In occasione di Ouverture 2017 di TAG – Torino Art Galleries, Riccardo Costantini Contemporary presenta la mostra dell’artista torinese Ferdi Giardini “InnSaei” (pronuncia Insaié), titolo ispirato a quello del film islandese : “InnSaei, The power of Intuition”

La mostra è un progetto site specific con sculture leggere e sottili, di cui alcune luminose, di differenti forme e dimensioni che trasmettono l’impressione di “disegni” nello spazio. Nello svolgersi dell’allestimento tali sculture saranno sia in sospensione che a parete.
Nella stanza d’ingresso saranno installate cinque sculture luminose, di diverse forme e dimensioni, a sospensione dal soffitto; molteplici sono i materiali utilizzati: alluminio, luce a led, acetato di cellulosa, vernice nera, vernice foto luminescente. Il titolo di questa serie di opere è “Black Sun”.
In un altro ambiente della galleria, opportunamente oscurato, cinque sculture luminose da parete, di forme differenti ma realizzate con i medesimi materiali della serie Black Sun. Questa serie di opere ha il titolo di “Sussurri al nostro cuore”.
Nella terza ed ultima stanza, saranno installate quattordici sculture in una unica parete, simili ma differenti tra loro; anche in questa serie di lavori, presentati con il titolo di “Blue Sun”, i materiali sono i medesimi delle serie precedentemente descritte ma non presentano luce a led.

“….Vedere il mondo dall’interno all’esterno…il mare dentro…il mare è la natura senza confini del nostro mondo interiore…il potere dell’intuizione…
I miei disegni, schizzi progettuali una volta costretti in scatole di metacrilato opaline, colorate, satinate, ora sono emersi alla vera luce ed ora vivono di luce propria anche se spenti, anche se al buio.
Dall’interno all’esterno appunto, emergono le emozioni non più solo visibili e “congelate”, ma tattilmente fruibili a tutti.”
Ferdi Giardini

Ferdi Giardini, nasce a Torino nel 1959, dove vive e lavora.
Si diploma all’Accademia di Belle Arti di Torino nel corso di Scenografia. Inizia ad esporre nel 1986 con una personale presso la galleria: Franz Paludetto di Torino. Continua la sua attività artistica, con mostre personali e collettive, in spazi pubblici e privati, sia in Italia che all’estero. Nel 1996 partecipa alla quadriennale di Roma e nello stesso anno la Fondazione De Fornari, Torino, acquista la scultura “Scendeva da lei fiotti di miele dorato”. Nel 1998 partecipa alla 1a Biennale Parchi e Natura di Roma. Nel 2006 partecipa alla Biennale dei Tori e dei Leoni, Lione -Torino, e la Gam di Torino, acquistata l’installazione “Esca per draghi”. Nel 2011 partecipa alla 54° Biennale di Venezia. Dal 2005 ha la cattedra presso il Politecnico la Facoltà di Architettura del corso di Laurea in Disegno Industriale – Progetto Grafico Virtuale. Laboratorio Materiali e Modelli II.
Hanno scritto sul suo lavoro: Massimo Melotti, Francesco Poli, Guido Curto, Luca Beatrice, Tiziana Conti, Achille Bonito Oliva, Piero Gilardi, Mirella Bandini, Edoardo Di Mauro, Maria Teresa Roberto, Floriana Piquet, Lisa Parola, Claudio Beccaria, Enrico Morteo.

Dal 1996 si occupa parallelamente a progetti di design, e collabora con aziende di illuminazione fra cui Luce Plan, Oluce, Ilti Luce e Slide; le sue invenzioni per questi prestigiosi marchi, sono prodotte e vendute in tutto il mondo.

