Sarà presentato a Torino, a partire dal 6 maggio, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary, il numero 6 del libro seriale Ghost dal titolo “La Bellezza Cambia il Mondo?” a cura di Riccardo Costantini. La raccolta fotografica, inizialmente concepita come progetto editoriale, diventa anche una mostra collettiva in presenza che avrà luogo fino al 5 giugno 2021. Gli artisti invitati sono: Ilaria Abbiento, Maura Banfo, Gianpiero Fanuli, Pierluigi Fresia, Patrizia Mussa, Claudio Orlandi, Giorgio Racca, Edoardo Romagnoli.

Presentazione ed inaugurazione: dal 6 al 9 maggio 2021 con ingresso contingentato dalle 11.00 alle 20.00; gli altri giorni e fino al 5 giugno: dal martedì al sabato dalle 11.00 alle 19.30. È possibile prenotare la propria visita all’indirizzo e-mail riccardocostantini65@gmail.com. La rivista è distribuita in galleria (via Giolitti 51, Torino) per tutto il periodo della mostra, oppure on line sul sito ghostbook.it, aderendo all’Associazione Culturale Ghost con una donazione di 25€.

Gli artisti invitati a rispondere alla domanda “La Bellezza Cambia il Mondo?” e i critici a loro affiancati sono: Ilaria Abbiento – Claudio Composti, Maura Banfo – Olga Gambari, Gianpiero Fanuli – Ray Banhoff, Pierluigi Fresia che ha scritto lui stesso il suo testo, Patrizia Mussa – Giovanna Calvenzi, Claudio Orlandi – Alessia Locatelli, Giorgio Racca – Guido Turco, Edoardo Romagnoli – Giovanna Gammarota. La rassegna è introdotta e presentata dal testo del curatore Riccardo Costantini.

[…]  Il mare è il soggetto delle fotografie di Ilaria Abbiento. Ilaria è napoletana e, come spesso succede per chi, come lei, è nata e vive in un luogo di mare, ha un rapporto quasi simbiotico e indissolubile con il paesaggio marino. Il lavoro della Abbiento rappresenta il mare nella sua maestosa e incommensurabile bellezza ma anche nella sua ingannevole pace. Le sue fotografie lo descrivono nella sua purezza, quasi come se volesse rimuovere quanto male gli esseri umani, con le proprie perniciose azioni, siano capaci di provocargli. Il suo profondo amore per il mare la porta a cercarlo ovunque, anche in immagini di particolari scovati sulla terra ferma che riescano semplicemente ad evocarlo. Risulterebbe comunque incompleto affermare che la Abbiento ami il mare; Ilaria è capace di raccontarlo così bene perché gli appartiene.

Maura Banfo, con il progetto “Esercizi di natura”, sembra esortarci a riflettere: dobbiamo tornare ad ascoltare la natura con un sentimento di appartenenza. Quando siamo disposti ad ascoltare qualcuno gli mostriamo il nostro rispetto. Le sue conchiglie sono lo strumento con cui, metaforicamente, possiamo tornare ad ascoltare il mare come ognuno di noi nell’infanzia ha fatto, appoggiando l’orecchio alla parte cava del guscio, con l’ingenuo stupore che ne uscisse il suono del frangersi delle onde. Come afferma la Banfo, “Ascoltare per ascoltarsi”. Da un percorso intimo e personale scaturisce una domanda universale: può esistere la bellezza senza la pace e la serenità interiore che ci permettano di coglierne l’essenza?

