In mostra negli spazi di Riccardo Costantini Contemporary a Torino la  personale dell’artista/fotografo piemontese Mario Daniele, dal titolo “La realtà inventata”. La mostra si sviluppa fra tre differenti progetti accomunati dalla volontà di Mario Daniele di donare sempre ai propri scatti la visione della bellezza dei luoghi in cui viviamo, in un’atmosfera di magico silenzio.

“In che modo conosciamo ciò che crediamo di conoscere? Ciò che conosciamo viene visto in generale come il risultato della nostra esplorazione e comprensione del mondo reale. Il buon senso, dopotutto, suggerisce che questa realtà oggettiva può essere scoperta. In che modo conosciamo è un problema di gran lunga più complesso, la nostra visione della realtà non è una vera immagine di ciò che si trova fuori di noi, ma viene inevitabilmente determinata anche dai processi mentali attraverso i quali siamo arrivati a formulare una visione. Ciò che viene ipoteticamente scoperto è un’invenzione, il cui inventore è inconsapevole del proprio inventare e considera la realtà come qualcosa che esiste indipendentemente da sé: l’invenzione diventa quindi la base della propria visione del mondo e delle proprie azioni.

“La realtà inventata” è il cuore del contributo di Paul Watzlawick al costruttivismo da cui traggo deliberatamente ispirazione per questa mostra.

La visione costruttivista mi ha portato alla consapevolezza che ciò che noi chiamiamo realtà è un’interpretazione personale, un modo particolare di osservare e spiegare il mondo che viene costruito attraverso la comunicazione, nel mio caso visiva, e l’esperienza. Non scopriamo la realtà, la inventiamo. Da queste invenzioni nasce il mio stile, che lascio al visitatore della mostra scoprire”.

Riccardo Costantini Contemporary è lieta di presentare Eccentric Spaces, un progetto a cura di EIena Inchingolo e Paola Stroppiana: cinque artiste di diverse nazionalità, Caroline Corbasson, Debbie Lawson, Dana Levy, Noa Pane, Anila Rubiku, provenienti da esperienze formative differenti e con capacità espressive eterogenee, interpretano il concetto di spazio inteso come una delle categorie essenziali per la percezione del mondo.

L’idea progettuale prende avvio da una riflessione sul testo La prospettiva come forma simbolica (1927) di Erwin Panofsky, che dimostra come ogni epoca culturale abbia sviluppato un proprio modo di rappresentare lo spazio, inteso come la ‘forma simbolica’ visibile, propria di quella cultura.

La declinazione all’arte contemporanea ha quindi condotto ad una ragionata selezione di opere: il concetto di spazio che qui si vuole indagare è eterogenea, onnicomprensiva, a partire dalla sua accezione primaria di luogo disponibile per gli oggetti della realtà, individuati da una collocazione o posizione, dotati di dimensioni e suscettibili di spostamento. Il progetto espositivo include, per associazione mentale e slittamento metaforico, concetti di spazio che diventa luogo relazionale, antropologico, geometrico, architettonico, astronomico, poetico, onirico, naturalistico nell’ambito dell’arte contemporanea.

Volutamente le opere in mostra afferiscono a media diversi, installazioni video, sculture, disegni, che pongono numerose riflessioni sulla realtà partendo dalla loro specificità: l’interrogazione sulla natura delle cose, la classificazione scientifica dello spazio e dei suoi oggetti, il mondo dell’osservazione in continuo movimento con sempre nuovi obiettivi di conoscenza e di confronto.

Caroline Corbasson (Parigi, 1989) trae ispirazione, per la sua ricerca, dalla scienza, dall’astronomia, dai fenomeni naturali e dalla vastità dei paesaggi. Libera le immagini dal proprio contesto e gli oggetti dalla loro funzionalità per estrarne l’essenza e ridisegnarne i tratti rilevanti. L’economia dei mezzi, la densità delle immagini e l’attenta selezione dei materiali (carbone, polvere, inchiostro, grafite), che caratterizzano la sua produzione, riflettono la volontà di resistere al flusso infinito delle immagini che ci circondano. In mostra l’opera Anomalia, 2013 un’installazione di 10 pagine dell’Atlas Eclipticalis, (atlante celeste che risale al 1950) su cui l’artista interviene con sfere nere disegnate a carbone ad alludere ai buchi neri presenti nella galassia, spazi sconosciuti nell’universo attrattivi nella loro estetica ancora da definire, aperta a infinite possibilità.

Dana Levy (Tel Aviv), video artista di origine israeliana di base a New York, focalizza l’attenzione sull’interdipendenza tra storia naturale e umana, tematiche ambientaliste e politica. Dopo aver vissuto in prima persona gli effetti dell’uragano Sandy nel 2012, ha realizzato l’installazione Literature of Storms (in mostra Chapter 2 e Chapter 3, 2014). Levy ha individuato, su riviste di interior design degli anni ’20, alcune fotografie di stanze dall’arredamento modernista – immagini che le ricordavano di quello che fu un ideale estetico della società israeliana – e le ha animate proiettando su di esse acquazzoni, folate di vento e sciami di insetti. Attraverso un serrato confronto tra spazi abitativi freddi e forze naturali in movimento l’artista ha voluto porre in evidenza la visione miope di un mondo industrializzato che ha decimato le risorse del pianeta. Le tempeste hanno una ‘letteratura’ che dovremmo rileggere al fine di riconsiderare lo spazio dell’essere umano nella storia come imprescindibile da quello della natura.

Debbie Lawson (Dundee), di origine scozzese, reinterpreta interni domestici interconnessi con elementi naturali.

