La galleria Riccardo Costantini Contemporary ospita dal 19 aprile al 12 maggio 2018 la mostra personale di Edoardo Romagnoli dal titolo “Pittura e Disegno”. L’evento si colloca nell’ambito della prima edizione di FO.TO. Fotografi a Torino – 3 maggio – 29 luglio 2018.

La Luna e i Fiori sono i protagonisti della mostra il cui titolo evoca allo stesso tempo la pittoricità dei Fiori e la grafia della Luna. Instancabile osservatore della Luna, Romagnoli ha creato negli anni un rapporto particolare con essa, trasformandola nella sua musa prediletta. La Luna nel tempo ha accettato di mostrare i suoi lati più intimi all’artista che l’ha abilmente ritratta nelle sue molteplici apparizioni. Le prime foto alla luna risalgono al 1988 e ancora oggi essa è al centro di continue sperimentazioni e ricerca. Il disegno grafico che ne consegue è frutto della volontà dell’artista e si realizza attraverso singoli scatti, con tempi lunghi, muovendo la macchina fotografica e senza interventi di post produzione.

Più libero e flessibile è invece il lavoro dei Fiori, in cui il processo creativo è guidato con precisione compositiva. Le fotografie sono il frutto di diverse tecniche: doppi scatti sovrapposti, uno fermo e uno mosso, già progettati in fase di ripresa; doppi scatti sul medesimo frame e scatti mossi. Non vi sono interventi di invenzione post produttiva, le composizioni vengono lavorate rispettando l’originalità degli scatti.

Ci introducono alla mostra due opere nella sala d’ingresso, una Luna e un Fiore, anticipazione ai successivi ambienti espositivi: uno dedicato interamente alle Lune, allestite con l’intento di proiettare lo spettatore all’interno di un paesaggio cosmico; l’altro dedicato ai Fiori, con un progetto allestitivo di forte impatto visivo che prevede anche l’esposizione di alcune pitture raffiguranti fiori di Giuseppe e Maria Virginia Palanti, rispettivamente nonno e mamma di Edoardo Romagnoli. In questa sala fotografia e pittura creano un meraviglioso prato lungo più di 100 anni.

Il catalogo Pittura e Disegno, che presenta una selezione di alcune delle fotografie in mostra, è opera del graphic designer Silvio Rossi.

In occasione della Notte delle Arti Contemporanee, la galleria Riccardo Costantini Contemporary presenta la mostra di Nicola Ponzio OPUS LUX.
Contemporaneamente alla partecipazione ad Artissima, in cui nella sezione Back to the Future sono esposti i lavori degli anni Ottanta, in galleria si vedranno alcune opere recenti dell’artista torinese, appositamente ideate per lo spazio.
Si tratta di una mostra in cui l’attenzione per la pittura e per tutte le caratteristiche che ne compongono la sua essenza, colore, forma, materia, spazio e luce, si risolve in lavori di rara originalità e profonda sperimentazione, anche se ognuna delle opere esposte elude la possibilità di essere definita effettivamente “pittorica”. Il rigore analitico e la consueta attenzione al linguaggio sono ulteriori elementi di approfondimento e ricerca del percorso artistico di Nicola Ponzio.

In occasione di Ouverture 2017 di TAG – Torino Art Galleries, Riccardo Costantini Contemporary presenta la mostra dell’artista torinese Ferdi Giardini “InnSaei” (pronuncia Insaié), titolo ispirato a quello del film islandese : “InnSaei, The power of Intuition”

La mostra è un progetto site specific con sculture leggere e sottili, di cui alcune luminose, di differenti forme e dimensioni che trasmettono l’impressione di “disegni” nello spazio. Nello svolgersi dell’allestimento tali sculture saranno sia in sospensione che a parete.
Nella stanza d’ingresso saranno installate cinque sculture luminose, di diverse forme e dimensioni, a sospensione dal soffitto; molteplici sono i materiali utilizzati: alluminio, luce a led, acetato di cellulosa, vernice nera, vernice foto luminescente. Il titolo di questa serie di opere è “Black Sun”.
In un altro ambiente della galleria, opportunamente oscurato, cinque sculture luminose da parete, di forme differenti ma realizzate con i medesimi materiali della serie Black Sun. Questa serie di opere ha il titolo di “Sussurri al nostro cuore”.
Nella terza ed ultima stanza, saranno installate quattordici sculture in una unica parete, simili ma differenti tra loro; anche in questa serie di lavori, presentati con il titolo di “Blue Sun”, i materiali sono i medesimi delle serie precedentemente descritte ma non presentano luce a led.