In mostra, negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino, sei grandi opere su tela dell’artista cubano Juan Miguel Pozo che torna a Torino dopo la partecipazione nel 2014 alla collettiva “Sind wir berliner”. Juan Miguel Pozo (Avana, 1967) vive e lavora a Berlino da ormai più di venti anni. La sua storia di vita lo ha portato a riflettere sul concetto di memoria perduta, recuperando ricordi di vite altrui, come di immagini di luoghi e di edifici abbandonati oppure di oggetti trovati nei mercatini. Pozo unisce passato e presente per parlare di un futuro che non arriva, di un’utopia abbandonata. Nelle sue opere tutto si dissolve, rimangono solo i ricordi, protagonisti attivi di una memoria dimenticata: ciò che fu, o che sembrava essere o ciò che avrebbe potuto essere. La pittura di Pozo riflette la realtà urbana che lo circonda. Avana, Madrid e Berlino sono stati e continuano ad essere gli scenari principali che hanno ispirato la maggior parte delle sue opere; dipinti che si nutrono dell’immaginario della società occidentale, dell’espansione metropolitana e della cultura industriale, seguendo le tendenze neo pop e imitando la tradizione del collage. Sul piano stilistico Pozo studia l’estetica della propaganda manipolativa dei regimi totalitari e rielabora i processi visivi del proselitismo politico attualizzandoli attraverso l’iconografia contemporanea. Nelle sue opere, per esempio, ricorrono immagini di bambini, atleti e operai, soggetti spesso utilizzati con grande enfasi nella propaganda delle dittature. Nel suo lavoro Pozo riesce a unire in modo straordinario elementi ispirati alla Nuova Scuola di Lipsia, all’estetica berlinese e alle sue radici cubane. Questa sovrapposizione di linguaggi e di strati di memoria si manifesta sulle sue tele in uno stile pittorico unico in cui l’artista mescola sfondo e figure collocati sullo stesso piano e facendoli prevalere con medesima importanza. Mostre personali (Selezione) 2017 Century, Riccardo Costantini Contemporary, Torino Juan Miguel Pozo , Galerie Nardone, Brussels, Belgium 2016 Huracan sobre el azucar, Galeria Taller Gorria, La Habana, Cuba 2015 Copyrighted future, Galerie Nardone, Brussels, Belgium 2013 Market, Galerie Naimah Schutter, Berlin, Germany 2012 Tropical winter, GEgaleria, Monterrey, Mexico The word After, Galerie LIEBKRANZ, Berlin, Germany 2011 La conquista del cielo, SKL Gallery, Palma de Mallorca, Spain 2010 Phantomschmerz, Galerie Prenton und Wiesel, Wiesbaden, Germany 2008 Zimmer mit Mauerblick, Gallery SCALA, Berlin, Germany 2007 Zwitter, Ge galeria, Monterrey,Mexico 2005 Persona, Galerie Refugium, Berlin, Germany 2001 Nuevo bajo el sol, München, Germany 2000 Frozen Drop Galerie Stella & Bueno, Den Haag, Netherlands 1999 Pozo Sin Filtro Galerie FormArt, Saarbrücken, Germany 1997 Amor, política y otros desastres, Galerie X-tro, Wiesbaden, Germany 1996 Galerie Hans Mayer, Düsseldorf, Germany

In mostra negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino, la  personale di Radu Dragomirescu, dal titolo “I disegni del diluvio”. In esposizione alcune fra le opere più recenti dell’artista rumeno fra pittura, disegno ed installazione.

[…] Contro l’oscurità, appunto, si profilano le visioni di Dragomirescu, tenendosi prossime ad essa per conservarne l’eredità, ombre dell’Ombra. Sono figure che prendono corpo nei fenomeni attraverso il disegno, atto medianico tra lo spirito e l’Essere in dote all’intelligenza umana per cogliere il significato delle forme. La tecnica del disegno, in queste opere, non struttura lo spazio, né diventa espressione o traccia gestuale, ma registra il lucido presentimento della profondità segreta che si estende al di là degli oggetti, e che li adombra come enigma perpetuo. Non più dati concreti che attivano i sensi, gli oggetti si addensano nitidi e vibrano in allucinazioni simboliche esili come il punto di contatto tra la mente e l’ignoto su cui fluttuano. […]

Ogni immagine disegnata da Radu è, dunque, ad un tempo un simbolo e un rito. Se dio è morto e nulla rimane, la splendida geometria del mondo non assomiglia più alla sinfonia delle sfere celesti, ma alla danza macabra delle sue impressioni di sogno, suonata da un amabile demone tanto per gioire del gioco della vita. Il nulla non è una provenienza, ma l’assurdo, il non senso che contorna d’un alone tutte le apparenze, che brillano proprio nel contrasto lasciando sorgere, ancora una volta inspiegabilmente, la bellezza. In tutte le figure si avvera, dunque, un rovesciamento di attenzione dai fenomeni in piena luce allo specchio nero nel quale si riflettono. Un capovolgimento perfettamente incarnato proprio nell’adozione del disegno a grafite. Usata nei secoli di tradizione grafica per rappresentare le ombre, la stesura che Radu ne fa sullo sfondo nero la tramuta in segno delle aree luminose, i cui riflessi cangianti fanno vibrare le forme. E questa strana alchimia diventa l’allegoria della trasformazione necessaria alla nostra intelligenza confusa affinché tutti possano cogliere le visioni profonde della realtà.

(Dal testo di Michele Bramante)

Radu Dragomirescu nasce a Roseti (Romania) il 7 giugno 1944. Nel 1973 si stabilisce definitivamente in Italia. Frequenta l’università di arti plastiche N. Grigorescu di Bucarest diplomandosi nel 1969. Partecipa agli scavi archeologici sulla costa del Mar Nero, nella città di Costanza (Tomis), Mangalia (Calatis) e a Ischia con la guida dell’archeologo rumeno Valise Canarache negli anni dal 1960 al 1965. Viene invitato a Parigi (1968) alla sesta Biennale Internazionale della gioventù ed ottiene il gran premio.

