Photo&Contemporary é lieta di partecipare alla riapertura delle gallerie TAG restART 21 presentando il suo SPRING GROUP-SHOW con opere di Gabriele Basilico, Nicola Bolla, Franco Fontana, Giovanni Gastel, Luigi Ghirri, Bruce Naumann, Nils-Udo, Uli Weber, Thomas Wrede.

Photo & Contemporary presenta una nuova mostra collettiva “Artissima 2020.Ipotesi e odissea di uno stand…” 

La mostra vuole rappresentare l’incertezza del nostro ruolo di galleristi oggi. In qualche modo si è lavorato molto per l’appuntamento di Artissima… si è pensato, riflettuto, cercato di immaginare e raccogliere idee e opere per un progetto speciale come per le altre edizioni…eppure allo stesso tempo si aveva la percezione che tutto questo non si sarebbe potuto finalizzare e far atterrare nel luogo e nel momento temporale immaginato e atteso da tanto tempo. C’era una forte valenza in quest’attesa e di speranza per questa fiera che sarebbe stata “storica”, in quanto l’unica fiera europea di rilievo a svolgersi nell'”anno Covidi” 2020. Tensioni interiori fra follia, speranza, delusione, passione, preoccupazione agitano oggi il gallerista, privato della sua funzione di aggregatore sociale e organizzatore culturale, abituato a partecipare ad eventi collettivi e fieristici ed ormai esiliato nel mondo dell’online. Il tema dello stand inoltre non poteva che riflettere quello attuale della nostra identità in crisi e del nostro rapporto con noi stessi e con l’ambiente esterno mutato e la sua percezione. Dall’autoritratto di Man Ray ad un’opera di Andy Warhol “Are you different?” a quelle di autori contemporanei come William Wegman, Uli Weber, Thomas Wrede, Nicola Bolla, Maurizio Vetrugno o Nils-Udo, tutto porta alla riflessione sulla nostra esistenza individuale, infima parte di un mondo naturale e sociale in bilico fra dura realtà presente e virtualità del futuro.

OUVERTURE TAG 2020: 3 GIORNI DI INAUGURAZIONE COORDINATA 22 – 23 – 24 SETTEMBRE ORE 14 – 21

PHOTO&CONTEMPORARY è lieta di rappresentare in esclusiva italiana e di esporre presso la propria sede di Torino (Via dei Mille 36) alcuni lavori recenti della serie “REAL LANDSCAPE”, opere fotografiche del tedesco THOMAS WREDE (Letmathe,1963). L’autore, a partire dal 2004, ha prodotto un vasto repertorio di soggetti fotografici su questo tema, attirando l’attenzione del pubblico e della critica internazionale.

Le forze della natura e lo spirito pionieristico si incontrano nell’affascinante e misteriosa produzione paesaggistica di Wrede. Le sue fotografie costituiscono un sottile esercizio d’ironia fra naturalezza ed artificialità, fra percezione del micro e macrocosmo.

L’Autore trasforma ariosi e solitari paesaggi in luoghi d’invenzione di romantica bellezza, usando elementi in miniatura tratti dal modellismo. Il titolo della serie “Real Landscapes” parte dalla constatazione che, pur nell’era del digitale, tutto è il set realizzato veramente nel paesaggio circostante.

Rifacendosi allo spirito della pittura di Caspar David Friedrich ed al rapporto dialettico con la natura, peculiare della filosofia classica tedesca (Kant ed Hegel, in particolare), l’autore mette in discussione la percezione della realtà ambientale. Lo spettatore è messo alla prova e sorpreso dalle immagini che sembrano riprese aeree ed invece sono scattate al livello del suolo, dove il mare è soltanto una grande pozzanghera ed un piccolo cumulo di sabbia e rocce sembra un’imponente catena montuosa.