Le sue opere sono nuovi ibridi in cui differenti codici visivi coincidono: alla mimesis della natura si sovrappone una « filosofia dell’arredamento » eclettica, inedita, dagli esiti inaspettati.

Secondo la teoria che già Edgar Allan Poe citava nel saggio Philosophy of Furniture del 1840, l’atto dell’arredare una casa può essere inteso come la conquista di uno spazio, direttamente connessa con l’esperienza del vivere del suo proprietario. L’uso del tappeto persiano come texture delle sue sculture ed opere installative evoca storie fantastiche, di luoghi lontani, esotici. Elementi d’arredo quotidiano si animano creando nuove realtà abitative che accolgono la natura esterna. In mostra Persian Stag, 2016, Persian Bear, 2016 and Fox and Ivy, 2013, significativi esempi della sua eccentrica abilità plastico-scultorea su base tessile.

Le sculture-installazioni di Noa Pane (Roma, 1983) esplorano le possibilità di espansione e costrizione della gomma e dell’aria in strutture predeterminate o in spazi naturali e architettonici, con cui entrano in un dialogo straniante. L’indagine sui limiti dei materiali e l’attenzione all’aspetto formale conduce l’artista ad una continua ricerca dell’essenziale, in cui l’aria, materiale non materiale, diventa un elemento tanto impalpabile quanto vitale: incamerando l’aria nella gomma l’artista modella la forma nello spazio e ne osserva la reazione sotto tensione. In particolare in Compression 3, 2016 la massa sembra essere essa stessa generata dall’elemento naturale quasi a suggerirne l’appartenenza allo stesso sistema e allo stesso tempo percepirla come responsabile della rottura di un equilibrio. Nello spazio costretto la forza spinge e trasborda, incurante dei limiti posti.

La ricerca di Anila Rubiku (Durazzo) si fonda su un’approfondita analisi dello spazio come luogo relazionale e sociale. L’artista, di origine albanese, affronta la dimensione interiore dell’individuo ed in particolare la condizione della donna, il concetto di spazio domestico e l’idea del viaggio concepito come mezzo di confronto e possibilità di conoscenza.

Da Riccardo Costantini una selezione della sua indagine più recente dal titolo The Consequences of Love (2016). Anila, utilizzando tecniche differenti – disegno, incisione, scultura – concentra la sua ricerca sul significato metaforico e ambivalente della catena e della maschera nelle relazioni amorose. La catena intesa come vincolo costrittivo o stretto rapporto sentimentale e la maschera (in questo caso colorata) concepita come imprevedibile spazio di libertà all’interno di una stessa costrizione.

Octavio Floreal Humani Factus

15 dicembre 2016 – 4 febbraio 2017

opening: giovedi 15 dicembre ore 18.00

Testo critico di Marzia Capannolo

Giovedì 15 dicembre inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Octavio Floreal dal titolo: “Humani factus”. Per circa due anni Octavio Floreal ha frequentato un laboratorio/officina gestito dai fratelli Franco e Cesare, due ”maestri” artigiani del metallo. L’artista canario, che fin dai suoi esordi ha utilizzato il metallo come elemento fondamentale della propria arte, è stato subito attratto intellettualmente dalla dotta e sapiente creatività degli anziani fratelli. In questo periodo di frequentazione si è generato un dialogo fra l’artista e i titolari dell’officina che si basava sulle conoscenze tecniche, manualità, creatività e tutta l’esperienza scaturita da una vita dedicata al proprio lavoro. Spesso le conversazioni vergevano sulla differenza fra arte e artigianato fino ad arrivare a discorrere di vita ed evoluzione. Molte di questi dialoghi riguardavano il tema, apparentemente tecnico, del punto di fusione dei metalli e di quanto il controllo di tale scienza abbia determinato la Storia dell’ Umanità; da questo argomento sembrava naturale passare a dibattere sulla capacità tecnica e manuale dell’essere umano e di come, da quando fu creato il primo utensile in pietra, l’uomo trasformò la propria realtà e quella del pianeta in cui vive permettendogli di arrivare fino alla Luna. Da questi presupposti nasce il progetto Humani factus, mostra che si svolge attraverso lavori realizzati con medium differenti, disegno, pittura, scultura e installazione, in un percorso descrittivo che li accomuna. L’assunto è la riflessione sul prodotto artistico analizzato fra indagine storica e contemporaneità. La storia di Cesare e Franco è il pretesto che Octavio Floreal utilizza per fare una riflessione su quale sia il senso ed il valore del prodotto artistico contemporaneo. La mostra quindi diventa una vera e propria esperienza sensoriale, visiva, tattile e olfattiva, dove anche la “pittura retinica” diventa concettuale. Octavio Floreal nasce a Las Palmas di Gran Canaria (Spagna) nel 1966, vive e lavora a Torino. Nel 1993 si laurea in Belle Arti all’Università della Laguna di Tenerife, Spagna. Tra il 1991 e il 1993 partecipa al Progetto Erasmus presso l’Istituto Superiore di Arte Visiva di Anversa. Nel 1997 si diploma in Arte Grafiche alla Reale Accademia di Belle Arti di Anversa. Nel 1994 la sua prima mostra personale “NW 27º25º- 15º 13º”, in Belgio e nel 1995 in Spagna. 2000 riceve il premio dal Centro Psicoterapeutico di Mollenbeek, Bruxelles. Dal 2001 al 2003 apre ad Anversa “Octavio Floreal Space”, una vetrina su strada per un confronto diretto fra le sue nuove creazioni ed il pubblico. Nel 2005 prima mostra personale in Italia alla Galleria L’Union a Roma . Tra le esposizione più importanti sono da segnalare: “AmbientArte” Tuscia Opera Festival, Viterbo (2009); Indagine_9.7, 1.2.3.11.6, 5.4, 12.13, 14.15.10.8, Dora Diamante arte contemporanea, Roma (2009); “Hiwaar-dialogo” Centrum de Wijk, Anversa (2009); Draw Music Draw, Booze Cooperativa, Atene (2008); “Indagine” (2007) Luroa arte contemporanea, Las Palmas de Gran Canaria. (2014) “Il Nuovo Mondo e Palazzo Ceriana Mayneri” Circolo della Stampa, Torino, e “Destinazione d’uso” al Castello di Rivara. Marzia Capannolo è Storica dell’Arte e Art Advisor, collabora con riviste specializzate in arte e cultura e dirige l’Archivio Renato Javarone. Dal 2005 cura progetti culturali e mostre di arte moderna e contemporanea in collaborazione con enti istituzionali e imprese private. Dal 2010 conduce conferenze e cicli di incontri tematici nell’ambito della divulgazione scientifica della Storia dell’Arte. Nel 2012 ha pubblicato “CULTURA: un’Impresa. Arte e Artigianato come motori di sviluppo per l’Impresa della Cultura”, edito da Erga Edizioni, manuale dedicato alle nuove professioni della cultura e all’orientamento giuridico e fiscale degli operatori del settore.