Nel 1972 riceve il premio per la grafica dell’Unione degli artisti rumeni.

Nel 1984 viene invitato alla Biennale di Venezia – Aperto 1984.

Vasto è il panorama di esposizioni personali e collettive: 1971 Edimburgh Richard De Marco Gallery – 1977 Quadriennale di Roma – 1977 Galleria La Salita – 1979 Milano Galleria dell’Ariete, Genova Galleria Forma – 1980 Kyoto Municipal of Art, Modena Galleria Emilio Mazzoli – 1981 Wroclaw Museo di architettura – 1990 Valencia Galleria Pasqual Lucas – 1982 Geneve Galerie Marie Louise Jeanneret – 1982 Torino Galleria Tucci Russo – 1983 Ravenna Loggetta Lombardesca – 1983 Brescia Galleria Piero Cavellini – 1984/1985/1987/1988 Torino Galleria Eva Menzio – 1986 Ravenna Pinacoteca comunale – 1988 Bucarest Museo nazionale d’arte della Romania – 1990 Torino Galleria In Arco – 1991 Alicante Centro Eusebio Sempre Palazzo Gravina – 1992 Warrenpoint (Nothern Irelad) Narrow Water Gallery – 1993 Ravenna Pinacoteca comunale Santa Maria delle Croci – 2001/2004 Torino Paolo Tonin Arte Contemporanea – 2001 Asti ex chiesa di San Giuseppe – 2002 Cuneo Fondazione Peano – 2003 Moncalieri Fonderie Teatrali Limone – 2005 Firenze ex Chiesa di San Carlo dei Barnabiti – 2008 Firenze Accademia delle Arti e del disegno.

In mostra negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino la  personale dell’artista/fotografo piemontese Mario Daniele, dal titolo “La realtà inventata”. La mostra si sviluppa fra tre differenti progetti accomunati dalla volontà di Mario Daniele di donare sempre ai propri scatti la visione della bellezza dei luoghi in cui viviamo, in un’atmosfera di magico silenzio.

“In che modo conosciamo ciò che crediamo di conoscere? Ciò che conosciamo viene visto in generale come il risultato della nostra esplorazione e comprensione del mondo reale. Il buon senso, dopotutto, suggerisce che questa realtà oggettiva può essere scoperta. In che modo conosciamo è un problema di gran lunga più complesso, la nostra visione della realtà non è una vera immagine di ciò che si trova fuori di noi, ma viene inevitabilmente determinata anche dai processi mentali attraverso i quali siamo arrivati a formulare una visione. Ciò che viene ipoteticamente scoperto è un’invenzione, il cui inventore è inconsapevole del proprio inventare e considera la realtà come qualcosa che esiste indipendentemente da sé: l’invenzione diventa quindi la base della propria visione del mondo e delle proprie azioni.

“La realtà inventata” è il cuore del contributo di Paul Watzlawick al costruttivismo da cui traggo deliberatamente ispirazione per questa mostra.

La visione costruttivista mi ha portato alla consapevolezza che ciò che noi chiamiamo realtà è un’interpretazione personale, un modo particolare di osservare e spiegare il mondo che viene costruito attraverso la comunicazione, nel mio caso visiva, e l’esperienza. Non scopriamo la realtà, la inventiamo. Da queste invenzioni nasce il mio stile, che lascio al visitatore della mostra scoprire”.

Riccardo Costantini Contemporary è lieta di presentare Eccentric Spaces, un progetto a cura di EIena Inchingolo e Paola Stroppiana: cinque artiste di diverse nazionalità, Caroline Corbasson, Debbie Lawson, Dana Levy, Noa Pane, Anila Rubiku, provenienti da esperienze formative differenti e con capacità espressive eterogenee, interpretano il concetto di spazio inteso come una delle categorie essenziali per la percezione del mondo.

L’idea progettuale prende avvio da una riflessione sul testo La prospettiva come forma simbolica (1927) di Erwin Panofsky, che dimostra come ogni epoca culturale abbia sviluppato un proprio modo di rappresentare lo spazio, inteso come la ‘forma simbolica’ visibile, propria di quella cultura.

La declinazione all’arte contemporanea ha quindi condotto ad una ragionata selezione di opere: il concetto di spazio che qui si vuole indagare è eterogenea, onnicomprensiva, a partire dalla sua accezione primaria di luogo disponibile per gli oggetti della realtà, individuati da una collocazione o posizione, dotati di dimensioni e suscettibili di spostamento. Il progetto espositivo include, per associazione mentale e slittamento metaforico, concetti di spazio che diventa luogo relazionale, antropologico, geometrico, architettonico, astronomico, poetico, onirico, naturalistico nell’ambito dell’arte contemporanea.