Le fotografie della serie “Warless Theatre” di Patrizia Mussa ci pongono al cospetto di straordinari paesaggi naturali e artificiali. Mera rappresentazione della bellezza? Il sospetto che l’artista non si stia limitando a questo ci viene nel momento in cui scopriamo dove sono state scattate le fotografie: Afghanistan, Etiopia e Yemen. Patrizia Mussa aveva realizzato queste foto molti anni fa quando questi luoghi erano accessibili; oggi non sappiamo nemmeno se tali paesaggi siano ancora come lei li ha visti e fotografati, poiché scenari che hanno perso la loro principale caratteristica di bellezza per acquisire lo status di territori di alcune fra le guerre più cruente e distruttive degli ultimi decenni. Ritrovando questi scatti, a distanza di tempo, l’autrice ha desaturato le fotografie, intervenendo successivamente con dei pastelli, allo scopo di rigenerare la bellezza percepita da quei luoghi e le emozioni che ne derivavano.

Con il lavoro di Edoardo Romagnoli rimaniamo sulla terra ferma. Potrebbe sembrare un paradosso per un autore che ha occupato, principalmente, la propria attività di fotografo nel rappresentare la Luna. I suoi fiori, qui pubblicati, sono tuttavia realizzati con lo stesso procedimento tecnico: lunga esposizione, movimento della camera e, in questa serie, talvolta sovrapposizione di due immagini. Romagnoli ha avuto la fortuna di nascere circondato da arte e bellezza. Suo nonno, Giuseppe Pallanti, fu pittore di successo fra l’800 e il ‘900, ma anche la madre dipingeva con indiscutibile qualità. Pochi anni fa realizzammo una mostra in cui le sue fotografie di fiori erano esposte, in una quadreria, insieme alle pitture dello stesso soggetto del Pallanti e di sua madre. Era impossibile non rimanere colpiti da quell’elegante tripudio di colori che ne scaturiva. A volte è dalle cose più immediate che nasce la capacità, non scontata, di accompagnare i nostri sensi verso la percezione della bellezza.

Pierluigi Fresia si rapporta alla natura con un approccio peculiare. La fotografia per Fresia non è un mezzo espressivo utile a rappresentare la realtà. Sembra quasi un paradosso ma le immagini scattate dall’artista diventano semplicemente una quinta scenica di finzione in cui, con l’intervento di segni grafici e di frasi che inserisce sulle sue fotografie, l’autore sembra negare la nostra capacità di dialogo con la natura: l’immagine e l’intervento dell’artista convivono ma non si parlano, come sinapsi in corto circuito. La bellezza delle immagini di Fresia è derisa dal suo intervento in post produzione esattamente come l’uomo, con le proprie azioni, si prende gioco della natura e di ciò che di bello lo circonda.

Solo una lettura superficiale del lavoro di Gianpiero Fanuli ci può portare a pensare, erroneamente, che le sue Polaroid siano esclusivamente un esercizio edonistico. Certo nessun dubbio che la piacevolezza del suo lavoro sia parte determinante del suo progetto artistico, ma sarebbe riduttivo ritenerle semplicemente delle belle immagini. Fanuli produce fotografie che hanno quel sapore vintage che ci spiazza: sono scattate oggi ma sembrano uscite dall’album dei ricordi della nostra giovinezza o almeno della mia, che sono nato negli anni Sessanta. Le immagini selezionate ci raccontano il mare e le spiagge popolate dei litorali italiani. Il bello rimane bello ma anche ciò che non riterremmo oggettivamente tale, nei suoi scatti lo diventa. Il tutto ci riporta a un magico vissuto cinematografico, quello colto dei grandi registi che hanno reso indimenticabile parte della produzione italiana di questo mezzo espressivo figlio della fotografia.

“The Poem From the Future (Aprile – Maggio 2020)” è il titolo del progetto in tre capitoli di Giorgio Racca: Ritratto del padre, Ritratto della madre e Autoritratto. Tre serie da nove fotografie in bianco e nero che sviluppano un percorso narrativo cinematografico e ermetico. Immagini metafisiche, rotte puntualmente dalla presenza dei tre ritratti anche se quello del padre, una sedia a rotelle in una stanza d’ospedale, è chiaramente metaforica. I riferimenti sono intimi e personali eppure ognuno di noi potrà ritrovare le immagini della propria memoria, seppur differente, in ogni singolo scatto utile al racconto. Perché è di questo che si tratta, della nostra vita e dei ricordi che la rendono indimenticabile nel bene e nel male. La bellezza è quella del “ricordo” e di quelle immagini indelebili che, a dispetto della propria natura, rimangono impresse nel racconto del nostro passato, immediato presente e che determineranno il nostro futuro. […]
(Dal testo di Riccardo Costantini per  Ghost #6)

Orari: Dall’11 maggio al 5 giugno, dal martedì a sabato ore 11.00 – 19.30.

