La mostra di Nicola Ponzio “Cose pensate, esposte, scritte” è un progetto artistico che si avvale di differenti mezzi espressivi. Nell’opera dell’artista è consueta l’indagine della pittura come mezzo espressivo attraverso l’elaborazione di lavori che spaziano dalla fotografia fino a elaborati artistici più concettuali. Alle caratteristiche che si riconoscono nell’analisi della pittura quali colore, luce, forma e materia l’artista aggiunge l’elemento “tempo”: opere che quindi si modificano attraverso trasformazioni che sono documentate dalla fotografia o di opere che presentano lente modifiche attraverso l’utilizzo di sostanze oleose miste a colore e oggetti fluttuanti. Infine alcuni lavori che l’artista ha realizzato impaginando un numero considerevole di definizione di colore, raccolte in anni di indagine sul web, e che diventano a loro volta pittoriche.

Enzo Gagliardino

In limine
a cura di Virginia Fungo

12 luglio | 10 settembre 2022

Ferdi Giardini

dammi ancora colori per vivere

12 luglio | 10 settembre 2022

Martedì 12 luglio alle ore 18 presso gli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary in via Goito, 8 a Torino, doppia inaugurazione delle mostre di Enzo Gagliardino “In limine” e, nella project room, di Ferdi Giardini  “Dammi ancora colori per vivere”

Enzo Gagliardino presenta una serie di lavori pittorici inediti e alcune opere degli anni Ottanta. Qui di seguito il testo di Virginia Fungo:

In limine apre la raccolta Ossi di seppia, soglia della raccolta ma anche tema ricorrente dell’opera montaliana come confine tra prigionia esistenziale e libertà. Quest’ultima inseguita dall’essere umano nelle maniere più differenti, adattandosi a vivere in diversi contesti, in cui trascorrere un’esistenza caratterizzata dalla ricerca di un luogo da trasformare nella propria ‘zona di libertà’. Ad oggi, la maggior parte degli uomini vive in un contesto urbano, nella città con tutti gli edifici che ne sono parte: case, uffici, ospedali, carceri, piazze, campetti. Nel corso del tempo, si instaura uno scambio reciproco tra uomo, città e architettura: il contesto urbano influenza le abitudini dell’uomo, il quale poi modifica il luogo in cui vive, nell’intento di trovare un equilibrio tra il senso di costrizione legato al vivere in un determinato tipo di società e la libertà individuale.

In questa ricerca del proprio luogo ideale, ciascuno di noi cambia abitazione, ne vive in maniera personale l’interno, anche in base alle proprie possibilità economiche e sociali. Spesso da bambini succedeva (almeno a me) di passare per strade e vie, percorrere tratti in auto o in treno e guardare le facciate e le finestre di case, uffici, ospedali, immaginandosi le vite delle persone che si trovavano al loro interno. Passando da case sfarzose a case popolari, figurandosi anche le differenti abitudini e stati d’animo degli abitanti in base alla tipologia di casa.

La stessa sensazione si prova guardando gli edifici oggetto della ricerca artistica di Enzo Gagliardino, che ne dipinge le facciate, le finestre, gli elementi costitutivi, ma in un modo che porta a interrogarsi su ciò che è oltre al visibile, su chi e ciò che sta dietro alla facciata, le vite dietro al muro di mattoni. Trovandosi così sulla soglia tra l’esterno di palazzi dipinti e le situazioni dietro di essi, che spetta a noi immaginare; la presenza umana è assente, ma è proprio in questa assenza che ne possiamo fantasticare invece l’esistenza al di là delle finestre e delle pareti. I muri degli edifici legati alla periferia, che spaziano da case popolari a scuole, campi da calcio, fabbriche, carceri sono rappresentati in modo geometrico ed essenziale diventando anonimi e difficilmente riconoscibili: elemento che divide l’interno dall’esterno, che protegge e allo stesso tempo limita.

Nei lavori di Gagliardino si ripetono griglie, prospettive e spazi sempre simili, tanti estratti dell’atmosfera delle città di mattoni e cemento in cui viviamo, di quei luoghi anonimi e talvolta stranianti in cui abbiamo abitudini indotte e consuetudini che mettono in forse la personalità individuale. In un modo che, talvolta, può diventare inquietante: nell’omologazione al luogo e allo stile di vita, nel sentirsi indissolubilmente legati alla propria condizione, a una ricerca del proprio posto nel mondo e della felicità che viene costantemente interrotta, mai raggiunta. Ma, allo stesso tempo, questi sono i luoghi in cui possiamo costruire il nostro io e cercare la libertà: nella socialità di una partita a calcio in un campetto di periferia come nelle personali abitudini domestiche. Ecco allora che quei muri, quelle facciate di mattoni, oltre a essere protezione o limite e un confine, sono anche terra di mezzo tra consuetudini e costruzione del sé, soglia in cui si snoda il continuo intreccio tra senso di prigionia e slancio verso la libertà, con l’azione che entrambi esercitano sull’altro.