Volutamente le opere in mostra afferiscono a media diversi, installazioni video, sculture, disegni, che pongono numerose riflessioni sulla realtà partendo dalla loro specificità: l’interrogazione sulla natura delle cose, la classificazione scientifica dello spazio e dei suoi oggetti, il mondo dell’osservazione in continuo movimento con sempre nuovi obiettivi di conoscenza e di confronto.

Caroline Corbasson (Parigi, 1989) trae ispirazione, per la sua ricerca, dalla scienza, dall’astronomia, dai fenomeni naturali e dalla vastità dei paesaggi. Libera le immagini dal proprio contesto e gli oggetti dalla loro funzionalità per estrarne l’essenza e ridisegnarne i tratti rilevanti. L’economia dei mezzi, la densità delle immagini e l’attenta selezione dei materiali (carbone, polvere, inchiostro, grafite), che caratterizzano la sua produzione, riflettono la volontà di resistere al flusso infinito delle immagini che ci circondano. In mostra l’opera Anomalia, 2013 un’installazione di 10 pagine dell’Atlas Eclipticalis, (atlante celeste che risale al 1950) su cui l’artista interviene con sfere nere disegnate a carbone ad alludere ai buchi neri presenti nella galassia, spazi sconosciuti nell’universo attrattivi nella loro estetica ancora da definire, aperta a infinite possibilità.

Dana Levy (Tel Aviv), video artista di origine israeliana di base a New York, focalizza l’attenzione sull’interdipendenza tra storia naturale e umana, tematiche ambientaliste e politica. Dopo aver vissuto in prima persona gli effetti dell’uragano Sandy nel 2012, ha realizzato l’installazione Literature of Storms (in mostra Chapter 2 e Chapter 3, 2014). Levy ha individuato, su riviste di interior design degli anni ’20, alcune fotografie di stanze dall’arredamento modernista – immagini che le ricordavano di quello che fu un ideale estetico della società israeliana – e le ha animate proiettando su di esse acquazzoni, folate di vento e sciami di insetti. Attraverso un serrato confronto tra spazi abitativi freddi e forze naturali in movimento l’artista ha voluto porre in evidenza la visione miope di un mondo industrializzato che ha decimato le risorse del pianeta. Le tempeste hanno una ‘letteratura’ che dovremmo rileggere al fine di riconsiderare lo spazio dell’essere umano nella storia come imprescindibile da quello della natura.

Debbie Lawson (Dundee), di origine scozzese, reinterpreta interni domestici interconnessi con elementi naturali.

Le sue opere sono nuovi ibridi in cui differenti codici visivi coincidono: alla mimesis della natura si sovrappone una « filosofia dell’arredamento » eclettica, inedita, dagli esiti inaspettati.

Secondo la teoria che già Edgar Allan Poe citava nel saggio Philosophy of Furniture del 1840, l’atto dell’arredare una casa può essere inteso come la conquista di uno spazio, direttamente connessa con l’esperienza del vivere del suo proprietario. L’uso del tappeto persiano come texture delle sue sculture ed opere installative evoca storie fantastiche, di luoghi lontani, esotici. Elementi d’arredo quotidiano si animano creando nuove realtà abitative che accolgono la natura esterna. In mostra Persian Stag, 2016, Persian Bear, 2016 and Fox and Ivy, 2013, significativi esempi della sua eccentrica abilità plastico-scultorea su base tessile.

Le sculture-installazioni di Noa Pane (Roma, 1983) esplorano le possibilità di espansione e costrizione della gomma e dell’aria in strutture predeterminate o in spazi naturali e architettonici, con cui entrano in un dialogo straniante. L’indagine sui limiti dei materiali e l’attenzione all’aspetto formale conduce l’artista ad una continua ricerca dell’essenziale, in cui l’aria, materiale non materiale, diventa un elemento tanto impalpabile quanto vitale: incamerando l’aria nella gomma l’artista modella la forma nello spazio e ne osserva la reazione sotto tensione. In particolare in Compression 3, 2016 la massa sembra essere essa stessa generata dall’elemento naturale quasi a suggerirne l’appartenenza allo stesso sistema e allo stesso tempo percepirla come responsabile della rottura di un equilibrio. Nello spazio costretto la forza spinge e trasborda, incurante dei limiti posti.

La ricerca di Anila Rubiku (Durazzo) si fonda su un’approfondita analisi dello spazio come luogo relazionale e sociale. L’artista, di origine albanese, affronta la dimensione interiore dell’individuo ed in particolare la condizione della donna, il concetto di spazio domestico e l’idea del viaggio concepito come mezzo di confronto e possibilità di conoscenza.

