e scultura al Pratt Institute di Brooklyn, per poi iniziare una carriera come artista e fotografo che lo ha portato ad esporre il suo lavoro in una innumerevole serie di mostre personali nelle Istituzioni di tutto il mondo, a partire dalla prima grande retrospettiva dedicatagli dal Whitney Museum of American Art di New York nel 1988, un anno prima della sua morte. Nello stesso anno Mapplethorpe ha dato vita alla Fondazione che porta il suo nome, dedicata a promuovere la fotografia, dare supporto ai Musei che la espongono, e a raccogliere fondi per la ricerca medica contro l’AIDS e contro le malattie ad esso correlate. Il lavoro dell’artista è presente nelle collezioni dei maggiori Musei internazionali e la sua importanza storica e sociale continua ad essere oggetto di rilevanti mostre personali nel mondo.

Robert Mapplethorpe, Lisa Lyon, 1981
©️ Robert Mapplethorpe Foundation. Used by permission.