Lunedì e domenica chiuso

Ufficio Stampa: Sirio Schiano lo Moriello

Associazione Culturale Ghost

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Per ottemperare alle vigenti leggi sulla pandemia di Covid19, si avverte che l’accesso ai locali della galleria sarà limitato a 6/8 visitatori per volta. Si consiglia di prenotare la visita per avere la priorità di accesso rispondendo a questa e-mail.

Orari di galleria dal 16 febbraio: da martedì a sabato ore 11.00 – 19.30. Lunedì e domenica chiuso

O tempora, o mores – che tempi, che costumi – espressione utilizzata da Cicerone in varie orazioni, tra cui la prima orazione contro Catilina e la seconda orazione contro Verre. In origine, l’affermazione aveva il significato di rimpiangere le virtù passate e deplorare la corruzione imperversante nella propria epoca. Oggi viene usata invece in tono scherzoso o bonariamente polemico nei confronti dell’epoca in cui si vive e delle abitudini correnti.

Posizione che si può adottare senza moralismi, interrogandosi sul tempo che ci si trova a vivere. In questo senso O tempora, o mores tocca differenti tematiche appartenenti alla società contemporanea, aspetti innegabili del nostro tempo, complessi ma in esso presenti. In ogni epoca l’umanità tende a vedere i tempi precedenti come migliori, pensando del proprio “che tempi, che costumi”, è stato così dall’epoca romana e sarà lo stesso in futuro. Ecco perché è importante riflettere su ciò che della nostra società può essere ambiguo e talvolta infastidirci, al fine di conoscerne le varie sfaccettature. Esiste dunque un insieme di elementi legati alla società contemporanea, connessi a pulsioni e attitudini umane, che vanno dalla sessualità alla violenza, al potere e che sfociano in comportamenti che caratterizzano la società stessa e le relazioni umane. Relazioni interpersonali come nel caso della famiglia e dei rapporti sessuali oppure relazioni con res del mondo, dall’ambiente agli animali, fino a un senso di inquietudine talvolta sotteso e latente al mondo stesso. Dinamiche relazionali e ruoli che spesso, in una visione distorta della libertà propria e altrui legata anche al ruolo sempre crescente di internet e dei suoi meccanismi, si tramutano in manifestazioni di potere.

Partendo dal rapporto tra persone, la famiglia è protagonista dell’opera di Cinzia Ceccarelli, parte della serie (mai) per sempre, in cui due fotografie vintage di altrettante famiglie sono interrotte da un’immagine contenente fiamme, riflessione sul ruolo attuale della casa come rifugio ma anche come luogo in cui possono annidarsi pericoli. Membri importanti delle famiglie sono anche gli animali domestici, come i bassotti de L’abbuffata di Francesco Pergolesi – dalla serie Cave Canem a cura di Carla Testore – intenti a rubare del cibo in una cucina sono metafora della società umana. Daniele Galliano guarda alla sfera intima e sessuale con le sue opere erotiche che riprendono foto estratte da film porno trovati su internet, e allo stesso tempo a quella collettiva, come in Il ruggito dei conigli, indagando le relazioni tra persone all’interno della nostra società.
In una dimensione invece legata alla società civile si colloca l’opera di Kinki Texas, in cui una Statua della Libertà rivisitata come una donna di colore incinta di un coniglio e armata di un fucile è un riferimento ai problemi collegati alla società americana, oggi particolarmente evidenti. Tempi spesso violenti, cui si deve sopravvivere metaforicamente armati, armati ad esempio della mazza ferrata soggetto dell’opera di Ubay Murillo, rivisitazione di una fotografia trovata dall’artista su internet, mondo che può essere visto come non-luogo in cui si ritrova la ripetizione dello standard tipico di essi. Rapporto complesso, e sovente brutale nei suoi confronti, è anche quello con l’ambiente e la natura; nel lavoro di Carlo Galfione tale realtà emerge nell’immagine di una discarica in fiamme.

