La Galleria Weber & Weber presenta la mostra personale dell’artista Roberto Kusterle, la cui ricerca negli ultimi anni è stata incentrata sul rapporto uomo – natura. In questa serie, dal titolo Echo, le immagini di montagne rappresentano la relazione tra uomo e natura che è diventata visiva. Lo sguardo dell’artista è quello di un osservatore che si trova di fronte alla maestosità di catene montuose, ma anche esperienziale, poiché egli è, allo stesso tempo, un esploratore di luoghi ancora sconosciuti. Queste immagini sono il racconto di un viaggio in cui vengono lasciati i territori noti, rassicuranti e a scala umana, intrapreso con la volontà di sciogliere antichi legami, per andare verso luoghi ancora ignoti, immensi e distanti, ma che in un certo senso esistono già nella mente dell’artista. Il mondo di partenza è reale, rappresenta il presente e il passato, mentre il luogo di arrivo è l’esito di un’invenzione, è una visione e tensione al futuro. Il viaggio narrato è anche, quindi, una celebrazione del processo creativo artistico che non è privo di fatiche, difficoltà, ostacoli, ripensamenti, rendendo la visione delle montagne una sorta di obiettivo da raggiungere. L’immagine del piede scalzo e impolverato allude alla fatica del cammino e alla necessità di abbandonare ogni comodità del mondo conosciuto e contemporaneo. In tutto questo il viaggiatore-artista è in solitudine, cerca una relazione di intimità con la natura in cui ritrova se stesso anche se solamente nel suono di una eco, il quale non è altro che il ritorno della propria voce nel vuoto e nella distanza che ha da queste montagne. In questo viaggio per ritrovarsi e fondersi con la natura, l’unica mappa fidata da seguire è l’immaginazione. Ecco così che nelle immagini che più si discostano dai paesaggi reali, si trova tutta una serie di informazioni necessarie al cammino: nomi, altitudini, distanze, traiettorie come in una vera e propria mappa escursionistica 

Prima mostra personale alla Galleria Weber & Weber per l’artista Rodrigo Blanco (Latina 1975).

Blanco è un pittore. A Latina, città nella quale è nato, ha potuto scrutare sin da bambino le zone paludose

della sua città in cui le canne, sottili ed alte, emergevano dall’acqua. Questa era la zona che negli anni della

sua infanzia anelava raggiungere, da scoprire, ibrida e segreta, che, non lontana dalla sua abitazione,

attendeva chi decidesse di andarla a scovare. Tutto è ridotto ai minimi termini, a segni che appaiono in uno

spazio costruito dal colore, a barre verticali che scandiscono il ritmo permettendo all’orecchio di udire una

sorda musicalità dell’esistenza, irte ed immerse in un’atmosfera senza tempo. Quelle linee sono

interferenze, interruzioni che ci permettono di avvicinarci ad un’altra dimensione senza il timore della

rivelazione. L’intrusione del segno è strettamente legata all’apparizione dell’esistenza e questo è ciò che

interessa all’artista. Dialogare con un pittore significa entrare, dopo aver utilizzato la retina, nel terreno

della sua foresta mentale per captare le aperture, le motivazioni e i collegamenti che si espandono e si

sviluppano come le porzioni di cielo che sembrano uscire dalla tela. È così che riusciamo a comprendere che

tutto lo spazio si apre verso il firmamento, abbracciando metaforicamente figure prive di identità che,

nonostante l’incontro, non hanno ancora coscienza del loro potenziale carnale ed erotico. Il sensuale rosa

delle silhouette sembra vivere per la prima volta un luogo che non ha né tempo né spazio ma che diviene

religioso, espressione di una divinità che ha l’intento di legare tra loro tutte le cose. La pelle sfuma e il

lavoro, realizzato con le setole che assorbono il colore ad olio e poi lo rigettano sulla tela, provoca

sensazioni tattili che possono divenire strazianti. Nessuno pensa più al miracolo dell’esistenza, dichiara

Rodrigo Blanco, e questo lo colpisce a tal punto da permettergli di lavorare fuori dal palcoscenico sul quale

quotidianamente avvengono i fenomeni fisici per riscoprire l’amore universale. La fosforescenza dei toni

cromatici rappresenta la possibilità della luce di giungere in altri luoghi, così come riesce a farlo la sessualità

libera. Un rispetto di tutti gli elementi che appare con un’economia della materia legata al desiderio di

tornare all’attimo in cui la consapevolezza è inesistente. Nascite, antropofanie, bagni e paesaggi lacustri

vogliono accompagnarci verso la conoscenza di noi stessi.

Visitazioni / Rivisitazioni

Una mostra che si articola in 10 selezionatissime opere del corpus articolato e complesso di Giuseppe Alletto,

giovane artista siciliano.

Dal bianco accecante dell’esplosione atomica allo spazio bianco di una palingenesi che apre nuove dimensioni

dell’essere e nuove possibilità rappresentative. Dalle visioni di funghi atomici come veri e propri Totem dell’annientamento

e simboli della pulsione distruttiva insita nell’uomo, alla pacificazione di una dimensione postumana

in cui sembrano levarsi suoni misteriosi. La grande duttilità di Alletto nell’uso di linguaggi diversi nel

dominio di differenti tecniche espressive (dalla pittura ad olio alla sperimentazione su materiali quali pannelli

fonoassorbenti, acetati e lamiere) diventa dispiegamento multiforme di un’unica Poetica ben definita. Nella

visione del mondo di Giuseppe Alletto, nella sua “weltanschauung” che si articola nell’intero corpus di opere

viene scandagliata la componente irrazionale dell’uomo, la sua cecità come perdita, sconvolgimento, immersione

in un vero e proprio Buio Bianco. Le conseguenze di tutto ciò sono il superamento della dimensione

wagneriana del “puramente umano” in favore di una rinascita che appare misteriosa e difficile da decifrare.