Da Riccardo Costantini una selezione della sua indagine più recente dal titolo The Consequences of Love (2016). Anila, utilizzando tecniche differenti – disegno, incisione, scultura – concentra la sua ricerca sul significato metaforico e ambivalente della catena e della maschera nelle relazioni amorose. La catena intesa come vincolo costrittivo o stretto rapporto sentimentale e la maschera (in questo caso colorata) concepita come imprevedibile spazio di libertà all’interno di una stessa costrizione.

Octavio Floreal Humani Factus

15 dicembre 2016 – 4 febbraio 2017

opening: giovedi 15 dicembre ore 18.00

Testo critico di Marzia Capannolo

Giovedì 15 dicembre inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Octavio Floreal dal titolo: “Humani factus”. Per circa due anni Octavio Floreal ha frequentato un laboratorio/officina gestito dai fratelli Franco e Cesare, due ”maestri” artigiani del metallo. L’artista canario, che fin dai suoi esordi ha utilizzato il metallo come elemento fondamentale della propria arte, è stato subito attratto intellettualmente dalla dotta e sapiente creatività degli anziani fratelli. In questo periodo di frequentazione si è generato un dialogo fra l’artista e i titolari dell’officina che si basava sulle conoscenze tecniche, manualità, creatività e tutta l’esperienza scaturita da una vita dedicata al proprio lavoro. Spesso le conversazioni vergevano sulla differenza fra arte e artigianato fino ad arrivare a discorrere di vita ed evoluzione. Molte di questi dialoghi riguardavano il tema, apparentemente tecnico, del punto di fusione dei metalli e di quanto il controllo di tale scienza abbia determinato la Storia dell’ Umanità; da questo argomento sembrava naturale passare a dibattere sulla capacità tecnica e manuale dell’essere umano e di come, da quando fu creato il primo utensile in pietra, l’uomo trasformò la propria realtà e quella del pianeta in cui vive permettendogli di arrivare fino alla Luna. Da questi presupposti nasce il progetto Humani factus, mostra che si svolge attraverso lavori realizzati con medium differenti, disegno, pittura, scultura e installazione, in un percorso descrittivo che li accomuna. L’assunto è la riflessione sul prodotto artistico analizzato fra indagine storica e contemporaneità. La storia di Cesare e Franco è il pretesto che Octavio Floreal utilizza per fare una riflessione su quale sia il senso ed il valore del prodotto artistico contemporaneo. La mostra quindi diventa una vera e propria esperienza sensoriale, visiva, tattile e olfattiva, dove anche la “pittura retinica” diventa concettuale. Octavio Floreal nasce a Las Palmas di Gran Canaria (Spagna) nel 1966, vive e lavora a Torino. Nel 1993 si laurea in Belle Arti all’Università della Laguna di Tenerife, Spagna. Tra il 1991 e il 1993 partecipa al Progetto Erasmus presso l’Istituto Superiore di Arte Visiva di Anversa. Nel 1997 si diploma in Arte Grafiche alla Reale Accademia di Belle Arti di Anversa. Nel 1994 la sua prima mostra personale “NW 27º25º- 15º 13º”, in Belgio e nel 1995 in Spagna. 2000 riceve il premio dal Centro Psicoterapeutico di Mollenbeek, Bruxelles. Dal 2001 al 2003 apre ad Anversa “Octavio Floreal Space”, una vetrina su strada per un confronto diretto fra le sue nuove creazioni ed il pubblico. Nel 2005 prima mostra personale in Italia alla Galleria L’Union a Roma . Tra le esposizione più importanti sono da segnalare: “AmbientArte” Tuscia Opera Festival, Viterbo (2009); Indagine_9.7, 1.2.3.11.6, 5.4, 12.13, 14.15.10.8, Dora Diamante arte contemporanea, Roma (2009); “Hiwaar-dialogo” Centrum de Wijk, Anversa (2009); Draw Music Draw, Booze Cooperativa, Atene (2008); “Indagine” (2007) Luroa arte contemporanea, Las Palmas de Gran Canaria. (2014) “Il Nuovo Mondo e Palazzo Ceriana Mayneri” Circolo della Stampa, Torino, e “Destinazione d’uso” al Castello di Rivara. Marzia Capannolo è Storica dell’Arte e Art Advisor, collabora con riviste specializzate in arte e cultura e dirige l’Archivio Renato Javarone. Dal 2005 cura progetti culturali e mostre di arte moderna e contemporanea in collaborazione con enti istituzionali e imprese private. Dal 2010 conduce conferenze e cicli di incontri tematici nell’ambito della divulgazione scientifica della Storia dell’Arte. Nel 2012 ha pubblicato “CULTURA: un’Impresa. Arte e Artigianato come motori di sviluppo per l’Impresa della Cultura”, edito da Erga Edizioni, manuale dedicato alle nuove professioni della cultura e all’orientamento giuridico e fiscale degli operatori del settore.