In Simone Stuto il dualismo tra spirito e materia e tra bellezza e mostruosità porta in evidenza l’angoscia della situazione attuale. Un immaginario inquietante e allo stesso momento in grado di trasmettere bellezza è presente anche in Rocas Secas y Huecas di Jesus Zurita. Inoltre, personaggi caratterizzati da metamorfosi e ambiguità si trovano nei lavori di Ray Smith.

Accanto al rapporto con la società e il mondo si colloca il rapporto intimo tra persone, sfociante talvolta nell’erotismo, esplorato nelle sue molteplici forme. Con la ragazza ammiccante dell’opera di Richard Kern, il corpo femminile è oggettivato in un atto compiuto in modo consapevole al fine di compiacere, con un rimando agrodolce al ruolo della donna come oggetto sessuale. Nelle polaroid di Nobuyoshi Araki l’erotismo emerge in una dimensione contorta e violenta, violenza però consensuale e quindi lecita, all’interno della linea di confine delineata dal consenso reciproco. Limite che viene invece superato nel momento in cui manca il consenso portando alla violenza più estrema, come nell’opera di Ryan Mendoza, in cui l’immagine di uno stupratore viene accostata a un nudo. Passando poi ad opere in cui il nudo è protagonista, nei lavori di Manuele Cerutti e Chantal Joffe in una dimensione intima e nelle fotografie di Gianpiero Fanuli e Carolina Lopez, in cui diventa parte integrante della composizione. Nei lavori di Melissa Steckbauer si passa da un riferimento alla seduzione femminile consapevole, con il richiamo alla pin-up Bettie Page, all’intervento tramite tagli, incisioni, sovrapposizioni su immagini fotografiche, inserendo così una distanza rispetto ai sentimenti di desiderio o possesso in esse presenti.

O tempora, o mores si pone dunque come un viaggio di ricognizione tra le pieghe dell’oggi tramite opere che suscitano sentimenti contrastanti, legate alla violenza, agli aspetti inconsci e oscuri della nostra società e alla sessualità in tutte le sue forme. Arriverà forse il momento in cui il nostro presente sarà visto come “i tempi migliori”, nel probabile continuo interrogarsi sul proprio tempo che avverrà in futuro, si avrà bisogno ancora e ancora dell’aiuto di Cicerone?

Virginia Fungo

Dal 5 novembre al 5 dicembre 2020, con inaugurazione in occasione di Ouverture #9 TAG Turin Art Week, da giovedì 5 a domenica 8 novembre, negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino va in scena la mostra collettiva Verba.

In mostra alcune opere di artisti che nell’ambito dell’arte concettuale, pittorica, fotografica, performativa e installativa, abbiano inserito nei propri lavori la scrittura e le parole.

Un percorso che parte da artisti di fama internazionale quali Acconci, Agnetti, Mondino, Occhiomagico,Paolini, Pietroiusti e Prini, affiancati in questa collettiva da alcuni nomi dell’arte contemporanea emergente, che usano la scrittura come elemento distintivo del proprio lavoro.

Se per Vincenzo Agnetti, maestro indiscusso dell’arte concettuale, la scrittura è presente nella quasi totalità della sua produzione artistica, nel lavoro in mostra di Vito Acconci (Hand Mouth – film still text – 1971) il testo in uno dei tre pannelli che compongo l’opera sembra quasi la didascalia dell’azione performativa.