Virginia Fungo
Ferdi Giardini presenta nella project room una opera installativa di alluminio, trasformato con la consueta sapienza alchemica dell’artista torinese, e led. Si tratta di un’opera di rara bellezza formale che offre continuità alla ricerca dell’artista nell’applicazione della luce a opere scultoreo/installative.

Scheda degli eventi:

Autore: Enzo Gagliardino
Titolo: In limine
Curatore: Virginia Fungo
Date: 12 luglio – 10 settembre 2022 (chiuso dal 5 al 25 agosto)
Inaugurazione: martedì 12 luglio 2022 ore 18:00
Sede: via Goito, 8 – Torino
Orari: da mar. a sab. 11:00 – 13:00 | 15:00 – 19:30
Informazioni:
Riccardo Costantini Contemporary
tel. +39 011 19226893
e-mail: info@rccontemporary.it

Autore: Ferdi Giardini
Titolo: Dammi ancora colori per vivere
Date: 12 luglio – 10 settembre 2022 (chiuso dal 5 al 25 agosto)
Inaugurazione: martedì 12 luglio 2022 ore 18:00
Sede: via Goito, 8 – Torino (project room)
Orari: da mar. a sab. 11:00 – 13:00 | 15:00 – 19:30
Informazioni:
Riccardo Costantini Contemporary
tel. +39 011 19226893
e-mail: info@rccontemporary.it

h. 18.00

NUOVA SEDE!!!

Project Room | Pierluigi Fresia | Speed of Light

Saverio Todaro “Reel” a cura di Marco Enrico Giacomelli

Reel [riːl]

noun

(in fishing etc) mulinello

(cotton reel) rocchetto, spoletta

(Technical) aspo

(for tape recorder) bobina

(Photography)

(for small camera) rotolino, rullino

(of cine film) bobina, pizza

(dance) danza scozzese o irlandese molto vivace

(Collins Dictionary)

Reel è il titolo della mostra di Saverio Todaro, a cura di Marco Enrico Giacomelli, che si terrà nei nuovi spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary, in via Goito n. 8 a Torino, dal 19 maggio al 1 luglio 2022.

“Reel” è anche il titolo dell’opera installativa, ispirata dai cavalli di frisia, a cui viene arrotolato il filo spinato, ormai nei nostri occhi quotidianamente tramite le immagini che ci provengono dagli scenari di guerra.

Reel è anche il breve filmato riavvolgibile che Instagram ha creato per contrastare lo strapotere di questo tipo di contenuto che, fino ad allora, era dominato da un altro social network: Tik Tok. Nella mostra infatti si parla proprio di internet e soprattutto dei social che sempre di più controllano e dominano la nostra esistenza.

Saverio Todaro indaga i meccanismi che ci rendono schiavi di un sistema subdolo e divisivo e che inconsapevolmente determinano le nostre opinioni e le nostre posizioni su qualsiasi tema.

La serie di opere pittoriche dal titolo “Follower” si ispira, per lo più, ad avvenimenti recenti. Nella loro singolarità potrebbero sembrare erroneamente didascaliche ma è nella pluralità che riescono a infonderci una visione complessiva e universale della cronaca. I social network, soprattutto Facebook e Twitter, ci portano a discutere ed esprimere opinioni che diventano sempre più radicali e lo fanno con il cosiddetto “filter bubble”, ovvero quel processo per cui ci appaiono, nella nostra bacheca, post e tweet inerenti ai nostri interessi o ai nostri precedenti interventi su un qualsiasi argomento.

“Luftwaffe” è un grande stendardo dove l’aquila che dominava l’emblema della aviazione tedesca durante il nazismo è qui sostituita dal logo di Instagram, simbolo del nuovo totalitarismo dell’immagine.

L’opera murale “Globe” è una rivisitazione del logo di Google, una finestra del mondo attuale, uno dei luoghi di quella geografia inconsueta e senza sostanza generata dai motori di ricerca.