Octavio Floreal

“Humani Factus” Sede via Giolitti, 51 – Torino

15 dicembre 2016 – 4 febbraio 2017

Inaugurazione giovedì 15 dicembre ore 18.00

Orari da martedì a sabato ore 11.00 – 19.30.

Lunedì e domenica chiuso.

Informazioni Riccardo Costantini Contemporary

t. +39 011 8141099 | +39 348 6703677

Info@rccontemporary.com

Sabato 5 novembre, in occasione della Notte delle Arti Contemporanee, inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Alessandro Filippini dal titolo: Solo qualche parola In mostra alcune delle più recenti sculture ed installazioni di Alessandro Filippini (Roma 1946) artista italiano di nascita e belga di adozione dopo più di 50 anni di vita a Bruxelles. Ispirato dal minimalismo, Alessandro Filippini è allo stesso tempo poeta ed artista ; le sue opere rivelano un uso attento dei materiali. Il lavoro dell’artista si sviluppa su più livelli: il verbo e la scrittura, la memoria e il tempo, l’individuo e la sua identità. In tutta la sua opera, Filippini traspone con la poesia l’essenza del reale impercettibile. Il suo lavoro ruota intorno al tema della vita nella suo significato più universale. Si tratta di sentimenti fondamentali che attraversano la nostra vita giorno per giorno. Con il suo lavoro l’artista tocca la nostra natura interiore e la nostra condizione umana di spettatori, attori, di esseri viventi e mortali ; ciò che collega tutti noi su questa terra e ciò che ci sfugge: il passare del tempo, l’amore, la solitudine, la dualità vita e morte, l’oggi e il domani, la luce e il buio, il tutto e il niente. Le sculture-installazioni di Alessandro Filippini intervengono sull’ ambiente circostante con luce e saggezza. Fanno parte del paesaggio con finezza, senza snaturarlo. Le parole e le emozioni sparse tra il cielo e la terra a volte accarezzano le nuvole, a volte si svolgono in un cerchio sull’erba. Poche parole che possano parlare ad ognuno di noi. Liberate della pagina bianca, le lettere fuggono in città e e nei suoi giardini. Arroccate su alti steli o disposte a terra, sono ben allineate fino a quando il vento le capovolge o il sole le rende abbaglianti. Scultore e poeta, Alessandro Filippini è un « domatore » di paradossi: lavora il metallo per forgiare meglio le parole che libera dalla carta, consentendo loro di accedere alla grandezza della natura.

Giovedì 29 settembre, in occasione di Ouverture di Torino Art Galleries, inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Gianni Colosimo dal titolo: UNEASINESS – Elegia del silenzio e del buio

Il testo della mostra è di Davide Dal Sasso.

Il progetto è parte integrante di un ciclo di cinque mostre dove l’artista torinese espone opere caratterizzate da autonomia vitale ed estetica per affrancarsi dall’autore, dal pubblico e dall’attuale sistema dell’arte: opere ‘ribelli’ che non vogliono sottostare al giogo del ruolo che l’autore-artista gli impone. Questi lavori non vogliono mostrarsi, né essere complici di una realtà estetica contemporanea che, inseguendo unicamente la logica del profitto, ha smarrito la bussola e i basilari connotati, senso della pratica e della fruizione dell’arte.

[…] Sottotraccia. Quel turbamento, vero e proprio disagio come ammette lo stesso Colosimo, dallo sfondo arriva in primo piano. Lo scrive sulla superficie di ciascuno dei suoi lavori, il turbamento prende così una forma letterale. Le chiare lettere che, una volta lette, ci comunicano quel che Colosimo vuol dire con le sue opere. L’ideazione, la nascita del lavoro e il suo svilupparsi, sono resi pubblici. A tali elementi rimandano le diverse iscrizioni che occupano le superfici delle sue opere. Tant’è che, con la sua solita ironia, Colosimo ribadisce quanto conti la nascita dell’idea nella sua ‘immacolata concezione’. Il gioco con le parole è evidente. E lo è altrettanto il suo lavoro motivato dalla scelta di abbandonare l’icona per andare aldilà della traccia, per dare visibilità a ciò che sta sotto di essa. […]

(dal testo di Davide Dal Sasso)