“….Vedere il mondo dall’interno all’esterno…il mare dentro…il mare è la natura senza confini del nostro mondo interiore…il potere dell’intuizione…
I miei disegni, schizzi progettuali una volta costretti in scatole di metacrilato opaline, colorate, satinate, ora sono emersi alla vera luce ed ora vivono di luce propria anche se spenti, anche se al buio.
Dall’interno all’esterno appunto, emergono le emozioni non più solo visibili e “congelate”, ma tattilmente fruibili a tutti.”
Ferdi Giardini

Ferdi Giardini, nasce a Torino nel 1959, dove vive e lavora.
Si diploma all’Accademia di Belle Arti di Torino nel corso di Scenografia. Inizia ad esporre nel 1986 con una personale presso la galleria: Franz Paludetto di Torino. Continua la sua attività artistica, con mostre personali e collettive, in spazi pubblici e privati, sia in Italia che all’estero. Nel 1996 partecipa alla quadriennale di Roma e nello stesso anno la Fondazione De Fornari, Torino, acquista la scultura “Scendeva da lei fiotti di miele dorato”. Nel 1998 partecipa alla 1a Biennale Parchi e Natura di Roma. Nel 2006 partecipa alla Biennale dei Tori e dei Leoni, Lione -Torino, e la Gam di Torino, acquistata l’installazione “Esca per draghi”. Nel 2011 partecipa alla 54° Biennale di Venezia. Dal 2005 ha la cattedra presso il Politecnico la Facoltà di Architettura del corso di Laurea in Disegno Industriale – Progetto Grafico Virtuale. Laboratorio Materiali e Modelli II.
Hanno scritto sul suo lavoro: Massimo Melotti, Francesco Poli, Guido Curto, Luca Beatrice, Tiziana Conti, Achille Bonito Oliva, Piero Gilardi, Mirella Bandini, Edoardo Di Mauro, Maria Teresa Roberto, Floriana Piquet, Lisa Parola, Claudio Beccaria, Enrico Morteo.

Dal 1996 si occupa parallelamente a progetti di design, e collabora con aziende di illuminazione fra cui Luce Plan, Oluce, Ilti Luce e Slide; le sue invenzioni per questi prestigiosi marchi, sono prodotte e vendute in tutto il mondo.