Le tre opere dal titolo “Loading” fungono da “sentinelle” nelle tre stanze principali del percorso di mostra. Sono lavori a carboncino su carta, infinitesima parte di un corposo progetto che indaga la genesi di internet e gli scenari che emergono dalla connessione globale: la gestione delle relazioni sociali, il sapere, l’economia, la religione, la storia che l’essere umano oggi scrive nell’etere.

Infine con l’opera installativa “Breccia” si torna al tema della guerra evocata dalle macerie provocate da una “jihad” interiore.
Saverio Todaro nasce nel 1970 a Berna (CH). Vive e lavora a Torino dove ha compiuto gli studi al Liceo Artistico e all’Accademia di Belle Arti nel corso di Scultura.

Ispirato dai codici della biologia e della comunicazione, inizia ad esporre nei primi anni Novanta macchine per scrivere, tavoli tagliati e DNA di acciaio.

Nel secondo millennio, con la diffusione di Internet, avviene una rivoluzione planetaria e il biopotere assume una dimensione pervasiva. Attualmente la sua ricerca è attratta dagli

scenari che emergono dalla connessione globale e dal controllo che esercita sul mondo.

Un corpus di lavori inediti, fra differenti mezzi espressivi quali fotografia, pittura e installazione, un ciclo di opere che nasce durante una residenza d’arte a Palermo nel 2018.

Maura Banfo scrive: “Il mio spazio mare ha dovuto modificare la sua prospettiva quando con il primo lockdown mi sono trovata nell’impossibilità di ripartire per due nuove residenze, una a Napoli e l’altra a Cannes.

La mia casa è quindi diventata il luogo del mio stare giorno per giorno, ho costruito così un luogo immaginario e sognante, un work in progress tutt’oggi in fase di definizione finale.
Ho cercato intorno a me tutto ciò che ho raccolto negli anni nei miei contatti con il mare in attesa di poterci ritornare, e in questo limbo ho costruito delle piccole wunderkammer, come delle scatole magiche che racchiudessero il mio spazio di attesa.
… indagare il senso e la destinazione, e solo così trovare i termini di un patto soddisfacente con il nostro ambiente di vita.”

Il 14 settembre in occasione di Ouverture di TAG 2021 – Torino Art Galleries, e fino al 18 settembre in adesione a EXIBIT.TO, negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino inaugurano le due mostre “I miei legni” di Andrea Bouquet e, nella project room, la personale di Enrico Iuliano “6200 bar”.

“I miei legni” | Andrea Bouquet

Dopo la mostra del settembre 2020 dei Magda_t_home, secondo appuntamento con il design dei maker, ovvero creatori che non si limitano a progettare le proprie creazioni ma si occupano personalmente della realizzazione.

Andrea Bouquet, ebanista di Pinerolo, presenta alcuni dei suoi lavori più recenti.

[…] La realizzazione dei mobili di Bouquet o, come lui ama definirli “i suoi legni”, avviene per lo più a mano, con l’aiuto di limitati utensili elettrici, in controtendenza a ciò che avviene oggi nella maggior parte del design. Bouquet parte da pochi schizzi, che spesso modifica durante la costruzione, seguendo la natura del materiale con cui lavora. Insieme al legno vengono mescolati molteplici elementi, la cui coesistenza e unione dà vita al risultato finale; estetiche e stili di diverse epoche storiche vengono mescolati con materie prese dalla natura, legni e rami raccolti nei boschi in cui si trova il suo laboratorio e con elementi contemporanei. Ad esempio, Il barocco viene mescolato e miscelato con linee più attuali e con i peculiari bastoni, che conferiscono unicità ai pezzi in quanto uno diverso dall’altro e contribuiscono a creare un senso di equilibrio precario.

[…] I suoi legni sono caratterizzati da leggerezza, precarietà che diventa equilibrio, sono legno che prende nuova forma attraverso le sue mani, materia che viene plasmata durante la realizzazione, miscela di più essenze, il risultato di una lavorazione che mescola e innesca in modo personale altri elementi al legno, a quel materiale che è parte accessoria della vita di tutti noi ma che è invece per Bouquet l’elemento fondamentale del proprio vivere.