Nell’opera in esposizione di Giulio Paolini (senza titolo – tempera e collage su cartoncino – 1967) la sagoma della mano che scrive evoca il concetto di scrittura senza la presenza di un testo.

Nei lavori di Aldo Mondino le parole sembrano didascalie che in maniera del tutto pleonastica evidenziano la natura dell’opera e del soggetto.

Anche nel lavoro dello Studio Occhiomagico, nato a Milano nei primissimi anni Settanta e oggi rappresentato dal solo Giancarlo Maiocchi, i testi che accompagnano l’immagine della fotografia di un bottone incastonato di spine, ci aiutano a svelare e comprendere l’intento metaforico del soggetto stesso.

L’iconoclastia che caratterizza buona parte del lavoro di Emilio Prini e quindi i lavori in esposizione in Verba e i paradossi delle azioni ordinarie e degli scambi economici, fino al rifiuto di vendere le proprie opere, oggetto della poetica di Cesare Pietroiusti, ci aiutano a introdurre il lavoro fortemente provocatorio di Gianni Colosimo, che da sempre parla del vuoto e delle contraddizioni del sistema del mercato dell’arte.

Pierluigi Fresia utilizza la fotografia dove inserisce segni e frasi/parole spesso in contrasto con l’immagine stessa per corrompere la realtà, in quanto per l’artista la fotografia non è rappresentativa della realtà stessa.

Nell’opera di Enrico Iuliano, l’unione fra l’elemento scultoreo/installativo e la scrittura stampigliata lettera per lettera negli elementi dei lavori esposti, vive in un mix di esperienze minimal e concettuali.

Inedito nella forma ma non per concetto è il lavoro pittorico di Nicola Ponzio che da sempre parla di pittura senza che si manifesti in quanto tale; le definizioni di colore che componevano i lavori precedenti in fine art, qui per la prima volta vivono attraverso colore, luce, forma, materia e concetto manifestandosi in opera pittorica riportando così la sua ricerca al punto di origine.

Silvia Beccaria presenta in mostra l’opera “Unfildivoce”, installazione di parole ricamate che riportano le strofe di una canzone che le operaie delle filande cantavano nella prima metà del Novecento, in una azione di conservazione della memoria al fine di combattere la negazione dei diritti dell’oggi.

Nei soli giorni di inaugurazione gli artisti e collezionisti Luisa Bruni e Gianni Colosimo, ostenderanno sulla facciata della galleria l’opera di Giulio Alvigini “Ilaria Bonacossa 6 la mia vita”, striscione di 8 metri circa. Anche per Alvigini elemento distintivo del proprio lavoro è una forte critica, mai priva di profonda ironia o sarcasmo, al babelico sistema dell’arte.

OUVERTURE TAG 2020: 3 GIORNI DI INAUGURAZIONI COORDINATE 22 – 23 – 24 SETTEMBRE ORE 14 – 21 (in adesione a EXIBIT.TO)

MAGDA | Magda_t_home

Ferro e pelle, Simone Mussat Sartor e Pierfranco Giolito. Sono materiali e nomi che costituiscono il cuore del nuovo brand torinese di design Magda_t_home. Sotto l’egida della sfinita moglie di Furio, stanca – in questo caso – di vedere sempre gli stessi oggetti e le stesse lavorazioni.

Loro sono Simone Mussat Sartor e Pierfranco Giolito.

Da questa atipica coppia nasce un nuovo brand dalle caratteristiche spiccatamente artigianali e con un nome evocativo: Magda_t_home. Il riferimento è al personaggio interpretato da Irina Sanpiter in Bianco, rosso e verdone: era la moglie di Furio e infine sbottava con un inappellabile “Non ce la faccio più”. Nella fattispecie, secondo i due fondatori di Magda la misura è colma nel campo del design e delle sue circonvoluzioni più decorative e vezzeggiative. Per questo, la loro produzione – pezzi unici realizzati su richiesta – si concentra su due soli materiali, il ferro e la pelle, vissuti e manipolati nella maniera più diretta e naturale. Dalle librerie ai portariviste, dal comodino fino al piccolo portaoggetti con specchio per il bagno, gli elementi si contano sulle dita di una mano, con forme ferrose ortogonali e curve dettate dalla pelle stretta con cinghie oppure lasciata a compartimentare dolcemente gli spazi.