Alletto annuncia un nuovo tipo di linguaggio che si dispiega in alcune delle opere in mostra a Torino intitolate

variamente “Musica del futuro” o “Musica del silenzio”. Esse sono fondate su un originalissimo scarrellamento

semiotico tra riferimenti alla scrittura musicale neumatica e propensione alla dimensione tattile cinestesica

della fruizione dell’opera nel superamento dei limiti della visione bidimensionale tradizionale.

L’Inno alla Rinascita e alla rigenerazione post-umana raggiunge l’acme in un’installazione nella quale campeggia

uno strumento di ostetricia.

La rinascita nietzschiana di qualcosa di oltre-umano e assolutamente indecifrabile è cristallizzata in un’installazione

estremamente aerea di grande raffinatezza formale, dal titolo “Aureola”. L’elegantissima pulizia formale

del cerchio spezzato creato da una corona di diodi diventa emblema della finitezza del percorso storico

umano e, al tempo stesso, inno alla rinascita in una dimensione di luce, in uno spazio vuoto ancora da dotare

di senso: un buio bianco.

La Galleria Weber & Weber inaugurerà nei propri spazi la prima personale dell’artista Bruno Fantelli. Attraverso una pittura che vuole suggerire elenchi infiniti, anche quando la rappresentazione sembra severamente limitata dalla cornice del quadro, vengono raccolti e uniti elementi privi di un rapporto specifico: é l’espressione di una narrazione caotica. Molto spesso avviene un dialogo tra la numerazione dei personaggi e la forma che si arresta, incompleta. Tali forme ibride sono suggerite dalla gestualità della pennellata, si assiste così a curiose nascite di mostri, si osservano racconti di figure riconoscibili, citate, immaginate. Incombono fantasie ricorrenti tra cui lotte, attacchi nella giungla, rave party o fughe su barche. In tali contesti vi è la descrizione, spesso a blocchi, dei protagonisti, di cui si cerca di delineare le inclinazioni comportamentali smorzate dalle interferenze umoristiche. L’insistenza sul particolare e la ricerca di bellezza nella cura della forma si oppongono all’efferatezza rappresentata, come vi è antitesi tra i toni neri, i rossi e i colori luminosi e vivi.

Pietro Campagnoli

Mutatio tempore

La Galleria Weber & Weber ospita la prima mostra personale dell’artista Pietro Campagnoli: l’esibizione presenta tre sculture in resina ipossidica ed otto quadri con drappeggi creati con gesso e legno. Le figure create da Pietro Campagnoli hanno qualcosa che ci riguarda. Nonostante la forma umana sia da una parte resa inquietante, e dall’altra fiaccata e nascosta dai teli bianchi; lo spettatore si può riconoscere in quelle figure appesantite ma eleganti. Le sculture dunque sono il luogo d’incontro tra la staticità dei soggetti e il movimento dei teli che li ricoprono, dualità che richiama l’intrecciarsi di questi due stati nella vita umana. Questo incontro, oltre a sottolineare la serrata dialettica tra stasi e moto, rappresenta una metafora. Le pesanti coperte che avvolgono le figure sembrano spingerle via e farle cadere; nonostante ciò, la figura è ferma e si oppone ai disagi che queste coperte rappresentano, ovvero le sfide e gli affanni della vita di tutti giorni. Di conseguenza, la scultura non è più uno sterile oggetto a sé stante protetto dalla sua corazza di gesso, ma assorbe lo spettatore rendendolo partecipe. Ritraendo la figura umana in modo a volte incerto e volte più dettagliato, l’artista rende possibile l’interpretazione da parte degli spettatori e il loro impersonarsi in esse. Grazie all’indeterminatezza espressa dalle sculture, viene comunicata la poetica della sfuggevole condizione umana, in continua trasformazione e mai interamente accessibile. Eleonora Savorelli

La GalleriaWeber & Weber inaugurerà nei propri spazi la terza personale dell’artista Federico Guerri. In mostra una serie di lavori inediti.
Federico Guerri è un artista che, con la più radicale e più monotona ripetitività tipica del migliore minimalismo d’annata, sta ridisegnando il mondo in filigrana. In quest’opera di ricostruzione globale che va dagli interni a intere porzioni di città, Guerri si serve di un modulo base: una sorta di mattoncino allungato o di bastoncino che ricorda anche un elemento organico per la sua proprietà di esuberare da precisi limiti geometrici e assumere conformazioni ondulate. Di questo pattern Guerri si serve – come il muratore di una grande cattedrale o di una abile ricamatrice volontariamente riparatasi dietro le finestre di un béguinage – per ardire alle imprese tecniche più impervie, difficili e colossali.
Con la grafite sulla tela grezza o con il bulino sulla nera ardesia. Dopo prove di disegno astratto e una corposa serie di “senza titolo”, Guerri ha recentemente miscelato il suo caratteristico pattern compositivo con ampie e avvolgenti linee di derivazione fitomorfa: il tutto su una tela già leggermente macchiata in modo libero e non preventivato. Tra interni ed esterni, ne esce la visione di un mondo fantasmatico come quello riportato in negativo da vecchie lastre fotografiche in bianco e nero spezzate, rese in parte inintelligibili dall’affiorare dei composti chimici e violentate dall’incuria. Il mattoncino, però, ricompone, struttura ed evita la deriva della dissoluzione totale.