(dal testo critico di Virginia Fungo)

“6200 bar” | Enrico Iuliano

[…] “6200 bar” è l’indicazione di una misura: quella della pressione, fortissima, necessaria affinché l’acqua riesca a tagliare il metallo. Le cinque opere esposte sono oggetti di alluminio o di acciaio sulla cui superficie sono state incise, impiegando la tecnologia Waterjet, sedici lettere che compongono la frase un’idea di scultura. Si tratta di oggetti di recupero (eliche di motoscafo) o avanzi di officina (bandelle), comunque derivati da un’operazione indicale di sapore duchampiano: l’artista trova la scultura dove c’è già e la sceglie. Non l’atto dello scolpire, dunque, ma un procedimento scultoreo che mantiene un criterio formale nell’attenzione per i valori plastici che l’oggetto possiede.

[…] L’invenzione della metallurgia segna l’alba della civiltà umana insieme all’altra fondamentale scoperta, quella della scrittura. “Il primo atto razionale dell’essere umano”, afferma Iuliano, che sul gesto dello scrivere indaga da lungo tempo, anche se solo di recente sembra aver trovato le parole: un’idea di scultura è una dichiarazione di ispirazione. O una superba utopia: corrispondenza immediata di materia e idea, scultura e pensiero, autore e fruitore, estetico e razionale.

(dal testo critico di Emanuela Termine)

5 giorni di opening:
martedì 22 giugno h. 15 – 23
dal 23 al  26 giugno h. 15 -20

In collaborazione con:

La personale di Carlo Galfione “Le vite degli altri” a cura di Federica Giallombardo è la nuova mostra negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary.
Pitture di straordinaria qualità tecnica, realizzate su tessuto o carta da parati, dove i soggetti sono “le vite degli altri” ovvero immagini trovate dall’artista sui social.

[…] La tappezzeria nelle opere di Carlo Galfione (Pinerolo, 1969) circonda e assorbe Le vite degli altri. Non avviene in una maniera sempre narrativamente coesa, anzi: vi è una vibrante lacerazione tra storia e racconto, tra tessuto e pittura, che libera la materia dalla sua canonica e convenzionale funzione e che rappresenta uno spaccato di esistenze e di ecosistemi lontani se non agli antipodi da quello che le pareti hanno circoscritto per secoli. Il fascino nella poetica di Galfione risiede proprio nell’amalgamazione dei contrasti (sociali, economici, ambientali, estetici) grazie a un sapiente tratto pittorico che invece è un punto di incontro coerente e nobilitante; i soggetti umani vengono offuscati od obliati come un residuo di memoria che si intreccia con la trama delle decorazioni; il paesaggio invece assimila le textures lasciandole trasparire in controluce come un ordito sotteso tra artificio e natura.

Interno ed esterno coabitano grazie a patterns più o meno evidenti, immedesimandosi reciprocamente. Da qui l’idea di attingere da fotografie e immagini di ricordi altrui incorniciandole in una sorta di patchwork di reminiscenze; ovvero, la memoria dell’artista si riconosce in quella di persone sconosciute e contesti non vissuti direttamente poiché imprime in sé figure e colori, trasformando il ricordo d’esperienza in ricordo d’immagine. Si entra nelle vite degli altri con delicatezza, scucendo appena il textus dell’esistenza, appropriandosi di momenti che non rimangono a lungo propri del mittente ma che presto diventano altro appartenente al destinatario-artista (e che l’osservatore arricchisce ulteriormente subito dopo). Vite comuni, nelle quali si riscontrano scene e immagini condivisibili perché squisitamente umane, colme di potenziale di perfettibilità che soltanto il dipinto può sprigionare – perché la realtà è scompaginata e strappata proprio come i frammenti di tessuti e carte da parati. Trarre soggetti estraendoli e convertendoli da un bagaglio personale a un patrimonio artistico comune: un passaggio di testimone che si riversa nelle opere di Galfione esprimendo di conseguenza, con mimesi amalgamata e mai ostentatrice delle sue qualità, il patrimonio storico della pittura di paesaggio e della ritrattistica.

Federica Maria Giallombardo

Agosto chiuso
Orari: dal martedì a sabato ore 11.00 – 19.30. Lunedì e domenica chiuso

Sarà presentato a Torino, a partire dal 6 maggio, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary, il numero 6 del libro seriale Ghost dal titolo “La Bellezza Cambia il Mondo?” a cura di Riccardo Costantini. La raccolta fotografica, inizialmente concepita come progetto editoriale, diventa anche una mostra collettiva in presenza che avrà luogo fino al 5 giugno 2021. Gli artisti invitati sono: Ilaria Abbiento, Maura Banfo, Gianpiero Fanuli, Pierluigi Fresia, Patrizia Mussa, Claudio Orlandi, Giorgio Racca, Edoardo Romagnoli.