Magda, bussola impazzita segna il nord, la freddezza geometrica ed essenziale delle linee metalliche perimetrali adatte a sostenere, ma segna il sud nella morbida abbondanza che smussa gli spigoli riempendone i margini con la pelle abituata a contenere.

Simone Stuto | Morphé

Le opere del giovane artista Simone Stuto nascono da un’indagine rivolta ai suoi personali stati interiori più profondi e che prendono forma attraverso il segno grafico, generando un continuo dualismo tra spirito e materia e tra bellezza e mostruosità.

La dimensione del racconto è arricchita da un bestiario personale che si fa “essenza”, attraverso il medium del disegno su tavola o carta, che spesso si ispira alle iconografie della tradizione, con rimandi quasi rinascimentali, senza mai perdere le caratteristiche dell’estetica contemporanea. Il risultato spinge l’osservatore a viaggiare fra lo spazio saturo di figure irreali accentuate da un forte dinamismo compositivo oppure, in altri lavori, verso ritratti surreali composti da panneggi e bottoni che ci privano della possibilità di vederne i volti.

Due mostre completamente differenti ma dalla loro unione si rievoca proprio il concetto di “bottega” rinascimentale, prima che l’epoca Romantica definisse una netta divisione fra le forme d’arte.

Mostra a cura di Riccardo Costantini

In mostra le opere inedite del progetto “port_land” dell’artista fotografo Mario Daniele. Il lavoro di questa serie prevede alcune installazioni di polittici di fotografie in cui, principalmente, la figura umana si rapporta con close-up di elementi architettonici. In tutte le opere di “port_land” l’approccio dell’artista rimanda ai temi del Modernismo e l’attenzione dell’autore sembra rivolgersi più all’aspetto formale che al contenuto. Tuttavia è proprio il percorso espositivo e lo svolgersi dei lavori stessi che pare negare, se non negli aspetti tecnici e per l’appunto formali, la completa assenza di un messaggio. Ciò che emerge in questo nuovo lavoro di Mario Daniele è sicuramente una originale indagine sulla bellezza e sull’estetica senza abbandonare alcuni dei temi principali delle sue opere precedenti come, per esempio, il rapporto che esiste fra l’uomo e l’ambiente che lo circonda.

Dal 16 giugno al 19 Settembre 2020 (chiuso il mese di agosto)

Riccardo Costantini Contemporary è lieto di presentare a Torino il nuovo progetto fotografico di Sara Munari che si sviluppa tra fotografie analogiche e video, dal titolo Don’t Let My Mother Know (Non ditelo a mia madre), a cura di Alessia Locatelli. Un titolo curioso per un lavoro che, nell’anno della luna, vuole omaggiare e narrare un’avventura fantastica (o realmente accaduta?) di un viaggio analogico in una galassia lontana e l’incontro alieno con “x23”. Una serie fotografie scattate per lo più in Islanda che riportano alla mente paesaggi di galassie lontane ed ostili all’uomo, un video in cui lei – fingendosi ormai un’anziana 88enne e desegretati gli archivi di Stato – finalmente può svelare la verità sui suoi incontri “alieni”.Un cofanetto in edizione limitata che racchiude un archivio con i documenti cartacei delle missioni spaziali, con di mappe e prove segrete, invecchiati come se da oltre 50 si trovassero segregati in un logo “Top Secret”. Un lavoro che sarà esposto nelle sale di Riccardo Costantini dal 22 novembre e al Foto Festival internazionale Photolux, a Lucca (16 Nov).