In mostra, negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino, sei grandi opere su tela dell’artista cubano Juan Miguel Pozo che torna a Torino dopo la partecipazione nel 2014 alla collettiva “Sind wir berliner”. Juan Miguel Pozo (Avana, 1967) vive e lavora a Berlino da ormai più di venti anni. La sua storia di vita lo ha portato a riflettere sul concetto di memoria perduta, recuperando ricordi di vite altrui, come di immagini di luoghi e di edifici abbandonati oppure di oggetti trovati nei mercatini. Pozo unisce passato e presente per parlare di un futuro che non arriva, di un’utopia abbandonata. Nelle sue opere tutto si dissolve, rimangono solo i ricordi, protagonisti attivi di una memoria dimenticata: ciò che fu, o che sembrava essere o ciò che avrebbe potuto essere. La pittura di Pozo riflette la realtà urbana che lo circonda. Avana, Madrid e Berlino sono stati e continuano ad essere gli scenari principali che hanno ispirato la maggior parte delle sue opere; dipinti che si nutrono dell’immaginario della società occidentale, dell’espansione metropolitana e della cultura industriale, seguendo le tendenze neo pop e imitando la tradizione del collage. Sul piano stilistico Pozo studia l’estetica della propaganda manipolativa dei regimi totalitari e rielabora i processi visivi del proselitismo politico attualizzandoli attraverso l’iconografia contemporanea. Nelle sue opere, per esempio, ricorrono immagini di bambini, atleti e operai, soggetti spesso utilizzati con grande enfasi nella propaganda delle dittature. Nel suo lavoro Pozo riesce a unire in modo straordinario elementi ispirati alla Nuova Scuola di Lipsia, all’estetica berlinese e alle sue radici cubane. Questa sovrapposizione di linguaggi e di strati di memoria si manifesta sulle sue tele in uno stile pittorico unico in cui l’artista mescola sfondo e figure collocati sullo stesso piano e facendoli prevalere con medesima importanza. Mostre personali (Selezione) 2017 Century, Riccardo Costantini Contemporary, Torino Juan Miguel Pozo , Galerie Nardone, Brussels, Belgium 2016 Huracan sobre el azucar, Galeria Taller Gorria, La Habana, Cuba 2015 Copyrighted future, Galerie Nardone, Brussels, Belgium 2013 Market, Galerie Naimah Schutter, Berlin, Germany 2012 Tropical winter, GEgaleria, Monterrey, Mexico The word After, Galerie LIEBKRANZ, Berlin, Germany 2011 La conquista del cielo, SKL Gallery, Palma de Mallorca, Spain 2010 Phantomschmerz, Galerie Prenton und Wiesel, Wiesbaden, Germany 2008 Zimmer mit Mauerblick, Gallery SCALA, Berlin, Germany 2007 Zwitter, Ge galeria, Monterrey,Mexico 2005 Persona, Galerie Refugium, Berlin, Germany 2001 Nuevo bajo el sol, München, Germany 2000 Frozen Drop Galerie Stella & Bueno, Den Haag, Netherlands 1999 Pozo Sin Filtro Galerie FormArt, Saarbrücken, Germany 1997 Amor, política y otros desastres, Galerie X-tro, Wiesbaden, Germany 1996 Galerie Hans Mayer, Düsseldorf, Germany

In mostra negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino, la  personale di Radu Dragomirescu, dal titolo “I disegni del diluvio”. In esposizione alcune fra le opere più recenti dell’artista rumeno fra pittura, disegno ed installazione.

[…] Contro l’oscurità, appunto, si profilano le visioni di Dragomirescu, tenendosi prossime ad essa per conservarne l’eredità, ombre dell’Ombra. Sono figure che prendono corpo nei fenomeni attraverso il disegno, atto medianico tra lo spirito e l’Essere in dote all’intelligenza umana per cogliere il significato delle forme. La tecnica del disegno, in queste opere, non struttura lo spazio, né diventa espressione o traccia gestuale, ma registra il lucido presentimento della profondità segreta che si estende al di là degli oggetti, e che li adombra come enigma perpetuo. Non più dati concreti che attivano i sensi, gli oggetti si addensano nitidi e vibrano in allucinazioni simboliche esili come il punto di contatto tra la mente e l’ignoto su cui fluttuano. […]

Ogni immagine disegnata da Radu è, dunque, ad un tempo un simbolo e un rito. Se dio è morto e nulla rimane, la splendida geometria del mondo non assomiglia più alla sinfonia delle sfere celesti, ma alla danza macabra delle sue impressioni di sogno, suonata da un amabile demone tanto per gioire del gioco della vita. Il nulla non è una provenienza, ma l’assurdo, il non senso che contorna d’un alone tutte le apparenze, che brillano proprio nel contrasto lasciando sorgere, ancora una volta inspiegabilmente, la bellezza. In tutte le figure si avvera, dunque, un rovesciamento di attenzione dai fenomeni in piena luce allo specchio nero nel quale si riflettono. Un capovolgimento perfettamente incarnato proprio nell’adozione del disegno a grafite. Usata nei secoli di tradizione grafica per rappresentare le ombre, la stesura che Radu ne fa sullo sfondo nero la tramuta in segno delle aree luminose, i cui riflessi cangianti fanno vibrare le forme. E questa strana alchimia diventa l’allegoria della trasformazione necessaria alla nostra intelligenza confusa affinché tutti possano cogliere le visioni profonde della realtà.

(Dal testo di Michele Bramante)

Radu Dragomirescu nasce a Roseti (Romania) il 7 giugno 1944. Nel 1973 si stabilisce definitivamente in Italia. Frequenta l’università di arti plastiche N. Grigorescu di Bucarest diplomandosi nel 1969. Partecipa agli scavi archeologici sulla costa del Mar Nero, nella città di Costanza (Tomis), Mangalia (Calatis) e a Ischia con la guida dell’archeologo rumeno Valise Canarache negli anni dal 1960 al 1965. Viene invitato a Parigi (1968) alla sesta Biennale Internazionale della gioventù ed ottiene il gran premio.