Gianni Colosimo (1953) inizia la sua attività artistica come performer. Nel 1978 crea la performance “Freud mein Freund” presso la galleria Multipli di Giorgio Persano. Tra il ’78 e l ’81 si trasferisce a Roma dove svolge la sua attività nell’ambito della ricerca teatrale producendo alcune performance fra cui “Il grande sonno della trapezista” alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Nel ’78 e ’81 su invito di Renato Barilli, Francesca Alinovi e Roberto Daolio, partecipa alla Seconda ed alla Quarta Settimana Internazionale della Performance di Bologna. Nel 1981 viene invitato dall ‘ICC di Anversa dove ripropone la performance “L’uomo di Cosenza”. Nel 1982 partecipa alla mostra “Una generazione Postmoderna” presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Tra l’82 ed il ’90 realizza numerose performance tra cui “L’ultimo sogno di Piero Manzoni” alla Galleria Martano di Torino. Negli anni Novanta inizia a produrre le prime opere pittoriche e la performance “Nutella Gutemberg”. Nel 2006 realizza l’ormai celeberrima installazione “Wallpaper- Il vortice del desiderio è privo d’orizzonte” dove tappezza l’intera galleria Pack di Milano con 100.000 biglietti da un dollaro. Due anni più tardi la stessa installazione viene riproposta a Roma presso Motelsalieri . Sempre nel 2008 è invitato da Francesco Poli a partecipare alla Biennale di scultura di Carrara . Tra il 2009 ed 2010 Colosimo elimina lo spazio fisico istituzionale della galleria per creare una mostra dal titolo “Il silenzio incestuoso della mia ombra ferita” utilizzando le pagine di quattro riviste d’arte : Artforum, Exibart, Mousse e Nero. Rispettivamente nel 2009 e 2010 realizza le performance “Ultimo frammento onirico di un cuore bizantino infranto” presso il Teatro Carignano di Torino, e “Obsoleti cani randagi con un sapore di cenere in bocca” durante il vernissage di Artissima. Nell’estate del 2011, su invito del direttore Laurent Le Bon, presenta l’esposizione personale “L’arte contemporanea raccontata ai bambini” presso il Centre Pompidou-Metz; la stessa mostra viene riproposta l’anno successivo presso La Sucriere di Lione. Nel 2013 per Marble Week di Carrara realizza la mostra “L’arcana profezia delle sette vacche tibetane”. Nel 2014 viene invitato da Maria Teresa Roberto a partecipare con la mostra “Il grande sonno della trapezista” alla sezione Surprise della GAM di Torino; nello stesso anno espone da Riccardo Costantini e a “The Bank” a Torino. Maurizio Cattelan nel novembre 2014 rende omaggio a Colosimo (ed a Hans-Peter Feldmann) incaricando l’artista citazionista Eric Doeringer a creare un ‘installazione con 40.000 dollari presso la scalinata di Palazzo Cavour a Torino sede della mostra “Shit and Die”. Nel 2015 presenta la mostra personale presso la galleria Giacomo Guidi di Roma dal titolo “Resurrezione”; Sempre nel 2015 la mostra di un solo giorno “Il ritorno dell’Uomo Raggio” alla galleria Riccardo Costantini – Torino.

Davide Dal Sasso è membro di LabOnt, il Laboratorio di Ontologia fondato da Maurizio Ferraris, e sta ultimando il dottorato di ricerca in Filosofia presso l’Università degli Studi di Torino. Le sue ricerche vertono in particolare sulla ricomprensione filosofica del concettualismo, sul ruolo della rappresentazione nelle diverse forme d’arte, sulle nuove possibilità esperienziali offerte dalle arti contemporanee e sulla riconfigurazione del discorso filosofico su di esse. È l’ideatore del format di discussione interdisciplinare “Dialoghi di Estetica” e della omonima rubrica di filosofia e arte attiva dal 2012 su Artribune. Ha curato la nuova edizione di Ermanno Migliorini, “Conceptual Art” (Mimesis, Milano-Udine 2014).

Giovedì 12 maggio, inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la mostra personale di Melissa Steckbauer dal titolo CADRE a cura di Olga Gambari.

La trentaseienne artista americana presenta, alla sua seconda personale in Italia, una serie di opere inedite realizzate appositamente per la mostra, affiancate ad opere precedenti in un percorso fra differenti mezzi espressivi.

[…] i suoi lavori sono rifrazioni, riverberi, che colgono in giro immagini di intimità e le trattano come superfici da infrangere, come pelli da incidere per far emergere bagliori, intuizioni. Melissa ritaglia via corpi e figure dai contesti e dagli ambienti a cui appartengono originariamente, li estrae dai generi che li connotano (dal porno alla foto d’archivio). Così intacca le categorie, le cornici, gli involucri per lasciare respirare e trasudare quelle situazioni, che ora galleggiano libere in uno spazio indefinito.
Che siano fatte di pittura (dal tratto gestuale e il segno espressiva) o di fotografia, collage, stampa e installazione, le sue opere sono fisiche, tattili, fatte di vita. Eppure il loro trattamento tecnico e visivo le smaterializza, pone una distanza tra soggetto ritratto e spettatore. Melissa mette a punto un personale linguaggio visivo che riguarda la luce, il colore e la forma. Colora, taglia, incide, stampa, sovrappone, contamina. Solo apparentemente questa pratica blocca una narrazione diretta : in realtà con questo dinamico gioco visivo, l’artista sviluppa un processo di reale disvelamento della dimensione sotterranea contenuta dalle immagini e dal loro immaginario. Le libera dall’essere immagini belle e ben fatte dalla lettura interpretativa scontata, immagini di genere insomma, per farle assurgere, invece, a soglie, luoghi di trance, in cui appare qualcosa di inaspettato. Il desiderio. […]

(dal testo di Olga Gambari)