“Voglio trovare il punto esatto in cui l’osservatore sia colto dal dubbio che si tratti di un set fotografico, piuttosto che di un paesaggio reale e, solo in un secondo tempo, si accorga di alcune discrepanze ed incongruenze nelle proporzioni. Sono piccoli mondi che possono esistere solo nell’illusione fotografica e che si fondono con le immagini presenti nella memoria dello spettatore” specifica l’artista. Luoghi dell’Utopia, sospesi tra spazio e tempo, ma anche evocazioni dell’immaginario cinematografico, in cui le tracce umane appaiono fragili e sperdute, fra nostalgia della bellezza e perdita del senso di sicurezza.

Opere dell’autore sono presenti in numerose collezioni istituzionali tra cui:

Sammlung der Bundesrepublik Deutschland
Sammlung des Landes NRW (Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf)
DG Bank Frankfurt
Grafiksammlung der Staatsgalerie Stuttgart
Landesmuseum Münster
Helmond Museum (NL)
Kunsthalle Recklinghausen
Gandhara Advisors Asia Limited, Hong Kong (RC)
UBS Zürich & Luzern (CH)
The West Collection, Philadelphia (USA)
Royal Caribbean Art Collection (USA)
WGZ Bank Münster
Stadt Münster

Fanno inoltre parte di numerose collezioni private in USA ed in tutta Europa

Photo&Contemporary è lieta di annunciare nell’ambito di Torino Photo Season 2020 la presentazione in galleria di una selezione di nuove opere dell’artista Nils-Udo con immagini di grandi installazioni  site specific realizzate al Van Dusen Botanical Garden di Vancouver, in Francia e nei Vosgi per la Fondation François Schneider.

Recentemente l’autore ha realizzato inoltre grandi installazioni site-specific per la Fondation EDF (titolo “Black Bamboo”) a Parigi e per la Fondation CARMIGNAC nell’isola di Porquerolles (titolo “La Couvée”) con grandi uova di marmo, ciottoli ed elementi vegetali in una radura del parco della Fondazione.

“La Natura è l’arte di cui siamo parte” sembra affermare Nils-Udo con le sue installazioni ed opere fotografiche. Il noto rappresentante dell’Art in Nature, movimento internazionale che coniuga le intenzioni della Land Art ad una visione più lirica ed ecologistica, sarà nuovamente presente nel ns. galleria torinese di Via dei Mille 36 nei mesi di Giugno/Luglio con una personale incentrata sui lavori più recenti.

Scultore della natura, pittore e fotografo delle proprie installazioni effimere, Nils-Udo ha iniziato nel 1972, con la nascita del movimento ecologista in Germania, il percorso attuale, che lo ha portato ad utilizzare per i propri progetti “site specific” i più diversi materiali organici ed inorganici. Tali elementi sono composti, organizzati e fotografati in modo da trasformare la percezione di un soggetto statico e scultoreo in stupore e meraviglia per un’opera pervasa dal respiro della natura: colline artificiali piantumate, grandi nidi realizzati con tronchi d’albero, sentieri di fiori o foglie colorate, tappeti erbosi sospesi come passerelle, radici intrecciate e composizioni di petali su acqua e sabbia….

In tal senso l’artificio fotografico è il solo testimone possibile del gesto artistico a causa della deperibilità biologica dell’opera stessa, mentre le grandi tele ad olio riflettono l’emozione dell’autore e la sua onirica integrazione con l’ambiente.

Alla base di questa progettualità dell’artista, cresciuto fra i boschi della Franconia e del Tirolo, si trova l’intenzione di rendere l’idea dell’esprit vital che appartiene alla cultura naturalistica tedesca, mediando forme ed immagini che sembrano possedere un forte legame con la tradizione popolare, mitologica e fiabesca. Boschi, spiagge, paludi, deserti diventano dunque campo d’azione e parte integrante con i loro elementi costitutivi dell’opera artistica in una concezione romantica piuttosto che concettuale, in una forma di meditazione spirituale ed estetica più prossima all’Oriente che alla Land Art americana. L’autore è continuamente invitato a realizzare le sue installazioni effimere in ogni parte del mondo dal deserto della Namibia alle spiagge vulcaniche delle Isole Canarie, dai parchi dei castelli della Loira ai grandi boschi naturali della South Carolina o alle foreste tropicali delle isole Réunion.

