“L’uomo nasce dall’infinito e torna all’infinito”, o meglio “l’uomo è polvere e polvere diventerà”, come il filologo Semerano, nel suo testo L’infinito: un equivoco millenario, riformula la riflessione più famosa di Anassimandro. Ed è proprio dallo scritto di Semerano che Natale Zoppis intraprende il suo percorso di studio, interpretazione e applicazione del rapporto tra polvere e infinito. Parte del lavoro dell’artista è determinato da accumuli di polvere su piccoli vetri o fogli di acetato. Dai vetrini, scansionati e portati in negativo, ne deriva un’immagine molto somigliante ad un cielo stellato, a porzioni di infinito. Il sovrapporsi costante e casuale della polvere porta lo sguardo indagatore ad una lettura più attenta dell’opera, nel tentativo di analizzare un orizzonte determinato da molteplici profondità spaziali, ricostruendo così la successione del tempo e la stratificazione della materia sulla superficie. Il suo lavoro esorta quindi a cogliere tutte quelle minuscole particelle quasi insignificanti che costituiscono la materia nella sua interezza. Un invito a cogliere l’invisibile. L’intuizione sul valore della polvere nasce da una casualità, dal ritrovamento di un ritratto fotografico familiare. I due elementi, la polvere e la fotografia si sovrappongono, guadagnando alternativamente e con forza lo spazio visivo, generando un problema di energie contenute, protese verso uno spazio di coesione: la memoria. È un lavoro di scavo linguistico sul tema della memoria, dell’identità e sulla natura della fotografia stessa. In mostra sono presenti cinque cicli di lavori: Elegia, L’infinito dentro, Indagini sull’infinito, Rumori di paesaggi in polvere, Indagini sull’infinito Polaroid Land Camera.

Artisti in mostra:

Marcovinicio – Elisa Bertaglia – Ben Vautier Sylvie Romieu – Agostino Bonalumi – Carolrama Bruno Lucca – Sergei Potapenko – Luigi Carboni Vettor Pisani – Vasco Bendini – Chiara Dynys Horiki Katsutomi – Andrea Aquilanti – Antonin Strizek – Vasco Ascolini – Gerald Minkoff Domenico Gusmano – Francesco Nonino – Paolo Lunanova

A specchio La vita trascritta per frammenti, in stile telegrafico. E’ la storia (ombra di tutte le vite) della famiglia d’origine di Liselotte Frauenknecht. Memoria e cronaca del destino. In realtà: de te fabula narratur, sempre di noi si parla, in controluce, da anima a anima. Siamo tutti noi che, giunti a una curva stretta, dobbiamo riconciliarci con la vita. Ma la memoria non fa che stringere ancor più il nodo, e ci impone un più arduo interrogativo. Ci sarà un’altra storia? Continuerà oltre la fine? Dove andare dunque a cercare ciò che non si trova in nessun alfabeto, in nessun codice, in nessuna forma linguistica se non nella pittura! La visione, come già suggeriva Roland Barthes, è significante svelato. Significa se stessa, non altro. Al diavolo il messaggio. Questi fogli esposti richiamano per prima cosa il senso delle partiture musicali. Spartiti a cui si può aggiungere il tempo scandito (lo stesso tempo delle nostre vite) e l’eco della voce, in una forma dura della voce. Voce interiore, silenziosa.. La vera visione la si riconosce, in fondo, perché ama il silenzio. Ecco, il silenzio. Quel che collega sotterraneamente le opere di Liselotte Frauenknecht è proprio quel perturbante silenzio giunto all’improvviso dopo il corpo a corpo con l’esistere, un silenzio che tuttavia lascia affiorare i segni del duello recente, le ferite, l’urlo strozzato in gola, lo sconvolgimento, la scia del sangue… E’ poi possibile scorgere in queste opere l’aggregarsi e il disgregarsi di una trama. Anche questa è visione interiore, più vicina a una cadenza musicale che a un racconto… Scintille, pulsioni profonde, scariche elettriche del vissuto. Tutto avviene, o è avvenuto, nel segno del notturno e dell’inquieto, nel luogo occultato dalla chiarezza illuministica. Qui si scava, al buio, nel luogo più temuto, nel bel mezzo del labirinto, in solitudine. Si afferrano schegge e sono orme lasciate dal dàimon.. C’è una forza pulsante qui, una ricerca di verità e di panico che scompiglia l’anima, la porta altrove. Dove? Verso l’altra parte di sé. Così, mentre guardiamo, continuiamo a essere guardati. A specchio. Dario Capello