Octavio Floreal

“Humani Factus” Sede via Giolitti, 51 – Torino

15 dicembre 2016 – 4 febbraio 2017

Inaugurazione giovedì 15 dicembre ore 18.00

Orari da martedì a sabato ore 11.00 – 19.30.

Lunedì e domenica chiuso.

Informazioni Riccardo Costantini Contemporary

t. +39 011 8141099 | +39 348 6703677

Info@rccontemporary.com

Sabato 5 novembre, in occasione della Notte delle Arti Contemporanee, inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Alessandro Filippini dal titolo: Solo qualche parola In mostra alcune delle più recenti sculture ed installazioni di Alessandro Filippini (Roma 1946) artista italiano di nascita e belga di adozione dopo più di 50 anni di vita a Bruxelles. Ispirato dal minimalismo, Alessandro Filippini è allo stesso tempo poeta ed artista ; le sue opere rivelano un uso attento dei materiali. Il lavoro dell’artista si sviluppa su più livelli: il verbo e la scrittura, la memoria e il tempo, l’individuo e la sua identità. In tutta la sua opera, Filippini traspone con la poesia l’essenza del reale impercettibile. Il suo lavoro ruota intorno al tema della vita nella suo significato più universale. Si tratta di sentimenti fondamentali che attraversano la nostra vita giorno per giorno. Con il suo lavoro l’artista tocca la nostra natura interiore e la nostra condizione umana di spettatori, attori, di esseri viventi e mortali ; ciò che collega tutti noi su questa terra e ciò che ci sfugge: il passare del tempo, l’amore, la solitudine, la dualità vita e morte, l’oggi e il domani, la luce e il buio, il tutto e il niente. Le sculture-installazioni di Alessandro Filippini intervengono sull’ ambiente circostante con luce e saggezza. Fanno parte del paesaggio con finezza, senza snaturarlo. Le parole e le emozioni sparse tra il cielo e la terra a volte accarezzano le nuvole, a volte si svolgono in un cerchio sull’erba. Poche parole che possano parlare ad ognuno di noi. Liberate della pagina bianca, le lettere fuggono in città e e nei suoi giardini. Arroccate su alti steli o disposte a terra, sono ben allineate fino a quando il vento le capovolge o il sole le rende abbaglianti. Scultore e poeta, Alessandro Filippini è un « domatore » di paradossi: lavora il metallo per forgiare meglio le parole che libera dalla carta, consentendo loro di accedere alla grandezza della natura.

Giovedì 29 settembre, in occasione di Ouverture di Torino Art Galleries, inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Gianni Colosimo dal titolo: UNEASINESS – Elegia del silenzio e del buio

Il testo della mostra è di Davide Dal Sasso.

Il progetto è parte integrante di un ciclo di cinque mostre dove l’artista torinese espone opere caratterizzate da autonomia vitale ed estetica per affrancarsi dall’autore, dal pubblico e dall’attuale sistema dell’arte: opere ‘ribelli’ che non vogliono sottostare al giogo del ruolo che l’autore-artista gli impone. Questi lavori non vogliono mostrarsi, né essere complici di una realtà estetica contemporanea che, inseguendo unicamente la logica del profitto, ha smarrito la bussola e i basilari connotati, senso della pratica e della fruizione dell’arte.

[…] Sottotraccia. Quel turbamento, vero e proprio disagio come ammette lo stesso Colosimo, dallo sfondo arriva in primo piano. Lo scrive sulla superficie di ciascuno dei suoi lavori, il turbamento prende così una forma letterale. Le chiare lettere che, una volta lette, ci comunicano quel che Colosimo vuol dire con le sue opere. L’ideazione, la nascita del lavoro e il suo svilupparsi, sono resi pubblici. A tali elementi rimandano le diverse iscrizioni che occupano le superfici delle sue opere. Tant’è che, con la sua solita ironia, Colosimo ribadisce quanto conti la nascita dell’idea nella sua ‘immacolata concezione’. Il gioco con le parole è evidente. E lo è altrettanto il suo lavoro motivato dalla scelta di abbandonare l’icona per andare aldilà della traccia, per dare visibilità a ciò che sta sotto di essa. […]

(dal testo di Davide Dal Sasso)