Una nuova esposizione collettiva nel suo spazio torinese dal titolo A Drawing Room, a cura di Nicola D. Angerame e Valerio Tazzetti. La mostra presenta una selezione di lavori su carta dei seguenti artisti: Alighiero Boetti, Agostino Bonalumi, Pablo Bronstein, Davide Cantoni, Enrico Castellani, Trevor Gould, Georges Rousse, Filippo di Sambuy, Mario Schifano, Nicus Lucà. La mostra intende rievocare, con opere di artisti moderni e contemporanei in dialogo tra loro, quella che storicamente è all’origine del salotto borghese. Nate intorno a metà del Cinquecento, le Drawing Room sono chiamate così perché i disegni abbellivano la stanza preposta all’accoglienza e all’intrattenimento degli ospiti. Nella prima sala è presente il dittico “Elevation of Seaton Deval”, di Pablo Bronstein, dedicato all’edificio simbolo dello stile Barocco Inglese, progettato da Sir John Vanbrugh. Esso dialoga con le architettura vive e vibranti degli acquerelli creati da Georges Rousse che sono parte integrante, e decisiva del suo processo produttivo; in essi il decano della staged photography francese progetta i suoi grandi affreschi fotografici che rappresentano un crocevia in cui architettura, pittura e fotografia s’incontrano. Di altra natura è invece il crocevia segnato dagli acquerelli su carta che fanno parte del ciclo di lavori dedicato al “Libro dello Splendore” di Filippo di Sambuy, il quale interpreta e crea una simbologia personale a partire da simboli ancestrali ispirandosi alle verità tramandate dal libro sapienziale fondativo della tradizione esoterica e mistica dell’ebraismo. Con ironia e libertà espressiva (tra stancil e lettering) l’opera su carta di Alighiero Boetti, intitolata significativamente “I Vedenti”, affronta in modo ilare ed enigmatico il tema visivo della scimmia e della crocifissione. Un tema, quello del rapporto tra uomo e natura, che è al centro della poetica di Trevor Gould, presente in mostra con un acquerello che imposta un dialogo concettuale tra figurazione e lettering. La seconda sala presenta invece un insieme di opere che rimandano allo stile minimalista di un’arte riportata al suo grado zero. Enrico Castellani è presente con due carte bianche fatte a mano, in cui le sue famose estroflessioni assumono una consistenza materica rilevante, dimostrando così l’autonomia di pensiero e di realizzazione delle opere su carta rispetto alle opere su tela del fondatore di Azimuth. Di blu elettrico è invece l’opera su carta di Agostino Bonalumi, le sui forme richiamano il tracciato di un pneumatico ma in realtà rappresentano una composizione formale astratto-geometrica di natura a-semantica. La stessa assenza di un senso imposto appare nella grande carta di Mario Schifano, un Senza Titolo del 1961, periodo decisivo per l’affermazione da parte dell’artista romano di una pittura libera, immediata ed estroversa ma anche informale, astratta e concreta allo stesso tempo. In una ideale linea di continuità, si muovono i due lavori su carta di due artisti che sono esponenti di generazioni successive. La Marilyn Monroe che Maurizio Vetrugno ritrae su foglio di carta bianca con punzonature di ago da cucito, fa il paio con la carta lucida su cui Davide Cantoni disegna con bruciature un “Fidel Castro” intento in uno dei suoi discorsi fiume. Si tratta di opere figurative e iconiche d’ispirazione pop (la Marilyn è la stessa usata da Warhol) ma realizzate con tecniche su carta di estrema delicatezza e levità, in una rarefazione del segno che crea forti risonanze con le grandi carte dei maestri sopra citati.