Nel 1972 riceve il premio per la grafica dell’Unione degli artisti rumeni.

Nel 1984 viene invitato alla Biennale di Venezia – Aperto 1984.

Vasto è il panorama di esposizioni personali e collettive: 1971 Edimburgh Richard De Marco Gallery – 1977 Quadriennale di Roma – 1977 Galleria La Salita – 1979 Milano Galleria dell’Ariete, Genova Galleria Forma – 1980 Kyoto Municipal of Art, Modena Galleria Emilio Mazzoli – 1981 Wroclaw Museo di architettura – 1990 Valencia Galleria Pasqual Lucas – 1982 Geneve Galerie Marie Louise Jeanneret – 1982 Torino Galleria Tucci Russo – 1983 Ravenna Loggetta Lombardesca – 1983 Brescia Galleria Piero Cavellini – 1984/1985/1987/1988 Torino Galleria Eva Menzio – 1986 Ravenna Pinacoteca comunale – 1988 Bucarest Museo nazionale d’arte della Romania – 1990 Torino Galleria In Arco – 1991 Alicante Centro Eusebio Sempre Palazzo Gravina – 1992 Warrenpoint (Nothern Irelad) Narrow Water Gallery – 1993 Ravenna Pinacoteca comunale Santa Maria delle Croci – 2001/2004 Torino Paolo Tonin Arte Contemporanea – 2001 Asti ex chiesa di San Giuseppe – 2002 Cuneo Fondazione Peano – 2003 Moncalieri Fonderie Teatrali Limone – 2005 Firenze ex Chiesa di San Carlo dei Barnabiti – 2008 Firenze Accademia delle Arti e del disegno.

In mostra negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino la  personale dell’artista/fotografo piemontese Mario Daniele, dal titolo “La realtà inventata”. La mostra si sviluppa fra tre differenti progetti accomunati dalla volontà di Mario Daniele di donare sempre ai propri scatti la visione della bellezza dei luoghi in cui viviamo, in un’atmosfera di magico silenzio.

“In che modo conosciamo ciò che crediamo di conoscere? Ciò che conosciamo viene visto in generale come il risultato della nostra esplorazione e comprensione del mondo reale. Il buon senso, dopotutto, suggerisce che questa realtà oggettiva può essere scoperta. In che modo conosciamo è un problema di gran lunga più complesso, la nostra visione della realtà non è una vera immagine di ciò che si trova fuori di noi, ma viene inevitabilmente determinata anche dai processi mentali attraverso i quali siamo arrivati a formulare una visione. Ciò che viene ipoteticamente scoperto è un’invenzione, il cui inventore è inconsapevole del proprio inventare e considera la realtà come qualcosa che esiste indipendentemente da sé: l’invenzione diventa quindi la base della propria visione del mondo e delle proprie azioni.

“La realtà inventata” è il cuore del contributo di Paul Watzlawick al costruttivismo da cui traggo deliberatamente ispirazione per questa mostra.

La visione costruttivista mi ha portato alla consapevolezza che ciò che noi chiamiamo realtà è un’interpretazione personale, un modo particolare di osservare e spiegare il mondo che viene costruito attraverso la comunicazione, nel mio caso visiva, e l’esperienza. Non scopriamo la realtà, la inventiamo. Da queste invenzioni nasce il mio stile, che lascio al visitatore della mostra scoprire”.

Riccardo Costantini Contemporary è lieta di presentare Eccentric Spaces, un progetto a cura di EIena Inchingolo e Paola Stroppiana: cinque artiste di diverse nazionalità, Caroline Corbasson, Debbie Lawson, Dana Levy, Noa Pane, Anila Rubiku, provenienti da esperienze formative differenti e con capacità espressive eterogenee, interpretano il concetto di spazio inteso come una delle categorie essenziali per la percezione del mondo.

L’idea progettuale prende avvio da una riflessione sul testo La prospettiva come forma simbolica (1927) di Erwin Panofsky, che dimostra come ogni epoca culturale abbia sviluppato un proprio modo di rappresentare lo spazio, inteso come la ‘forma simbolica’ visibile, propria di quella cultura.