Presentazione ed inaugurazione: dal 6 al 9 maggio 2021 con ingresso contingentato dalle 11.00 alle 20.00; gli altri giorni e fino al 5 giugno: dal martedì al sabato dalle 11.00 alle 19.30. È possibile prenotare la propria visita all’indirizzo e-mail riccardocostantini65@gmail.com. La rivista è distribuita in galleria (via Giolitti 51, Torino) per tutto il periodo della mostra, oppure on line sul sito ghostbook.it, aderendo all’Associazione Culturale Ghost con una donazione di 25€.

Gli artisti invitati a rispondere alla domanda “La Bellezza Cambia il Mondo?” e i critici a loro affiancati sono: Ilaria Abbiento – Claudio Composti, Maura Banfo – Olga Gambari, Gianpiero Fanuli – Ray Banhoff, Pierluigi Fresia che ha scritto lui stesso il suo testo, Patrizia Mussa – Giovanna Calvenzi, Claudio Orlandi – Alessia Locatelli, Giorgio Racca – Guido Turco, Edoardo Romagnoli – Giovanna Gammarota. La rassegna è introdotta e presentata dal testo del curatore Riccardo Costantini.

[…]  Il mare è il soggetto delle fotografie di Ilaria Abbiento. Ilaria è napoletana e, come spesso succede per chi, come lei, è nata e vive in un luogo di mare, ha un rapporto quasi simbiotico e indissolubile con il paesaggio marino. Il lavoro della Abbiento rappresenta il mare nella sua maestosa e incommensurabile bellezza ma anche nella sua ingannevole pace. Le sue fotografie lo descrivono nella sua purezza, quasi come se volesse rimuovere quanto male gli esseri umani, con le proprie perniciose azioni, siano capaci di provocargli. Il suo profondo amore per il mare la porta a cercarlo ovunque, anche in immagini di particolari scovati sulla terra ferma che riescano semplicemente ad evocarlo. Risulterebbe comunque incompleto affermare che la Abbiento ami il mare; Ilaria è capace di raccontarlo così bene perché gli appartiene.

Maura Banfo, con il progetto “Esercizi di natura”, sembra esortarci a riflettere: dobbiamo tornare ad ascoltare la natura con un sentimento di appartenenza. Quando siamo disposti ad ascoltare qualcuno gli mostriamo il nostro rispetto. Le sue conchiglie sono lo strumento con cui, metaforicamente, possiamo tornare ad ascoltare il mare come ognuno di noi nell’infanzia ha fatto, appoggiando l’orecchio alla parte cava del guscio, con l’ingenuo stupore che ne uscisse il suono del frangersi delle onde. Come afferma la Banfo, “Ascoltare per ascoltarsi”. Da un percorso intimo e personale scaturisce una domanda universale: può esistere la bellezza senza la pace e la serenità interiore che ci permettano di coglierne l’essenza?

Le fotografie della serie “Warless Theatre” di Patrizia Mussa ci pongono al cospetto di straordinari paesaggi naturali e artificiali. Mera rappresentazione della bellezza? Il sospetto che l’artista non si stia limitando a questo ci viene nel momento in cui scopriamo dove sono state scattate le fotografie: Afghanistan, Etiopia e Yemen. Patrizia Mussa aveva realizzato queste foto molti anni fa quando questi luoghi erano accessibili; oggi non sappiamo nemmeno se tali paesaggi siano ancora come lei li ha visti e fotografati, poiché scenari che hanno perso la loro principale caratteristica di bellezza per acquisire lo status di territori di alcune fra le guerre più cruente e distruttive degli ultimi decenni. Ritrovando questi scatti, a distanza di tempo, l’autrice ha desaturato le fotografie, intervenendo successivamente con dei pastelli, allo scopo di rigenerare la bellezza percepita da quei luoghi e le emozioni che ne derivavano.

Con il lavoro di Edoardo Romagnoli rimaniamo sulla terra ferma. Potrebbe sembrare un paradosso per un autore che ha occupato, principalmente, la propria attività di fotografo nel rappresentare la Luna. I suoi fiori, qui pubblicati, sono tuttavia realizzati con lo stesso procedimento tecnico: lunga esposizione, movimento della camera e, in questa serie, talvolta sovrapposizione di due immagini. Romagnoli ha avuto la fortuna di nascere circondato da arte e bellezza. Suo nonno, Giuseppe Pallanti, fu pittore di successo fra l’800 e il ‘900, ma anche la madre dipingeva con indiscutibile qualità. Pochi anni fa realizzammo una mostra in cui le sue fotografie di fiori erano esposte, in una quadreria, insieme alle pitture dello stesso soggetto del Pallanti e di sua madre. Era impossibile non rimanere colpiti da quell’elegante tripudio di colori che ne scaturiva. A volte è dalle cose più immediate che nasce la capacità, non scontata, di accompagnare i nostri sensi verso la percezione della bellezza.