Gianni Colosimo (1953) inizia la sua attività artistica come performer. Nel 1978 crea la performance “Freud mein Freund” presso la galleria Multipli di Giorgio Persano. Tra il ’78 e l ’81 si trasferisce a Roma dove svolge la sua attività nell’ambito della ricerca teatrale producendo alcune performance fra cui “Il grande sonno della trapezista” alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Nel ’78 e ’81 su invito di Renato Barilli, Francesca Alinovi e Roberto Daolio, partecipa alla Seconda ed alla Quarta Settimana Internazionale della Performance di Bologna. Nel 1981 viene invitato dall ‘ICC di Anversa dove ripropone la performance “L’uomo di Cosenza”. Nel 1982 partecipa alla mostra “Una generazione Postmoderna” presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Tra l’82 ed il ’90 realizza numerose performance tra cui “L’ultimo sogno di Piero Manzoni” alla Galleria Martano di Torino. Negli anni Novanta inizia a produrre le prime opere pittoriche e la performance “Nutella Gutemberg”. Nel 2006 realizza l’ormai celeberrima installazione “Wallpaper- Il vortice del desiderio è privo d’orizzonte” dove tappezza l’intera galleria Pack di Milano con 100.000 biglietti da un dollaro. Due anni più tardi la stessa installazione viene riproposta a Roma presso Motelsalieri . Sempre nel 2008 è invitato da Francesco Poli a partecipare alla Biennale di scultura di Carrara . Tra il 2009 ed 2010 Colosimo elimina lo spazio fisico istituzionale della galleria per creare una mostra dal titolo “Il silenzio incestuoso della mia ombra ferita” utilizzando le pagine di quattro riviste d’arte : Artforum, Exibart, Mousse e Nero. Rispettivamente nel 2009 e 2010 realizza le performance “Ultimo frammento onirico di un cuore bizantino infranto” presso il Teatro Carignano di Torino, e “Obsoleti cani randagi con un sapore di cenere in bocca” durante il vernissage di Artissima. Nell’estate del 2011, su invito del direttore Laurent Le Bon, presenta l’esposizione personale “L’arte contemporanea raccontata ai bambini” presso il Centre Pompidou-Metz; la stessa mostra viene riproposta l’anno successivo presso La Sucriere di Lione. Nel 2013 per Marble Week di Carrara realizza la mostra “L’arcana profezia delle sette vacche tibetane”. Nel 2014 viene invitato da Maria Teresa Roberto a partecipare con la mostra “Il grande sonno della trapezista” alla sezione Surprise della GAM di Torino; nello stesso anno espone da Riccardo Costantini e a “The Bank” a Torino. Maurizio Cattelan nel novembre 2014 rende omaggio a Colosimo (ed a Hans-Peter Feldmann) incaricando l’artista citazionista Eric Doeringer a creare un ‘installazione con 40.000 dollari presso la scalinata di Palazzo Cavour a Torino sede della mostra “Shit and Die”. Nel 2015 presenta la mostra personale presso la galleria Giacomo Guidi di Roma dal titolo “Resurrezione”; Sempre nel 2015 la mostra di un solo giorno “Il ritorno dell’Uomo Raggio” alla galleria Riccardo Costantini – Torino.

Davide Dal Sasso è membro di LabOnt, il Laboratorio di Ontologia fondato da Maurizio Ferraris, e sta ultimando il dottorato di ricerca in Filosofia presso l’Università degli Studi di Torino. Le sue ricerche vertono in particolare sulla ricomprensione filosofica del concettualismo, sul ruolo della rappresentazione nelle diverse forme d’arte, sulle nuove possibilità esperienziali offerte dalle arti contemporanee e sulla riconfigurazione del discorso filosofico su di esse. È l’ideatore del format di discussione interdisciplinare “Dialoghi di Estetica” e della omonima rubrica di filosofia e arte attiva dal 2012 su Artribune. Ha curato la nuova edizione di Ermanno Migliorini, “Conceptual Art” (Mimesis, Milano-Udine 2014).

Giovedì 12 maggio, inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Melissa Steckbauer dal titolo CADRE a cura di Olga Gambari.

La trentaseienne artista americana presenta, alla sua seconda personale in Italia, una serie di opere inedite realizzate appositamente per la mostra, affiancate ad opere precedenti in un percorso fra differenti mezzi espressivi.

[…] i suoi lavori sono rifrazioni, riverberi, che colgono in giro immagini di intimità e le trattano come superfici da infrangere, come pelli da incidere per far emergere bagliori, intuizioni. Melissa ritaglia via corpi e figure dai contesti e dagli ambienti a cui appartengono originariamente, li estrae dai generi che li connotano (dal porno alla foto d’archivio). Così intacca le categorie, le cornici, gli involucri per lasciare respirare e trasudare quelle situazioni, che ora galleggiano libere in uno spazio indefinito.
Che siano fatte di pittura (dal tratto gestuale e il segno espressiva) o di fotografia, collage, stampa e installazione, le sue opere sono fisiche, tattili, fatte di vita. Eppure il loro trattamento tecnico e visivo le smaterializza, pone una distanza tra soggetto ritratto e spettatore. Melissa mette a punto un personale linguaggio visivo che riguarda la luce, il colore e la forma. Colora, taglia, incide, stampa, sovrappone, contamina. Solo apparentemente questa pratica blocca una narrazione diretta : in realtà con questo dinamico gioco visivo, l’artista sviluppa un processo di reale disvelamento della dimensione sotterranea contenuta dalle immagini e dal loro immaginario. Le libera dall’essere immagini belle e ben fatte dalla lettura interpretativa scontata, immagini di genere insomma, per farle assurgere, invece, a soglie, luoghi di trance, in cui appare qualcosa di inaspettato. Il desiderio. […]