Melissa Steckbauer, 1980 Tucson, AZ, USA – vive e lavora a Berlino

Personali (selezione)

2015 Melissa Steckbauer, Skopia Art contemporain, Geneva, Switzerland
2014 Trans dans, Launch for Revue-Magazine, Lehrter 17, Berlin, Germany
2013 The Architectonics of Love, Liebkranz Galerie, Berlin, Germany
2012 A Sensuist’s Guide, LSD Galerie, Berlin, Germany
2012 Melissa Steckbauer, Western Exhibitions, Chicago, IL
2011 One Night Stand, KIM Bar, Berlin
2010 Behind the Curtain and in the Closet, The Bella Building, curated by Isabella Vatter, Munich, Germany
2010 I The Hunter, Galerie Saupe, Berlin, Germany
2010 Half Camp, Van der Stegen Gallery, Paris, France
2010 CARTE, Bureau Mathieu Cénac, Paris, France
2008 Melissa Steckbauer, Sottopasso, Livorno, Italy
2008 Sacred Artists & Animal Urges, IAF Shop, Fukuoka, Japan
2005 All Bound Up, ONE9ZERO6 Gallery, San Antonio, TX

Principali collettive

2015 Mending and Bending Remedies Beneath The Palm Tree, a durational happening with Paul Philipp Heinze, Linards Kulless, Christoph Mühlau, Janne Schäfer / J&K, Melissa Steckbauer, & Magda Tothova, Part of Vienna Art Week–Studio Visits, Palme13, Vienna, Austria
2015 Growing Silent by Frisk Flugt, collaboration with J&K, New Shelter Plan, Copenhagen, Denmark
2015 A Night With ƑƑ: Help It Grow, An ƒƒ project organized by Janne Schäfer & Melissa Steckbauer, Haus am Lützowplatz, Berlin, Germany
2014 SIND WIR BERLINER? (persone, animali, oggetti), Riccardo Costantini Contemporary, Torino, Italy
2014 Art in Odd Places – Indianapolis, Indianapolis, IN
2014 TAZ 3, A project by ƒƒ curated by Barbara Piwowarska, Teatr Studio, Warsaw, Poland
2014 Painting was a lady, Wonderloch Kellerland, NY, NY
2014 Auftakt, organized by Secondary Narratives, Kunstsaele, Berlin, Germany
2014 Bilder, die wir behalten / Elisabeth, curated by Manuel Wischnewski, Neue Berliner Räume, Berlin, Germany
2014 Deep Play: Double M Consultancy, organized by The Wand, Double M Consultancy, Berlin, Germany
2014 Deep Play: Korede, Corazón, organized by The Wand; venues include: Plakatwand-Moabit, Eisbox, La Dolce Vita, Otto-Spielplatz, Neue Heimat, Berlin, Germany
2014 Tribal Tribu-te, curated by Yann Perol, Metaxu, Toulon, France
2014 Mensch – inszenierte Fotografie – Erzählung, curated by Leo de Munk, Raum für Fotografie, Berlin, Germany
2014 Female Intervention, featuring ƒƒ and curated by Conny Becker, Kleine Humboldt Galerie, Berlin, Germany
2014 Life & Times: Lampedusa, A project made possible by Viva con Agua, Millerntor Gallery #4, Hamburg, Germany
2014 Present, Organized by Michaela Zimmer, Projektraum Bethanien, Berlin, Germany
2014 Intimate Interactions, Curated by Ladislav Kesner, City Gallery, Ostrava, Czech Republic; catalog
2014 Die Ästhetik des Widerstands, curated by Moira Zoitl und Julia Lazarus, IG Bildende Kunst, Vienna; Galerie Im Turm, Berlin
2013 Let it Go, curated by Anne Fäser, Christine Nippe, and Heike Fühlbrugge, Souterrain, Berlin, Germany
2013 Passage, curated by Yann Perol in conjunction with Mois Européen de la Photo à Sofia, Fabrik, Sofia, Bulgaria
2013 The History of Painting Revisited, performative event with ƒƒ, Deutsche Bank KunstHalle, Berlin
2013 ƒƒ / Forma, KW Institute for Contemporary Art, Berlin, Germany
2013 Sleep Disorders, Atelier C3, Cité internationale des Arts, Paris France, & Manzoni Schäper Projekt, Berlin, Germany; catalog

2008 Real Presence, Castello di Rivoli–Museum of Contemporary Art, Rivoli, Italy
2008 Real Presence, Legacy House, Belgrade, Serbia

Giovedì 7 aprile, inaugura a Torino, negli spazi della galleria Riccardo Costantini Contemporary la personale di Marco Fantini dal titolo COI NOR.
Per questa mostra dedicata al disegno, allo sguardo ed ai principi che lo sostengono, Marco Fantini, che attualmente vive tra l’Italia ed il Vietnam, si misura con la semantica della matita in un gioco costante di depistaggio atto a minare i cardini desueti della percezione. Nelle opere pittoriche, scultoree, e nei disegni realizzati dall’artista, la matita, è sempre presente, sotto forma di citazione diretta o rimando implicito. “Disegnare è per me un urgenza – scrive Marco Fantini – dettata dall’indolenza; uno sgranchirsi del pensiero irrigidito dalle ripercussioni di un prolungato stato di tensione e, soprattutto, un gioco puramente arbitrario di finzione ed immedesimazione ”
Il titolo della mostra è un fonema creato dall’artista che rende omaggio alla storica matita Koh-i noor, e un gioco di parole atto a rimarcare l’importanza di questi ultimi anni di vita Vietnamita. COI, tradotto dal vietnamita significa guardare. Nor, in inglese, nemmeno. Un titolo criptico e critico, per una mostra che nelle intenzioni di Marco Fantini dovrebbe “ricordare, e ricordarmi, che guardare non significa subire passivamente la realtà, ma agire con essa per trasformarla e per trasformare noi stessi.”