Pierluigi Fresia si rapporta alla natura con un approccio peculiare. La fotografia per Fresia non è un mezzo espressivo utile a rappresentare la realtà. Sembra quasi un paradosso ma le immagini scattate dall’artista diventano semplicemente una quinta scenica di finzione in cui, con l’intervento di segni grafici e di frasi che inserisce sulle sue fotografie, l’autore sembra negare la nostra capacità di dialogo con la natura: l’immagine e l’intervento dell’artista convivono ma non si parlano, come sinapsi in corto circuito. La bellezza delle immagini di Fresia è derisa dal suo intervento in post produzione esattamente come l’uomo, con le proprie azioni, si prende gioco della natura e di ciò che di bello lo circonda.

Solo una lettura superficiale del lavoro di Gianpiero Fanuli ci può portare a pensare, erroneamente, che le sue Polaroid siano esclusivamente un esercizio edonistico. Certo nessun dubbio che la piacevolezza del suo lavoro sia parte determinante del suo progetto artistico, ma sarebbe riduttivo ritenerle semplicemente delle belle immagini. Fanuli produce fotografie che hanno quel sapore vintage che ci spiazza: sono scattate oggi ma sembrano uscite dall’album dei ricordi della nostra giovinezza o almeno della mia, che sono nato negli anni Sessanta. Le immagini selezionate ci raccontano il mare e le spiagge popolate dei litorali italiani. Il bello rimane bello ma anche ciò che non riterremmo oggettivamente tale, nei suoi scatti lo diventa. Il tutto ci riporta a un magico vissuto cinematografico, quello colto dei grandi registi che hanno reso indimenticabile parte della produzione italiana di questo mezzo espressivo figlio della fotografia.

“The Poem From the Future (Aprile – Maggio 2020)” è il titolo del progetto in tre capitoli di Giorgio Racca: Ritratto del padre, Ritratto della madre e Autoritratto. Tre serie da nove fotografie in bianco e nero che sviluppano un percorso narrativo cinematografico e ermetico. Immagini metafisiche, rotte puntualmente dalla presenza dei tre ritratti anche se quello del padre, una sedia a rotelle in una stanza d’ospedale, è chiaramente metaforica. I riferimenti sono intimi e personali eppure ognuno di noi potrà ritrovare le immagini della propria memoria, seppur differente, in ogni singolo scatto utile al racconto. Perché è di questo che si tratta, della nostra vita e dei ricordi che la rendono indimenticabile nel bene e nel male. La bellezza è quella del “ricordo” e di quelle immagini indelebili che, a dispetto della propria natura, rimangono impresse nel racconto del nostro passato, immediato presente e che determineranno il nostro futuro. […]
(Dal testo di Riccardo Costantini per  Ghost #6)

Orari: Dall’11 maggio al 5 giugno, dal martedì a sabato ore 11.00 – 19.30.

Lunedì e domenica chiuso

Ufficio Stampa: Sirio Schiano lo Moriello

Associazione Culturale Ghost

www.ghostbook.it

info@ghostbook.it

Per ottemperare alle vigenti leggi sulla pandemia di Covid19, si avverte che l’accesso ai locali della galleria sarà limitato a 6/8 visitatori per volta. Si consiglia di prenotare la visita per avere la priorità di accesso rispondendo a questa e-mail.

Orari di galleria dal 16 febbraio: da martedì a sabato ore 11.00 – 19.30. Lunedì e domenica chiuso

O tempora, o mores – che tempi, che costumi – espressione utilizzata da Cicerone in varie orazioni, tra cui la prima orazione contro Catilina e la seconda orazione contro Verre. In origine, l’affermazione aveva il significato di rimpiangere le virtù passate e deplorare la corruzione imperversante nella propria epoca. Oggi viene usata invece in tono scherzoso o bonariamente polemico nei confronti dell’epoca in cui si vive e delle abitudini correnti.