La declinazione all’arte contemporanea ha quindi condotto ad una ragionata selezione di opere: il concetto di spazio che qui si vuole indagare è eterogenea, onnicomprensiva, a partire dalla sua accezione primaria di luogo disponibile per gli oggetti della realtà, individuati da una collocazione o posizione, dotati di dimensioni e suscettibili di spostamento. Il progetto espositivo include, per associazione mentale e slittamento metaforico, concetti di spazio che diventa luogo relazionale, antropologico, geometrico, architettonico, astronomico, poetico, onirico, naturalistico nell’ambito dell’arte contemporanea.

Volutamente le opere in mostra afferiscono a media diversi, installazioni video, sculture, disegni, che pongono numerose riflessioni sulla realtà partendo dalla loro specificità: l’interrogazione sulla natura delle cose, la classificazione scientifica dello spazio e dei suoi oggetti, il mondo dell’osservazione in continuo movimento con sempre nuovi obiettivi di conoscenza e di confronto.

Caroline Corbasson (Parigi, 1989) trae ispirazione, per la sua ricerca, dalla scienza, dall’astronomia, dai fenomeni naturali e dalla vastità dei paesaggi. Libera le immagini dal proprio contesto e gli oggetti dalla loro funzionalità per estrarne l’essenza e ridisegnarne i tratti rilevanti. L’economia dei mezzi, la densità delle immagini e l’attenta selezione dei materiali (carbone, polvere, inchiostro, grafite), che caratterizzano la sua produzione, riflettono la volontà di resistere al flusso infinito delle immagini che ci circondano. In mostra l’opera Anomalia, 2013 un’installazione di 10 pagine dell’Atlas Eclipticalis, (atlante celeste che risale al 1950) su cui l’artista interviene con sfere nere disegnate a carbone ad alludere ai buchi neri presenti nella galassia, spazi sconosciuti nell’universo attrattivi nella loro estetica ancora da definire, aperta a infinite possibilità.

Dana Levy (Tel Aviv), video artista di origine israeliana di base a New York, focalizza l’attenzione sull’interdipendenza tra storia naturale e umana, tematiche ambientaliste e politica. Dopo aver vissuto in prima persona gli effetti dell’uragano Sandy nel 2012, ha realizzato l’installazione Literature of Storms (in mostra Chapter 2 e Chapter 3, 2014). Levy ha individuato, su riviste di interior design degli anni ’20, alcune fotografie di stanze dall’arredamento modernista – immagini che le ricordavano di quello che fu un ideale estetico della società israeliana – e le ha animate proiettando su di esse acquazzoni, folate di vento e sciami di insetti. Attraverso un serrato confronto tra spazi abitativi freddi e forze naturali in movimento l’artista ha voluto porre in evidenza la visione miope di un mondo industrializzato che ha decimato le risorse del pianeta. Le tempeste hanno una ‘letteratura’ che dovremmo rileggere al fine di riconsiderare lo spazio dell’essere umano nella storia come imprescindibile da quello della natura.

Debbie Lawson (Dundee), di origine scozzese, reinterpreta interni domestici interconnessi con elementi naturali.

Le sue opere sono nuovi ibridi in cui differenti codici visivi coincidono: alla mimesis della natura si sovrappone una « filosofia dell’arredamento » eclettica, inedita, dagli esiti inaspettati.

Secondo la teoria che già Edgar Allan Poe citava nel saggio Philosophy of Furniture del 1840, l’atto dell’arredare una casa può essere inteso come la conquista di uno spazio, direttamente connessa con l’esperienza del vivere del suo proprietario. L’uso del tappeto persiano come texture delle sue sculture ed opere installative evoca storie fantastiche, di luoghi lontani, esotici. Elementi d’arredo quotidiano si animano creando nuove realtà abitative che accolgono la natura esterna. In mostra Persian Stag, 2016, Persian Bear, 2016 and Fox and Ivy, 2013, significativi esempi della sua eccentrica abilità plastico-scultorea su base tessile.