COI NOR
Durante questi ultimi cinque anni , mi sono ritrovato letteralmente costretto a trascorrere un lungo periodo in Vietnam. Io credo che vi sia un destino che deve compiersi, sempre e comunque. Amo quindi pensare che più che la necessità, sia stata la fatalità di tale necessità a condurmi in quel paese lontano. Per modificare, estendere e potenziare quella che io credo essere , da sempre, la mia caratteristica fondamentale di artista: il disegno
Vista troppo da vicino la realtà si sfuoca e disegnare è un pò come inforcare gli occhiali da vista, un allontanarsi dal contesto per poterlo ridefinire con maggior chiarezza. Per questo forse, laggiù in Vietnam, nei rari momenti liberi ho disegnato molto, quasi sempre nei bar all’aperto, come un turista di passaggio con taccuino di pensieri alla mano. Così facendo, slegato da obblighi espositivi, dichiarazioni di intenti o sfide concettuali, ho riscoperto il piacere della creazione gratuita, ingiustificata e capricciosa. Piacere che tutt’ora prosegue anche nella realizzazione delle mie opere pittoriche.
Disegnare è per me un urgenza dettata dall’indolenza; uno sgranchirsi del pensiero irrigidito dalle ripercussioni di un prolungato stato di tensione e, soprattutto, un gioco puramente arbitrario di finzione ed immedesimazione . Mi pare che qualcosa di simile attraversi i fondamenti della mitologia greca. Sempre in balia della furia di qualche divinità, i greci antichi sembravano ignorare, (o fingere di non sapere), di essere stati proprio loro a concepirli, gli Dei. E così in fondo faccio io oggi: mi ancoro alla fantasia come un Donchisciotte alla sella del suo Ronzinante, e, con la matita spianata contro i mulini a vento, gioco a credere che le mie rappresentazioni siano la più fedele riproduzione del reale che io possa concepire.
COI NOR, è un fonema di mia invenzione che rende omaggio alla famosa matita koh-i-noor, della quale, da ragazzino, possedevo tutte le possibili gradazioni. La durezza F che rendeva la punta così simile ad un chiodo era la mia preferita. I disegni che uscivano erano essenziali, secchi, del tutto simili a quelli realizzati con la tecnica dell’incisione a bulino. Al secondo posto mettevo la 6B, dalla morbidezza straordinaria; la matita ideale per stendere sul quaderno di matematica la campitura nerissima della mia noia scolastica. Ma era soprattutto quel suo nome misterioso ed esotico ad attirarmi. Prometteva viaggi in paesi lontani e disegni straordinari. Oggi che vivo in balia delle compagnie aeree e dei cambi di fuso orario non so più se identificare tali viaggi con i rumori attutiti delle turbine di un aereoplano o con il fruscio della matita sul foglio. Istintivamente mi sembra di capire che si tratta di forme diverse ma complementari della medesima avventura.
Questa mostra è dedicata al disegno, allo sguardo ed ai principi che lo sostengono. COI in vietnamita significa guardare. NOR, in inglese, nemmeno. Dall’unione dei due termini risulta un gioco linguistico dal retrogusto amaro. C’è molta distrazione in giro e lo sguardo sembra posarsi su tutto con la medesima passiva indifferenza . Guardare è un azione, è l’atto del ricevere. E ogni azione si trascina dietro la coda di un intenzione, di una seppur inconscia consapevolezza. Una mostra per ricordare quindi, e ricordarmi, che guardare non significa subire passivamente la realtà, ma agire con essa e su di essa per trasformarla e per trasformare noi stessi.

Marco Fantini è nato a Vicenza nel 1965. Nel 1983 si icrive alla Facoltà di Architettura di Venezia dove segue , fra gli altri, i corsi di Storia e Tecnica della fotografia tenuti da Italo Zannier. Influenzato dalle immagini di Diane Arbus, inizia un lavoro di ricerca fotografica centrato sui temi della diversità e l’alienazione. Nel 1989 viaggia in Messico ove risiede per due anni lavorando presso lo studio di Architettura di Enrique Norten e studiando la pittura muralista messicana. Dal 2004 in parallelo alla pittura si dedica alla realizzazione di progetti video ed alla scultura. Dal 1999 ha esposto presso: Palazzo Giacomelli, “Dante e L’Arte Contemporanea”, Treviso, a cura di Mario Dal Re; The Promenade Gallery, “Personal Issues”, Vlore, Albania, a cura di Fani Zguru; MarcoMaria Deanesi Arte contemporanea, “Italian Contemporary Painting(s)- ACT 1”, Rovereto, a cura di Alberto Zanchetta; Tirana National Gallery, “Neomigjeniane”,Tirana (Albany)curated by Krenar Zejno;Songzhuang Art Museum, Beijing (China)”The Vernacular Terrain”, a cura di Steven Danzig; Queensland University of Technology Creative Industries Block Space, IDAP; “The Vernacular Terrain” Brisbane, (Australia), a cura di Stephen Danzig; 54. Biennale di Venezia – Veneto Pavilon; Museo di Castel Sant’Elmo, Napoli, “Antilogia”, a cura di Marco Vallora, con testi di Massimo Recalcati, Angela Tecce, Stephen Danzig; The Promenade Gallery, Vlore , (Albania); “The Berlin Wall”, a cura di Artan Shabani; Yokohama International New Media Festival – ZAIM Art Centre (Japan), Courtesy, of IDA projects; Andrea Arte, “Lapsus”, Vicenza, a cura di Alberto Zanchetta; MART, Rovereto,”Auguri ad Arte”; MACI, Museo Arte Contemporanea Isernia, “L’Arte In testa”, a cura di Luca Beatrice; Basilica Palladiana, Vicenza, “Borsa Valori”, a cura di Stefania Portinari; Galleria Poggiali e Forconi, Firenze, “Genesi di un quadro”, a cura di Alberto Fiz, Galleria Il Castello, “Marco Fantini”, Trento, a cura di Ivan Quaroni, Collezione Palazzo Forti, “L’infinito dentro lo sguardo” Verona, a cura di Giorgio Cortenova;; Teatro India, Roma ,“India” a cura di Luca Beatrice; Galerie Beukers, Rotterdam, (Netherlands)”Acqua”, a cura di Marco Vallora; Fondazione Querini Stampalia, Venezia, “Giovane Fotografia Nel Veneto”, a cura di Italo Zannier; Fondazione Cassamarca, Casa dei Carraresi, Treviso, “Pitture, Il sentimento e la forma”, a cura di Marco Goldin; Amedeo Porro arte contemporanea, Vicenza, “Opere recenti”, testi di Emilio Tadini e Marco Vallora; Mother Jones institute of S. Francisco, (USA) “Grant For Social Photography”. Vive e lavora tra Milano e HOI AN (Vietnam)