Posizione che si può adottare senza moralismi, interrogandosi sul tempo che ci si trova a vivere. In questo senso O tempora, o mores tocca differenti tematiche appartenenti alla società contemporanea, aspetti innegabili del nostro tempo, complessi ma in esso presenti. In ogni epoca l’umanità tende a vedere i tempi precedenti come migliori, pensando del proprio “che tempi, che costumi”, è stato così dall’epoca romana e sarà lo stesso in futuro. Ecco perché è importante riflettere su ciò che della nostra società può essere ambiguo e talvolta infastidirci, al fine di conoscerne le varie sfaccettature. Esiste dunque un insieme di elementi legati alla società contemporanea, connessi a pulsioni e attitudini umane, che vanno dalla sessualità alla violenza, al potere e che sfociano in comportamenti che caratterizzano la società stessa e le relazioni umane. Relazioni interpersonali come nel caso della famiglia e dei rapporti sessuali oppure relazioni con res del mondo, dall’ambiente agli animali, fino a un senso di inquietudine talvolta sotteso e latente al mondo stesso. Dinamiche relazionali e ruoli che spesso, in una visione distorta della libertà propria e altrui legata anche al ruolo sempre crescente di internet e dei suoi meccanismi, si tramutano in manifestazioni di potere.

Partendo dal rapporto tra persone, la famiglia è protagonista dell’opera di Cinzia Ceccarelli, parte della serie (mai) per sempre, in cui due fotografie vintage di altrettante famiglie sono interrotte da un’immagine contenente fiamme, riflessione sul ruolo attuale della casa come rifugio ma anche come luogo in cui possono annidarsi pericoli. Membri importanti delle famiglie sono anche gli animali domestici, come i bassotti de L’abbuffata di Francesco Pergolesi – dalla serie Cave Canem a cura di Carla Testore – intenti a rubare del cibo in una cucina sono metafora della società umana. Daniele Galliano guarda alla sfera intima e sessuale con le sue opere erotiche che riprendono foto estratte da film porno trovati su internet, e allo stesso tempo a quella collettiva, come in Il ruggito dei conigli, indagando le relazioni tra persone all’interno della nostra società.
In una dimensione invece legata alla società civile si colloca l’opera di Kinki Texas, in cui una Statua della Libertà rivisitata come una donna di colore incinta di un coniglio e armata di un fucile è un riferimento ai problemi collegati alla società americana, oggi particolarmente evidenti. Tempi spesso violenti, cui si deve sopravvivere metaforicamente armati, armati ad esempio della mazza ferrata soggetto dell’opera di Ubay Murillo, rivisitazione di una fotografia trovata dall’artista su internet, mondo che può essere visto come non-luogo in cui si ritrova la ripetizione dello standard tipico di essi. Rapporto complesso, e sovente brutale nei suoi confronti, è anche quello con l’ambiente e la natura; nel lavoro di Carlo Galfione tale realtà emerge nell’immagine di una discarica in fiamme.

In Simone Stuto il dualismo tra spirito e materia e tra bellezza e mostruosità porta in evidenza l’angoscia della situazione attuale. Un immaginario inquietante e allo stesso momento in grado di trasmettere bellezza è presente anche in Rocas Secas y Huecas di Jesus Zurita. Inoltre, personaggi caratterizzati da metamorfosi e ambiguità si trovano nei lavori di Ray Smith.

Accanto al rapporto con la società e il mondo si colloca il rapporto intimo tra persone, sfociante talvolta nell’erotismo, esplorato nelle sue molteplici forme. Con la ragazza ammiccante dell’opera di Richard Kern, il corpo femminile è oggettivato in un atto compiuto in modo consapevole al fine di compiacere, con un rimando agrodolce al ruolo della donna come oggetto sessuale. Nelle polaroid di Nobuyoshi Araki l’erotismo emerge in una dimensione contorta e violenta, violenza però consensuale e quindi lecita, all’interno della linea di confine delineata dal consenso reciproco. Limite che viene invece superato nel momento in cui manca il consenso portando alla violenza più estrema, come nell’opera di Ryan Mendoza, in cui l’immagine di uno stupratore viene accostata a un nudo. Passando poi ad opere in cui il nudo è protagonista, nei lavori di Manuele Cerutti e Chantal Joffe in una dimensione intima e nelle fotografie di Gianpiero Fanuli e Carolina Lopez, in cui diventa parte integrante della composizione. Nei lavori di Melissa Steckbauer si passa da un riferimento alla seduzione femminile consapevole, con il richiamo alla pin-up Bettie Page, all’intervento tramite tagli, incisioni, sovrapposizioni su immagini fotografiche, inserendo così una distanza rispetto ai sentimenti di desiderio o possesso in esse presenti.