(dal testo di Olga Gambari)

Melissa Steckbauer, 1980 Tucson, AZ, USA – vive e lavora a Berlino

Personali (selezione)

2015 Melissa Steckbauer, Skopia Art contemporain, Geneva, Switzerland
2014 Trans dans, Launch for Revue-Magazine, Lehrter 17, Berlin, Germany
2013 The Architectonics of Love, Liebkranz Galerie, Berlin, Germany
2012 A Sensuist’s Guide, LSD Galerie, Berlin, Germany
2012 Melissa Steckbauer, Western Exhibitions, Chicago, IL
2011 One Night Stand, KIM Bar, Berlin
2010 Behind the Curtain and in the Closet, The Bella Building, curated by Isabella Vatter, Munich, Germany
2010 I The Hunter, Galerie Saupe, Berlin, Germany
2010 Half Camp, Van der Stegen Gallery, Paris, France
2010 CARTE, Bureau Mathieu Cénac, Paris, France
2008 Melissa Steckbauer, Sottopasso, Livorno, Italy
2008 Sacred Artists & Animal Urges, IAF Shop, Fukuoka, Japan
2005 All Bound Up, ONE9ZERO6 Gallery, San Antonio, TX

Principali collettive

2015 Mending and Bending Remedies Beneath The Palm Tree, a durational happening with Paul Philipp Heinze, Linards Kulless, Christoph Mühlau, Janne Schäfer / J&K, Melissa Steckbauer, & Magda Tothova, Part of Vienna Art Week–Studio Visits, Palme13, Vienna, Austria
2015 Growing Silent by Frisk Flugt, collaboration with J&K, New Shelter Plan, Copenhagen, Denmark
2015 A Night With ƑƑ: Help It Grow, An ƒƒ project organized by Janne Schäfer & Melissa Steckbauer, Haus am Lützowplatz, Berlin, Germany
2014 SIND WIR BERLINER? (persone, animali, oggetti), Riccardo Costantini Contemporary, Torino, Italy
2014 Art in Odd Places – Indianapolis, Indianapolis, IN
2014 TAZ 3, A project by ƒƒ curated by Barbara Piwowarska, Teatr Studio, Warsaw, Poland
2014 Painting was a lady, Wonderloch Kellerland, NY, NY
2014 Auftakt, organized by Secondary Narratives, Kunstsaele, Berlin, Germany
2014 Bilder, die wir behalten / Elisabeth, curated by Manuel Wischnewski, Neue Berliner Räume, Berlin, Germany
2014 Deep Play: Double M Consultancy, organized by The Wand, Double M Consultancy, Berlin, Germany
2014 Deep Play: Korede, Corazón, organized by The Wand; venues include: Plakatwand-Moabit, Eisbox, La Dolce Vita, Otto-Spielplatz, Neue Heimat, Berlin, Germany
2014 Tribal Tribu-te, curated by Yann Perol, Metaxu, Toulon, France
2014 Mensch – inszenierte Fotografie – Erzählung, curated by Leo de Munk, Raum für Fotografie, Berlin, Germany
2014 Female Intervention, featuring ƒƒ and curated by Conny Becker, Kleine Humboldt Galerie, Berlin, Germany
2014 Life & Times: Lampedusa, A project made possible by Viva con Agua, Millerntor Gallery #4, Hamburg, Germany
2014 Present, Organized by Michaela Zimmer, Projektraum Bethanien, Berlin, Germany
2014 Intimate Interactions, Curated by Ladislav Kesner, City Gallery, Ostrava, Czech Republic; catalog
2014 Die Ästhetik des Widerstands, curated by Moira Zoitl und Julia Lazarus, IG Bildende Kunst, Vienna; Galerie Im Turm, Berlin
2013 Let it Go, curated by Anne Fäser, Christine Nippe, and Heike Fühlbrugge, Souterrain, Berlin, Germany
2013 Passage, curated by Yann Perol in conjunction with Mois Européen de la Photo à Sofia, Fabrik, Sofia, Bulgaria
2013 The History of Painting Revisited, performative event with ƒƒ, Deutsche Bank KunstHalle, Berlin
2013 ƒƒ / Forma, KW Institute for Contemporary Art, Berlin, Germany
2013 Sleep Disorders, Atelier C3, Cité internationale des Arts, Paris France, & Manzoni Schäper Projekt, Berlin, Germany; catalog

2008 Real Presence, Castello di Rivoli–Museum of Contemporary Art, Rivoli, Italy
2008 Real Presence, Legacy House, Belgrade, Serbia