11 febbraio – 19 marzo 2016

opening; giovedì 11 febbraio ore 18.00

In mostra i nuovi e inediti lavori fotografici di Aqua Aura, alla sua prima personale da Riccardo Costantini Contemporary, evoluzione della serie Frozen Frames.

aqua aura – dissolving landscape

È così strana la realtà, talmente equivoca, tanto ambigua e priva di fondamenta che ne legittimino la pura consistenza, che credervi costituisce un estremo atto di fiducia verso i nostri sensi. Realtà e sensazione sono unite come il concavo e il convesso, ed è su questa coappartenenza che il mondo esterno si mantiene saldo, avvinghiato alla carne sensoriale umana. D’altra parte, però, come verificare la realtà del mondo e dei sensi? Servirebbe un sistema di riferimento esterno ad essi con cui poterli raffrontare; ma, se esistesse, esso ricadrebbe nuovamente nel reale, e l’accertamento non potrebbe che ripetersi per mezzo delle nostre percezioni. Al punto che gli empiristi inglesi, basandosi su questa incredulità ontologica, giunsero a fondare la conoscenza sulle rappresentazioni create dalla mente, assottigliando la fibra del mondo fino all’illusione. Dopo più di un secolo, Nietzsche radicalizzò l’esperienza illusionistica raccontando la storia filosofica del mondo vero trasformato in favola.

La realtà è un’apparenza, un’allucinazione soggettiva originata in un luogo immemore, come un ologramma quadridimensionale totalmente convincente per la mente umana. Eppure schiviamo i corpi per muoverci nello spazio, localizziamo la direzione dei suoni, ci inebriamo dei profumi che lusingano l’olfatto. L’abitudine ci rende familiari le connessioni necessarie tra i fenomeni, immergendoci nella trama di un “effetto di realtà” globale, simili a personaggi tra le righe di una narrazione perfettamente orchestrata in modo tale da non confondere i nostri sensi. Una narrazione in cui spazio e tempo attivano i loro segnali direzionali per orientarci in modo coerente nella loro oggettività, della quale non dubitiamo. Fino a che non interviene la poesia, o qualche altra forma di comprensione del mondo alogica, irregolare e visionaria, forse veggente nel modo in cui pretendeva l’ispirazione decadente.

Quando la fotografia era una tecnologia rudimentale, essa possedeva un certo potere di validazione del nostro stato sensoriale ordinario, come si fosse trattato di un’inoffensiva protesi meccanica dell’occhio piuttosto che del congegno per un diabolico inganno, subdolamente menzognero. L’immagine fotografica gemmava direttamente dall’immagine conosciuta del reale, che non subiva alcuna alterazione nel rispecchiamento sulla superficie fotosensibile. Gli schieramenti erano netti: da una parte la realtà e la sua ancella tecnologica, la fotografia; dall’altra, una finzione immaginifica, ma addomesticata in luoghi discreti come il romanzo o la pittura, dichiaratamente evasivi, circondati da un patente alone di fantasticheria che, per contrasto, rafforzava la fede percettiva nel reale.

Con le prime manipolazioni dell’immagine, però, il tecnico si è impadronito dei meccanismi sottesi all’effetto di realtà, delle connessioni che rendono credibile l’illusione, mettendoli in opera per fingere mondi irreali ma apparentemente convincenti. Così, l’attuale postproduzione digitale non è che l’esasperazione del fotomontaggio, ma più sottile, subliminale, perché la tecnica di inganno si affina sempre più, fino a far sembrare l’immagine non solo persuasiva, ma anche più vera della realtà stessa.

Aqua Aura opera in una dimensione di sconfinamento tra le pseudoscienze e la magia che accomuna il suo laboratorio alle antiche officine alchemiche. I fenomeni che inscena sono assurdi, ma appaiono plausibili, perché le sue manipolazioni agiscono su frammenti e connessioni visive tratti direttamente dalla realtà, ricombinandoli in modo tale che nella nostra esperienza ordinaria non possa esserci mai accaduto di assistere ad eventi simili, ma anche che la mente possa ammetterne l’attendibilità. Lo zampillo d’una goccia d’acqua non può vetrificarsi, così come il ribollimento dei liquidi può avvenire solo a temperature elevate e non in prossimità di ambienti in cui il clima è invece rigido. Un sole che proietta ombre su montagne di ghiaccio non può rimanere sospeso in un’atmosfera buia, simile ad una fonte luminosa incastonata all’interno di un cielo d’onice nera.