Le sculture-installazioni di Noa Pane (Roma, 1983) esplorano le possibilità di espansione e costrizione della gomma e dell’aria in strutture predeterminate o in spazi naturali e architettonici, con cui entrano in un dialogo straniante. L’indagine sui limiti dei materiali e l’attenzione all’aspetto formale conduce l’artista ad una continua ricerca dell’essenziale, in cui l’aria, materiale non materiale, diventa un elemento tanto impalpabile quanto vitale: incamerando l’aria nella gomma l’artista modella la forma nello spazio e ne osserva la reazione sotto tensione. In particolare in Compression 3, 2016 la massa sembra essere essa stessa generata dall’elemento naturale quasi a suggerirne l’appartenenza allo stesso sistema e allo stesso tempo percepirla come responsabile della rottura di un equilibrio. Nello spazio costretto la forza spinge e trasborda, incurante dei limiti posti.

La ricerca di Anila Rubiku (Durazzo) si fonda su un’approfondita analisi dello spazio come luogo relazionale e sociale. L’artista, di origine albanese, affronta la dimensione interiore dell’individuo ed in particolare la condizione della donna, il concetto di spazio domestico e l’idea del viaggio concepito come mezzo di confronto e possibilità di conoscenza.

Da Riccardo Costantini una selezione della sua indagine più recente dal titolo The Consequences of Love (2016). Anila, utilizzando tecniche differenti – disegno, incisione, scultura – concentra la sua ricerca sul significato metaforico e ambivalente della catena e della maschera nelle relazioni amorose. La catena intesa come vincolo costrittivo o stretto rapporto sentimentale e la maschera (in questo caso colorata) concepita come imprevedibile spazio di libertà all’interno di una stessa costrizione.

Octavio Floreal Humani Factus

15 dicembre 2016 – 4 febbraio 2017

opening: giovedi 15 dicembre ore 18.00

Testo critico di Marzia Capannolo

Giovedì 15 dicembre inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Octavio Floreal dal titolo: “Humani factus”. Per circa due anni Octavio Floreal ha frequentato un laboratorio/officina gestito dai fratelli Franco e Cesare, due ”maestri” artigiani del metallo. L’artista canario, che fin dai suoi esordi ha utilizzato il metallo come elemento fondamentale della propria arte, è stato subito attratto intellettualmente dalla dotta e sapiente creatività degli anziani fratelli. In questo periodo di frequentazione si è generato un dialogo fra l’artista e i titolari dell’officina che si basava sulle conoscenze tecniche, manualità, creatività e tutta l’esperienza scaturita da una vita dedicata al proprio lavoro. Spesso le conversazioni vergevano sulla differenza fra arte e artigianato fino ad arrivare a discorrere di vita ed evoluzione. Molte di questi dialoghi riguardavano il tema, apparentemente tecnico, del punto di fusione dei metalli e di quanto il controllo di tale scienza abbia determinato la Storia dell’ Umanità; da questo argomento sembrava naturale passare a dibattere sulla capacità tecnica e manuale dell’essere umano e di come, da quando fu creato il primo utensile in pietra, l’uomo trasformò la propria realtà e quella del pianeta in cui vive permettendogli di arrivare fino alla Luna. Da questi presupposti nasce il progetto Humani factus, mostra che si svolge attraverso lavori realizzati con medium differenti, disegno, pittura, scultura e installazione, in un percorso descrittivo che li accomuna. L’assunto è la riflessione sul prodotto artistico analizzato fra indagine storica e contemporaneità. La storia di Cesare e Franco è il pretesto che Octavio Floreal utilizza per fare una riflessione su quale sia il senso ed il valore del prodotto artistico contemporaneo. La mostra quindi diventa una vera e propria esperienza sensoriale, visiva, tattile e olfattiva, dove anche la “pittura retinica” diventa concettuale. Octavio Floreal nasce a Las Palmas di Gran Canaria (Spagna) nel 1966, vive e lavora a Torino. Nel 1993 si laurea in Belle Arti all’Università della Laguna di Tenerife, Spagna. Tra il 1991 e il 1993 partecipa al Progetto Erasmus presso l’Istituto Superiore di Arte Visiva di Anversa. Nel 1997 si diploma in Arte Grafiche alla Reale Accademia di Belle Arti di Anversa. Nel 1994 la sua prima mostra personale “NW 27º25º- 15º 13º”, in Belgio e nel 1995 in Spagna. 2000 riceve il premio dal Centro Psicoterapeutico di Mollenbeek, Bruxelles. Dal 2001 al 2003 apre ad Anversa “Octavio Floreal Space”, una vetrina su strada per un confronto diretto fra le sue nuove creazioni ed il pubblico. Nel 2005 prima mostra personale in Italia alla Galleria L’Union a Roma . Tra le esposizione più importanti sono da segnalare: “AmbientArte” Tuscia Opera Festival, Viterbo (2009); Indagine_9.7, 1.2.3.11.6, 5.4, 12.13, 14.15.10.8, Dora Diamante arte contemporanea, Roma (2009); “Hiwaar-dialogo” Centrum de Wijk, Anversa (2009); Draw Music Draw, Booze Cooperativa, Atene (2008); “Indagine” (2007) Luroa arte contemporanea, Las Palmas de Gran Canaria. (2014) “Il Nuovo Mondo e Palazzo Ceriana Mayneri” Circolo della Stampa, Torino, e “Destinazione d’uso” al Castello di Rivara. Marzia Capannolo è Storica dell’Arte e Art Advisor, collabora con riviste specializzate in arte e cultura e dirige l’Archivio Renato Javarone. Dal 2005 cura progetti culturali e mostre di arte moderna e contemporanea in collaborazione con enti istituzionali e imprese private. Dal 2010 conduce conferenze e cicli di incontri tematici nell’ambito della divulgazione scientifica della Storia dell’Arte. Nel 2012 ha pubblicato “CULTURA: un’Impresa. Arte e Artigianato come motori di sviluppo per l’Impresa della Cultura”, edito da Erga Edizioni, manuale dedicato alle nuove professioni della cultura e all’orientamento giuridico e fiscale degli operatori del settore.