In realtà quell’alieno è suo padre, percepito sempre più distante e lontano a causa dell’Alzheimer, contratto a seguito di un intervento ospedaliero. Un viaggio che ci racconta con delicatezza e qualità estetica un rapporto impari, in cui il genitore si sottrae alla sua famiglia e ricordi, diventando concettualmente “alieno” a se stesso ed ai suoi affetti.

50 stampe eseguite in camera oscura da Sara Munari stessa, 23 documenti d’archivio per ogni cofanetto in limited edition contenente mappe, rappresentazioni dell’alieno, lettere scritte a macchina, materiale archeologico contenente dimostrazioni di contatti alieni precedenti…E un video di 12 minuti, per un totale di 73 elementi che andranno a trasformare in un viaggio stellare la visita alla rinomata galleria torinese.

Orari da martedì a sabato ore 11.00 – 19.30.

Lunedì e domenica chiuso
tel./fax +39 011 8141099
mob. +39 348 6703677

Riccardo Costantini Contemporary a Torino, presenta la mostra personale di Gianni Colosimo “Ammutinamento”. Colosimo è considerato uno degli artisti di punta dell’area torinese e ha conseguito con la propria ricerca artistica una significativa notorietà internazionale. Celeberrima la sua mostra “Wallpaper: Il vortice del desiderio è privo d’orizzonte”, realizzata nel 2006, in cui utilizzò centomila banconote da un dollaro per tappezzare completamente la galleria Pack di Milano.

Il progetto di Ammutinamento è sintesi e epilogo di un ciclo di mostre dove Colosimo espone opere caratterizzate da autonomia vitale ed estetica che si affrancano dall’autore, dal pubblico e dall’attuale sistema dell’arte: opere ‘ribelli’ che non vogliono sottostare al giogo del ruolo che l’autore-artista gli impone.

In “Ammutinamento” il gesto della ribellione viene portato alle sue estreme conseguenze: con una coralità epica, le opere esposte manifestano la loro volontà iconoclasta. Con la loro presenza espongono il proprio rifiuto ad aderire alla dittatura delle immagini. Quale metafora estrema, “Ammutinamento” segna un punto di rottura nel mondo dell’arte. L’assenza, il non esserci, diventano per Colosimo l’essenza di un atteggiamento che marca la propria volontà di non adesione e di rifiuto della vuota spettacolazione babelica della nostra esistenza.

La realizzazione del progetto di mostra è in collaborazione con Luisa Bruni.