O tempora, o mores si pone dunque come un viaggio di ricognizione tra le pieghe dell’oggi tramite opere che suscitano sentimenti contrastanti, legate alla violenza, agli aspetti inconsci e oscuri della nostra società e alla sessualità in tutte le sue forme. Arriverà forse il momento in cui il nostro presente sarà visto come “i tempi migliori”, nel probabile continuo interrogarsi sul proprio tempo che avverrà in futuro, si avrà bisogno ancora e ancora dell’aiuto di Cicerone?

Virginia Fungo

Dal 5 novembre al 5 dicembre 2020, con inaugurazione in occasione di Ouverture #9 TAG Turin Art Week, da giovedì 5 a domenica 8 novembre, negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino va in scena la mostra collettiva Verba.

In mostra alcune opere di artisti che nell’ambito dell’arte concettuale, pittorica, fotografica, performativa e installativa, abbiano inserito nei propri lavori la scrittura e le parole.

Un percorso che parte da artisti di fama internazionale quali Acconci, Agnetti, Mondino, Occhiomagico,Paolini, Pietroiusti e Prini, affiancati in questa collettiva da alcuni nomi dell’arte contemporanea emergente, che usano la scrittura come elemento distintivo del proprio lavoro.

Se per Vincenzo Agnetti, maestro indiscusso dell’arte concettuale, la scrittura è presente nella quasi totalità della sua produzione artistica, nel lavoro in mostra di Vito Acconci (Hand Mouth – film still text – 1971) il testo in uno dei tre pannelli che compongo l’opera sembra quasi la didascalia dell’azione performativa.

Nell’opera in esposizione di Giulio Paolini (senza titolo – tempera e collage su cartoncino – 1967) la sagoma della mano che scrive evoca il concetto di scrittura senza la presenza di un testo.

Nei lavori di Aldo Mondino le parole sembrano didascalie che in maniera del tutto pleonastica evidenziano la natura dell’opera e del soggetto.

Anche nel lavoro dello Studio Occhiomagico, nato a Milano nei primissimi anni Settanta e oggi rappresentato dal solo Giancarlo Maiocchi, i testi che accompagnano l’immagine della fotografia di un bottone incastonato di spine, ci aiutano a svelare e comprendere l’intento metaforico del soggetto stesso.

L’iconoclastia che caratterizza buona parte del lavoro di Emilio Prini e quindi i lavori in esposizione in Verba e i paradossi delle azioni ordinarie e degli scambi economici, fino al rifiuto di vendere le proprie opere, oggetto della poetica di Cesare Pietroiusti, ci aiutano a introdurre il lavoro fortemente provocatorio di Gianni Colosimo, che da sempre parla del vuoto e delle contraddizioni del sistema del mercato dell’arte.

Pierluigi Fresia utilizza la fotografia dove inserisce segni e frasi/parole spesso in contrasto con l’immagine stessa per corrompere la realtà, in quanto per l’artista la fotografia non è rappresentativa della realtà stessa.

Nell’opera di Enrico Iuliano, l’unione fra l’elemento scultoreo/installativo e la scrittura stampigliata lettera per lettera negli elementi dei lavori esposti, vive in un mix di esperienze minimal e concettuali.

Inedito nella forma ma non per concetto è il lavoro pittorico di Nicola Ponzio che da sempre parla di pittura senza che si manifesti in quanto tale; le definizioni di colore che componevano i lavori precedenti in fine art, qui per la prima volta vivono attraverso colore, luce, forma, materia e concetto manifestandosi in opera pittorica riportando così la sua ricerca al punto di origine.

Silvia Beccaria presenta in mostra l’opera “Unfildivoce”, installazione di parole ricamate che riportano le strofe di una canzone che le operaie delle filande cantavano nella prima metà del Novecento, in una azione di conservazione della memoria al fine di combattere la negazione dei diritti dell’oggi.

Nei soli giorni di inaugurazione gli artisti e collezionisti Luisa Bruni e Gianni Colosimo, ostenderanno sulla facciata della galleria l’opera di Giulio Alvigini “Ilaria Bonacossa 6 la mia vita”, striscione di 8 metri circa. Anche per Alvigini elemento distintivo del proprio lavoro è una forte critica, mai priva di profonda ironia o sarcasmo, al babelico sistema dell’arte.