Eppure è ciò che si manifesta enigmaticamente davanti agli occhi, rinviando allo stesso effetto che un’aurora boreale doveva produrre nei tempi in cui veniva osservata prima che la scienza ne spiegasse le cause; ovvero, suscitando uno stupore attonito, come se le immagini fossero state trasmesse sulla terra da un lander approdato su altri pianeti, insidiose in forza del potere che ha la fotografia, schierata dalla parte del reale, di dichiarare sempre la verità.

Con queste stregonerie tecno-sciamaniche, Aqua Aura disvela mondi fittizi, sospesi nella più credibile menzogna, tra la visione divinatoria delle loro apparizioni e le prodigiose scene dove tutto sembra incredibile ma vero. Non si tratta di un teatro onirico, perché non vi è traccia del lavoro di censura tipico del sogno, né è percettibile la soglia che separa queste visioni dallo stato di veglia, poiché tutto è invece permeato da una lucida e acuta percezione. Nelle sue rappresentazioni, piuttosto, si annunciano cose vere mettendo assieme delle assurdità, così come Aristotele, nella Poetica, definiva il meccanismo dell’enigma. Le anomalie fenomeniche e i paesaggi imprevedibili, allucinatori, sovrannaturali, innescano serie variabili di ragionamenti, senza che tra queste possano individuarsi le particolari concatenazioni logiche e causali necessarie a spiegarne l’origine, funzionando alla stregua di un rebus insolubile capace di far girare a vuoto le associazioni mentali come in un motore razionale in folle.

La soluzione, tuttavia, scintilla davanti all’osservatore, esibita con estrema evidenza nella totale assenza di soluzioni, nelle leggi, ad un tempo insensate e cogenti, che fissano gli eventi mantenendo vivo, in eccesso, l’enigma delle apparizioni.
Michele Bramante

10 dicembre 2015 – 30 gennaio 2016
Opening: giovedì 10 dicembre h. 18

La galleria Riccardo Costantini Contemporary presenta, nei propri spazi di via Giolitti 51 a Torino, la mostra personale di Beatrice Gallori.

Beatrice Gallori – Micro Macro phase 1

“Per questa mostra sto studiando ed osservando le cellule della pelle, strato per strato.
Questo mi dà la possibilità di sottolineare le differenze tra gli uomini.
Ho realizzato un’installazione di circa 20 cellule a parete (che da il titolo alla mostra) che avranno tutti i diversi colori della pelle.
Metto insieme tutte le diversità per creare un’unione ma sottolineandole non unificandole. Ci sarà una ricerca continua di unione che non sempre andrà a buon fine.
Questa ricerca mi sposta verso la nostra società che reputo ancora lontana dall’accettare le diversità.”
Beatrice Gallori

[…]Tra indifferenza e differenza si gioca il lavoro di Beatrice Gallori che indaga sulle prospettive cellulari, con una visione microscopica concentrata sulla materia uomo, e una macroscopica il cui orizzonte è la società in cui agisce la materia uomo. Una società che fatica, tra il miope e il presbite, ad accettare da un verso le simiglianze nel piccolo e le diversità nel grande, dall’altro parimenti le differenze nel piccolo e le eguaglianze nel grande. Il risultato sono una serie di opere in cui viene colto plasticamente il rapporto tra pieno e vuoto, immobile e in moto, concavo e convesso, piatto e sferico.

A metà tra la cultura pop degli anni Ottanta (per l’uso dei materiali lucidi e colorati), lo Spazialismo degli anni Sessanta (per le estroflessioni oltre la bidimensionalità), l’arte concettuale più recente legata alla scienza (quanti e digitale), Beatrice Gallori presenta nella serie #differences un’esplorazione dentro la materia intesa nella sua accezione organica. Quasi volesse suggerirci – notava Valerio Dehò indagando precedenti ricerche – una spiegazione prettamente biologica e meccanicista dell’universo, oserei dire materialista, che acquista però forme e anche significati diversi (più finalistici, teleologici e dunque teologici) a secondo delle tecniche usate dall’artista e dal grado di vicinanza all’esperimento: polimeri, plexiglass, tele che, nel rigore del monocromo, sono la base, il recinto dentro cui cresce e si evolve, spesso tracimando fuori dai bordi, la materia ancora inorganica sul punto, però, di farsi in modo divino vita.

( Dal testo della mostra di Angelo Crespi)

Beatrice Gallori nasce a Montevarchi nel 1978 (AR). Trasferitasi a Prato consegue nel 1996 il Diploma di Maturità Classica presso il Liceo Classico Cicognini. Dopo gli studi concretizza però la sua passione per la moda ed il design frequentando il Polimoda (FI) e si specializza in FASHION DESIGN e MAGLIERIA nel 2001.Inizia così la sua formazione artistica da autodidatta. Nel 2007 comincia la collaborazione con le gallerie; le sue opere sono monocromatiche e volumetriche, inizia a studiare il movimento ed a ricrearlo sulla tela attraverso un time lapse dello stesso. Il suo percorso artistico passa attraverso altri linguaggi: scultura (ceramica e polimero) e video e le sue opere vengono presentate in vari progetti espositivi . Negli ultimi anni i suoi lavori sono presenti nelle maggiori fiere di arte contemporanea ed appaiono sia in mostre collettive che personali in vari spazi pubblici ed istituzionali. Nel 2015 la sua ricerca si indirizza verso lo studio del movimento cellulare che l’artista osserva e rigenera sulle opere compiendo per lo spettatore un’indagine più approfondita sulla vita e la società.