a cura di Nicola Davide Angerame e Valerio Tazzetti

Le fotografie di Georges Rousse nascono dagli interventi pittorici realizzati dall’artista in luoghi abbandonati o in corso di demolizione. Ambienti deserti che riacquistano, nel lavoro dell’artista francese, una nuova dimensione attraverso la decostruzione, l’installazione e la pittura. Rappresentante della photographie plasticienne, in Francia è riconosciuto come “artiste nationale”. Il suo lavoro parte dalla Nouvelle Figuration per affiancarsi alle ricerche coeve di Gordon Matta-Clark e di Jan Dibbets fino a giungere alle attuali costruzioni, come le gabbie di legno, eseguite appositamente negli ultimi anni. In questa ultima mostra personale sono presentati una selezione di lavori recenti e significativi: Lima, che mostra una baracca della favela di Lima ricostruita nel museo di arte contemporanea e qui trasformata secondo la tecnica peculiare di Rousse; Namur, che attraverso una struttura di legno crea all’aperto il senso di un’architettura impermanente, ma fornita di sobria eleganza e dinamismo prospettico.

Ciò che appare nelle immagini di Georges Rousse è in sostanza un’anamorfosi; la scena in deformazione prospettica permette una visione corretta da un unico punto di vista: quello dell’obiettivo fotografico. Da un lato l’artista riscopre e si appropria di luoghi abbandonati, sull’orlo della loro scomparsa, dall’altro li trasforma, per il tempo di una posa, in uno spazio virtuale offerto al sogno ed alla riflessione.

L’opera è realizzata in due momenti inscindibili: pittura e fotografia. La prima rimodella gli ambienti: superfici dipinte, forme geometriche, iscrizioni monumentali, carte topografiche creano nuovi volumi illusori richiamando alla mente le cupole immaginarie ed i falsi corridoi degli affreschi barocchi. La fotografia poi rivela questa nuova realtà in cui, nella bidimensionalità, si fondono ambiente originario e illusione pittorica.

La luce e lo spazio costituiscono i termini di uno studio estetico complesso e inedito che coinvolge la visione nei procedimenti e nei paradossi della percezione. Georges Rousse sorprende lo spettatore e ne destabilizza lo sguardo con immagini enigmatiche costituite da situazioni vissute ed avvenimenti immaginari.

Le forme sembrano volersi liberare dal “peso terrestre”, i colori puri e accesi si frappongono tra noi e lo spazio insinuandosi nei volumi e contrastano l’opacità dei luoghi. Ne deriva un’immagine di momentanea, colorata euforia in uno scenario di solitudine inquietante: un ulteriore elogio del paradosso. “Essere in un altro tempo e in un altro spazio: ecco cosa propongono le mie fotografie”, sostiene Georges Rousse. “Questi luoghi costituiscono per me l’atelier familiare dove si formano le immagini”, aggiunge l’artista.

Georges Rousse (1947) è nato a Parigi, dove vive e lavora. Sue opere sono presenti in importanti collezioni europee e americane: Centre Georges Pompidou, Musée du Louvre, FNAC, Maison Européenne de la Photographie a Parigi – Guggenheim, New York – Brooklyn Museum, New York – De Menil Collection, Houston – Wien Museum  – Museo Pecci, Prato – Musée de Nice – Musée de Vienne – Unicredit Group – Cabinet des estampes, Genève – Fondation Salomon  – Musée d’art et d’histoire, Genève – Collection UBS – Tokyo Metropolitan Museum of Photography.

PHOTO&CONTEMPORARY è lieta di presentare la mostra personale di Franco Grignani (Pieve Porto Morone, Pavia 1908 – Milano 1999).Grazie alla sua sperimentazione rigorosa nell’ambito della percezione visiva Grignani è considerato, insieme a Victor Vasarely, uno dei pionieri dell’Optical Art, che si afferma negli anni Sessanta con il lavoro di artisti di una generazione successiva come: Bridget Riley, François Morellet, Carlos Cruz-Diez e Jesús Rafael Soto.