Gianni Colosimo (1953) inizia la sua attività artistica come performer. Nel 1978 crea la performance “Freud mein Freund” presso la galleria Multipli di Giorgio Persano. Tra il ’78 e l ’81 si trasferisce a Roma dove svolge la sua attività nell’ambito della ricerca teatrale producendo alcune performance fra cui “Il grande sonno della trapezista” alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Nel ’78 e ’81 su invito di Renato Barilli, Francesca Alinovi e Roberto Daolio, partecipa alla Seconda ed alla Quarta Settimana Internazionale della Performance di Bologna. Nel 1981 viene invitato dall ‘ICC di Anversa dove ripropone la performance “L’uomo di Cosenza”. Nel 1982 partecipa alla mostra “Una generazione Postmoderna” presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Tra l’82 ed il ’90 realizza numerose performance tra cui “L’ultimo sogno di Piero Manzoni” alla Galleria Martano di Torino. Negli anni Novanta inizia a produrre le prime opere pittoriche e la performance “Nutella Gutemberg”. Nel 2006 realizza l’ormai celeberrima installazione “Wallpaper- Il vortice del desiderio è privo d’orizzonte” dove tappezza l’intera galleria Pack di Milano con 100.000 biglietti da un dollaro. Due anni più tardi la stessa installazione viene riproposta a Roma presso Motelsalieri . Sempre nel 2008 è invitato da Francesco Poli a partecipare alla Biennale di scultura di Carrara . Tra il 2009 ed 2010 Colosimo elimina lo spazio fisico istituzionale della galleria per creare una mostra dal titolo “Il silenzio incestuoso della mia ombra ferita” utilizzando le pagine di quattro riviste d’arte : Artforum, Exibart, Mousse e Nero. Rispettivamente nel 2009 e 2010 realizza le performance “Ultimo frammento onirico di un cuore bizantino infranto” presso il Teatro Carignano di Torino, e “Obsoleti cani randagi con un sapore di cenere in bocca” durante il vernissage di Artissima. Nell’estate del 2011, su invito del direttore Laurent Le Bon, presenta l’esposizione personale “L’arte contemporanea raccontata ai bambini” presso il Centre Pompidou-Metz; la stessa mostra viene riproposta l’anno successivo presso La Sucriere di Lione. Nel 2013 per Marble Week di Carrara realizza la mostra “L’arcana profezia delle sette vacche tibetane”. Nel 2014 viene invitato da Maria Teresa Roberto a partecipare con la mostra “Il grande sonno della trapezista” alla sezione Surprise della GAM di Torino; nello stesso anno espone da Riccardo Costantini e a “The Bank” a Torino. Maurizio Cattelan nel novembre 2014 rende omaggio a Colosimo (ed a Hans-Peter Feldmann) incaricando l’artista citazionista Eric Doeringer a creare un ‘installazione con 40.000 dollari presso la scalinata di Palazzo Cavour a Torino sede della mostra “Shit and Die”. Nel 2015 presenta la mostra personale presso la galleria Giacomo Guidi di Roma dal titolo “Resurrezione”; Sempre nel 2015 la mostra di un solo giorno “Il ritorno dell’Uomo Raggio” alla galleria Riccardo Costantini – Torino; nel 2016 negli stessi spazi, la mostra personale “Uneasiness – Elegia del silenzio e del buio” durante la quale realizza la performance “Deposizione”.

Inaugurata nell’ottobre del 2017 fino al gennaio 2018, la mostra insieme a Franko B e Cosimo Cavallo “In ostaggio di loro stessi” a cura di Marco Albeltaro.

Nel 2018 partecipa alla collettiva, a cura di Marco Enrico Giacomelli, “Via del sale 2018”, e viene invitato a realizzare un’opera site-specific al festival Art Sur a La Victoria in Spagna. Nel 2019 è uno degli artisti della mostra “Significato = (parola + simbolo)4” presso GSF Contemporary Art a Torino.

Orari da martedì a sabato ore 11.00 – 19.30.

Lunedì e domenica chiuso.

Informazioni Riccardo Costantini Contemporary

t. +39 011 8141099 | +39 348 6703677

Info@rccontemporary.com

Il quadro che presenta la mostra personale di Andrea Villa figura Pamela Mastropietro, ragazza vittima di un efferato omicidio, rappresentata come la Vergine nel quadro “Madonna con Bambino” di Bellini, con in braccio il suo carnefice, l’ immigrato africano Innocent Oseghale nelle vesti di Gesù Bambino, in una versione distorta e malata della Sacra Famiglia. Andrea Villa si ispira concettualmente all’ opera di Marcus Harvey esposta nella mostra “Sensation” alla Royal Academy Of Arts nel 1997, a Londra. L’ opera di Villa pone una domanda allo spettatore: chi è che manca di rispetto alla vittima, l’ artista che critica il sistema mediatico ed economico dei giornali e dei partiti, o i media e i partiti stessi che sfruttano la sofferenza delle vittime? La mostra “Salotto borghese” è la visione nichilista e critica di come l’ immigrazione viene vista dai bianchi italiani tramite i filtri del mondo mediatico. Oltre a vari collage inediti, sarà presente il performer guineano MUSO, rinchiuso in una gabbia come una scimmia ammaestrata, che canterà quando il pubblico gli tirerà delle monete. La performance è una rielaborazione del lavoro di Coco Fusco e Guillermo Gomez-Pena “Due amerindi visitano il West”, dove gli immigrati, stereotipati e ridicolizzati, finiscono per diventare l’ intrattenimento mediatico del popolo.