Nella sua quarta personale alla galleria Weber & Weber l’artista Bruno Lucca espone una selezione del vasto
corpus di fotografie scattate in casa propria nel corso degli ultimi anni. Migliaia di immagini che sono il suggestivo
diario visivo di un quotidiano Viaggio di esplorazione compiuto dentro lo spazio domestico. La mostra
si compone di due grandi isole, collocate al pavimento degli ambienti della galleria, formate dal montaggio
di una parte di queste immagini.
Le fotografie di Lucca hanno una singolare relazione con il celebre libro di Xavier de Maistre Viaggio intorno
alla mia stanza, scritto a Torino nel 1787. Xavier de Maistre, giovane ufficiale del reggimento “Regie Navi”
della Marina sarda viene messo agli arresti domiciliari a causa di un duello. Nei 42 giorni di reclusione, per
ingannare la noia, scrive il suo Voyage. È forse il primo libro in cui si racconta compiutamente di quello spazio
domestico e privato che si andava formando proprio in quell’epoca. Uno spazio squisitamente moderno
e per noi oggi perfettamente normale: il luogo dell’intimità, della privacy, in cui ci rifugiamo per difenderci
dal tumulto e dall’invadenza del mondo. Ma quell’intérieur che de Maistre andava esplorando in quell’ultimo
scorcio di Settecento e che diventerà una grande costruzione moderna, sembra oggi essere fragile e
insicuro, minacciato da sistemi di comunicazione sempre più mobili e fluidi, capaci di insinuarsi profondamente
nel nostro spazio più intimo e privato. Le incursioni nella nostra privacy sono, d’altronde, materia di
dibattito quotidiano.
Per questo le fotografie di Bruno Lucca assumono un interesse particolare, sono immagini con le quali l’artista,
esplorando il proprio spazio privato, riconosce e nomina ciò che gli sta intorno e, così facendo, lo accudisce
e preserva. Una sorta di topofilia – per usare le parole di Gaston Bachelard – che definendo lo spazio
umano della vita, lo difende.
Alle pareti della galleria sono esposti una selezione piccoli ritratti che rappresentano le persone vicine all’artista.
Un altro modo per riconosce e nominare – e così difendere – il proprio spazio emotivo. L’esposizione dei
ritratti svela un’altra, e non casuale, simmetria tra de Maistre e Lucca: Xavier, lasciato l’esercito, si guadagna
da vivere come ritrattista. Anche dipingendo, tanto de Maistre quanto Lucca, dimostrano una peculiare capacità
di relazione con quello che li circonda, che siano le stanze in cui vivono o le persone che ritraggono.

La Galleria Weber & Weber presenta un lavoro inedito del fotografo Vasco Ascolini, Deposito figure, realizzato e stampato dall’autore tra il 1996 e il 1997, ed oggi esposto per la prima volta nella sua interezza.
Dentro a una vecchia officina, utilizzata un tempo per il regolamento delle acque fluviali, si trova un magazzino, che Vasco Ascolini visita per la prima volta nell’autunno del 1996, dove centinaia di statue aspettano di essere risistemate e riportate nei loro luoghi di origine e provenienza.
Il deposito si trova ad Ivry-sur-Seine, vicino al corso d’acqua. Un ambiente che pare l’immagine di un’umanità ferita, in fuga, in attesa, come migranti approdati su una nuova terra dopo un lungo viaggio. All’interno si vedono sculture di uomini, donne e bambini, anziani, animali, con un numero appoggiato sui loro corpi, il
loro unico nome, impresso su piccole targhe appese.
Ascolini racconta queste presenze ferme come se dentro a quel luogo ci fosse una vita in divenire, dove gli stessi soggetti, ripresi in modi differenti, paiono muoversi, tornare, percorrere dei tratti, di giorno, di notte.
Vasco Ascolini inizia a fotografare nel 1965. Nel 1973 comincia il lavoro come fotografo ufficiale del Teatro Valli di Reggio Emilia, dove matura una precisa scrittura fotografica volta alla ricerca del nero, per raccontare lo spazio scenico e il corpo dell’attore.
Negli anni ’70 decide di perseguire un cammino “fuori le mura”, non solo cittadine o regionali ma anche nazionali. Per il teatro si rivolge ai grandi musei degli Stati Uniti. Molte delle sue immagini sono oggi conservate nei più importanti musei d’arte del mondo: al Metropolitan Museum, al Solomon R. Guggenheim Museum e al MoMA di New York, nella Library Collection Artist Files, al Victoria and Albert Museum di Londra, al Centre G. Pompidou e alla Maison Européenne de la Photographie di Parigi, al Musée Réattu di
Arles, e al Musée N. Niépce a Chalon-sur-Saône, solo per citarne alcuni. Una grande mostra al Lincoln Center di New York nella Public Library, nel 1985, chiude la sua ventennale ricerca sul teatro. Nella seconda meta degli anni ’80 comincia a lavorare sui beni culturali delle città, sulle architetture e le archeologie,
dalla loro fondazione a fine ’800, mantenendo la cifra del nero della precedente esperienza teatrale, attratto dalle persistenze dei frammenti del passato, dalla loro eredità storica e culturale.
La Francia, tra tutti i paesi, è quella che lo accoglie più attentamente, conferendogli incarichi da realizzare all’interno delle sedi dei più importanti musei nazionali: come il Musée Rodin, il Louvre, il Musée Carnavalet, la Bibliotheque Nationale de France e tanti altri.
Ascolini conosce direttamente alcuni dei più grandi personaggi della cultura del ’900, con cui mantiene nel tempo rapporti epistolari, che scrivono sulla sua ricerca, tra questi: Helmut Gernsheim, Ernst Gombrich, Jacques Le Goff e Aaron Scharf.
Nel 2000 riceve la nomina a Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres dal Ministero della Cultura della Repubblica Francese.
Vasco Ascolini nasce nel maggio del 1937 a Reggio Emilia, dove attualmente vive e lavora.