Formatosi a Torino tra le due guerre, con l’arte del secondo futurismo e con le idee della Scuola del Bauhaus, già dalla fine degli anni ’40 Franco Grignani influenza le correnti “Op” della grafica internazionale, settore che si va delineando in quegli anni come arte applicata all’industria e che presto dominerà la scena della modernità grazie alla nuova estetica dei marchi aziendali e della comunicazione, del consumo e della produzione di massa. Nei decenni successivi Grignani coniuga sempre più intimamente la propria ricerca visiva con il campo dell’arte, mentre sempre più prolifiche si fanno le collaborazioni con il mondo dell’industria (Montecatini, Pirelli, Necchi, Alessi). La sua fama cresce e diventa internazionale: nel 1959 vince la Palma d’Oro per la Pubblicità, disegna copertine per Penguin Bookse Art in America e nel 1963 progetta il marchio della Pura Lana Vergine, vera icona del graphic design che gli studi decreteranno come il marchio più riconoscibile e comunicativo al mondo. Dopo essersi affermato come uno dei protagonisti della grafica Grignani riceve riconoscimenti da altre importanti istituzioni: vince la medaglia d’oro della Triennale di Milano e nel 1972 il Premio della Biennale di Venezia.

Al pari di Bruno Munari, altra figura significativa della cultura visiva di quei decenni, è dotato di uno stile inconfondibile, che già durante gli anni Cinquanta sviluppa in un lavoro artistico che si avvale della sperimentazione sui vetri industriali zigrinati (gli stessi ripresi da Nanda Vigo o Grazia Varisco dieci anni dopo), così come sulle tele emulsionate e la fotografia.

Questa mostra documenta in particolare due cicli di lavori: le Dissociazionie le Psicoplastiche. Mentre le prime appartengono alla seconda metà degli anni Sessanta e presentano motivi curvilinei, giochi di colore e movimenti percettivi che spostano l’occhio dal bordo al centro e viceversa, il secondo ciclo di opera appartiene ai primi anni Settanta e utilizza un linguaggio più severo, spigoloso e lineare, privo delle morbidezze presenti nelle Dissociazioni.

La mostra torinese segue di poco due mostre recenti di Grignani tenutesi a Londra, tra cui l’antologica presso la Estorick Collection di Londra (Franco Grignani: Art as Design 1950-1990) e la personale presso M&L Gallery.

La figura emblematica di Franco Grignani è quella di un artista che non ha mai separato il proprio operato artistico dalle altre ricerche in ambiti differenti. Come sostiene il curatore Valerio Tazzetti: “Oggi, a 110 anni dalla sua nascita, Grignani è riconosciuto più che mai come un artista d’eccezione che ha saputo coniugare linguaggi e pratiche provenienti da mondi diversi al fine di creare una galleria di immagini che appaiono come esercizi enigmatici per l’occhio e per la mente, ma che sono in realtà illusioni bidimensionali progettate per farci accedere alle infinite possibilità dello spazio geometrico”.

Le opere di Franco Grignani sono presenti nelle collezioni di numerosi musei italiani ed internazionali, tra cui: Museum of Modern Art (New York), Stedelijk Museum (Amsterdam), Museum of Modern Art (Varsavia), Victoria and Albert Museum (Londra), Centre Pompidou (Parigi), Museo del Novecento (Milano), MART (Rovereto), MASI (Lugano), MACBA Museo de Arte Contemporaneo (Buenos Aires),GNAM, Galleria Nazionale d’Arte Moderna (Roma).