Octavio Floreal

“Humani Factus” Sede via Giolitti, 51 – Torino

15 dicembre 2016 – 4 febbraio 2017

Inaugurazione giovedì 15 dicembre ore 18.00

Orari da martedì a sabato ore 11.00 – 19.30.

Lunedì e domenica chiuso.

Informazioni Riccardo Costantini Contemporary

t. +39 011 8141099 | +39 348 6703677

Info@rccontemporary.com

Sabato 5 novembre, in occasione della Notte delle Arti Contemporanee, inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Alessandro Filippini dal titolo: Solo qualche parola In mostra alcune delle più recenti sculture ed installazioni di Alessandro Filippini (Roma 1946) artista italiano di nascita e belga di adozione dopo più di 50 anni di vita a Bruxelles. Ispirato dal minimalismo, Alessandro Filippini è allo stesso tempo poeta ed artista ; le sue opere rivelano un uso attento dei materiali. Il lavoro dell’artista si sviluppa su più livelli: il verbo e la scrittura, la memoria e il tempo, l’individuo e la sua identità. In tutta la sua opera, Filippini traspone con la poesia l’essenza del reale impercettibile. Il suo lavoro ruota intorno al tema della vita nella suo significato più universale. Si tratta di sentimenti fondamentali che attraversano la nostra vita giorno per giorno. Con il suo lavoro l’artista tocca la nostra natura interiore e la nostra condizione umana di spettatori, attori, di esseri viventi e mortali ; ciò che collega tutti noi su questa terra e ciò che ci sfugge: il passare del tempo, l’amore, la solitudine, la dualità vita e morte, l’oggi e il domani, la luce e il buio, il tutto e il niente. Le sculture-installazioni di Alessandro Filippini intervengono sull’ ambiente circostante con luce e saggezza. Fanno parte del paesaggio con finezza, senza snaturarlo. Le parole e le emozioni sparse tra il cielo e la terra a volte accarezzano le nuvole, a volte si svolgono in un cerchio sull’erba. Poche parole che possano parlare ad ognuno di noi. Liberate della pagina bianca, le lettere fuggono in città e e nei suoi giardini. Arroccate su alti steli o disposte a terra, sono ben allineate fino a quando il vento le capovolge o il sole le rende abbaglianti. Scultore e poeta, Alessandro Filippini è un « domatore » di paradossi: lavora il metallo per forgiare meglio le parole che libera dalla carta, consentendo loro di accedere alla grandezza della natura.