Mostra realizzata in collaborazione con M&L Gallery, Londra

Photo & Contemporary è lieta di annunciare la prima mostra personale di Filippo di Sambuy in galleria, intitolata “Libro dello Splendore”, che si terrà dal 20 settembre – 27 ottobre 2018. Il titolo della mostra richiama un libro fondamentale della tradizione kabbalistica, il Libro dello Splendore (Zohar). Il testo risale al II secolo ma è stato celato fino al XIII secolo, secondo quanto sostiene Michael Laitman autore di “Zohar. La Luce della Kabbalah”, pubblicato recentemente da Feltrinelli. Lo Zohar è, insieme al Talmud, una fonte per stabilire le sentenze riguardanti questioni legislative e procedurali in seno alle comunità ebraiche ed è stato fino ad oggi considerato un testo esoterico, rivolto soprattutto agli studiosi. Sempre secondo Laitman, i cabalisti hanno indicato il nostro tempo come maturo perché lo Zohar possa essere divulgato al grande pubblico. Su questa dinamica relativa alla condizione della tradizione ebraica s’innesta la visione artistica di Filippo di Sambuy. Se è vero che gli artisti sono i sismografi culturali del proprio tempo, questa serie di dieci grandi tele appare come un possibile contributo ad una discussione che sembra recente ma che in realtà si protrae da secoli, in Italia almeno da quando lo Zohar è stato pubblicato per la prima volta a Mantova nel 1558. Da sempre interessato alla natura del simbolo come ponte tra una verità invisibile e una forma capace di darle consistenza sensibile, Filippo di Sambuy approda alle tematiche dello Zohar attraverso gli schemi dedicati a quell’Albero della Vita che è uno dei simboli attorno ai quali si raccoglie l’intera identità ebraica. Lo Zohar interpreta tale simbolo secondo uno schema di dieci Sefirot, emanazioni che rappresentano la totalità delle dimensioni immanenti, e trascendenti, del creato, destinate a connettere il principio assoluto (l’Ein Sof) con il mondo sensibile e viceversa. Portatore di uno sguardo laico ed artistico sulle rivelazioni religiose e mistiche dello Zohar, Sambuy dà forma astratta ad ognuna delle dieci Sefirot, interpretandole su grandi tele lavorate secondo una tecnica particolare che permette all’artista di dare consistenza visiva anche a quel principio vivificatore che è uno degli attributi divini, secondo l’Antico Testamento: il vento, il respiro, il soffio. Un movimento dell’aria che, in quanto spirito, ritroviamo declinato in forme diverse e simili in quasi tutte le religioni. Ed è proprio da un profondo interesse intorno alla genesi dei simboli nelle varie religioni, e per come essi agiscono sui vari tipi di conoscenza della creazione, che Sambuy approda alla spiritualità dello Zohar convinto che l’arte possa far riflettere su una certa idea di Dio come principio unificatore. “Con un processo di messa in opera coraggioso e visionario – sostiene Valerio Tazzetti curatore della mostra e direttore di Photo & Contemporary – Filippo di Sambuy ci porta in una dimensione spirituale, all’origine del rapporto che ciascuno di noi intrattiene, volente o nolente, con l’idea della creazione. Il rapporto con la trascendenza stimola il suo linguaggio pittorico attraverso l’interesse per il simbolo inteso come forma capace di sintetizzare visivamente un principio. Questa è la forza della proposta di un artista che da sempre lavora sulle tematiche connesse alle molteplici relazioni esistenti tra la forma e lo spirito”. “In questa mostra inedita, costituita da opere recentissime – sostiene il critico e filosofo Nicola Davide Angerame – Sambuy ha accettato una sfida posta dal libro a cui si ispira: quella di realizzare dieci quadri riflettendo sulle possibilità che l’arte ha di forgiare una narrazione altra rispetto ai testi sacri e ai loro commentari. La forma offre una sintesi alternativa rispetto alla parola. La proposta di Sambuy ci permette anche una riflessione rispetto alla presunta assenza di immagini nella religione ebraica, spesso confusa con la vera nemica che è l’idolatria. Anche per questo, con il più profondo rispetto e l’attenzione che sempre vanno riconosciuti ai testi sacri di qualsiasi religione, Sambuy mette in atto un’arte simbolica capace d’imporre un equilibrio tra una certa figurazione, evocativa del simbolo, e un’astrazione lirico-geometrica con interventi informali-gestuali, costruendo in tal modo una proposta che appare come il coronamento di una ricerca protrattasi per tre decenni intorno ad un modo antico e sacrale d’intendere l’arte, la sua natura ed il suo scopo; lontano dalle soluzioni figurative, Pop o Concettuali che hanno sostenuto un’idea dell’arte più legata alla contingenza e all’immanenza”.