PHOTO&CONTEMPORARY è lieta di presentare la mostra personale di Franco Grignani (Pieve Porto Morone, Pavia 1908 – Milano 1999).Grazie alla sua sperimentazione rigorosa nell’ambito della percezione visiva Grignani è considerato, insieme a Victor Vasarely, uno dei pionieri dell’Optical Art, che si afferma negli anni Sessanta con il lavoro di artisti di una generazione successiva come: Bridget Riley, François Morellet, Carlos Cruz-Diez e Jesús Rafael Soto.

Formatosi a Torino tra le due guerre, con l’arte del secondo futurismo e con le idee della Scuola del Bauhaus, già dalla fine degli anni ’40 Franco Grignani influenza le correnti “Op” della grafica internazionale, settore che si va delineando in quegli anni come arte applicata all’industria e che presto dominerà la scena della modernità grazie alla nuova estetica dei marchi aziendali e della comunicazione, del consumo e della produzione di massa. Nei decenni successivi Grignani coniuga sempre più intimamente la propria ricerca visiva con il campo dell’arte, mentre sempre più prolifiche si fanno le collaborazioni con il mondo dell’industria (Montecatini, Pirelli, Necchi, Alessi). La sua fama cresce e diventa internazionale: nel 1959 vince la Palma d’Oro per la Pubblicità, disegna copertine per Penguin Bookse Art in America e nel 1963 progetta il marchio della Pura Lana Vergine, vera icona del graphic design che gli studi decreteranno come il marchio più riconoscibile e comunicativo al mondo. Dopo essersi affermato come uno dei protagonisti della grafica Grignani riceve riconoscimenti da altre importanti istituzioni: vince la medaglia d’oro della Triennale di Milano e nel 1972 il Premio della Biennale di Venezia.

Al pari di Bruno Munari, altra figura significativa della cultura visiva di quei decenni, è dotato di uno stile inconfondibile, che già durante gli anni Cinquanta sviluppa in un lavoro artistico che si avvale della sperimentazione sui vetri industriali zigrinati (gli stessi ripresi da Nanda Vigo o Grazia Varisco dieci anni dopo), così come sulle tele emulsionate e la fotografia.

Questa mostra documenta in particolare due cicli di lavori: le Dissociazionie le Psicoplastiche. Mentre le prime appartengono alla seconda metà degli anni Sessanta e presentano motivi curvilinei, giochi di colore e movimenti percettivi che spostano l’occhio dal bordo al centro e viceversa, il secondo ciclo di opera appartiene ai primi anni Settanta e utilizza un linguaggio più severo, spigoloso e lineare, privo delle morbidezze presenti nelle Dissociazioni.

La mostra torinese segue di poco due mostre recenti di Grignani tenutesi a Londra, tra cui l’antologica presso la Estorick Collection di Londra (Franco Grignani: Art as Design 1950-1990) e la personale presso M&L Gallery.

La figura emblematica di Franco Grignani è quella di un artista che non ha mai separato il proprio operato artistico dalle altre ricerche in ambiti differenti. Come sostiene il curatore Valerio Tazzetti: “Oggi, a 110 anni dalla sua nascita, Grignani è riconosciuto più che mai come un artista d’eccezione che ha saputo coniugare linguaggi e pratiche provenienti da mondi diversi al fine di creare una galleria di immagini che appaiono come esercizi enigmatici per l’occhio e per la mente, ma che sono in realtà illusioni bidimensionali progettate per farci accedere alle infinite possibilità dello spazio geometrico”.

Le opere di Franco Grignani sono presenti nelle collezioni di numerosi musei italiani ed internazionali, tra cui: Museum of Modern Art (New York), Stedelijk Museum (Amsterdam), Museum of Modern Art (Varsavia), Victoria and Albert Museum (Londra), Centre Pompidou (Parigi), Museo del Novecento (Milano), MART (Rovereto), MASI (Lugano), MACBA Museo de Arte Contemporaneo (Buenos Aires),GNAM, Galleria Nazionale d’Arte Moderna (Roma).

Mostra realizzata in collaborazione con M&L Gallery, Londra

Photo & Contemporary è lieta di annunciare la prima mostra personale di Filippo di Sambuy in galleria, intitolata “Libro dello Splendore”, che si terrà dal 20 settembre – 27 ottobre 2018. Il titolo della mostra richiama un libro fondamentale della tradizione kabbalistica, il Libro dello Splendore (Zohar). Il testo risale al II secolo ma è stato celato fino al XIII secolo, secondo quanto sostiene Michael Laitman autore di “Zohar. La Luce della Kabbalah”, pubblicato recentemente da Feltrinelli. Lo Zohar è, insieme al Talmud, una fonte per stabilire le sentenze riguardanti questioni legislative e procedurali in seno alle comunità ebraiche ed è stato fino ad oggi considerato un testo esoterico, rivolto soprattutto agli studiosi. Sempre secondo Laitman, i cabalisti hanno indicato il nostro tempo come maturo perché lo Zohar possa essere divulgato al grande pubblico. Su questa dinamica relativa alla condizione della tradizione ebraica s’innesta la visione artistica di Filippo di Sambuy. Se è vero che gli artisti sono i sismografi culturali del proprio tempo, questa serie di dieci grandi tele appare come un possibile contributo ad una discussione che sembra recente ma che in realtà si protrae da secoli, in Italia almeno da quando lo Zohar è stato pubblicato per la prima volta a Mantova nel 1558. Da sempre interessato alla natura del simbolo come ponte tra una verità invisibile e una forma capace di darle consistenza sensibile, Filippo di Sambuy approda alle tematiche dello Zohar attraverso gli schemi dedicati a quell’Albero della Vita che è uno dei simboli attorno ai quali si raccoglie l’intera identità ebraica. Lo Zohar interpreta tale simbolo secondo uno schema di dieci Sefirot, emanazioni che rappresentano la totalità delle dimensioni immanenti, e trascendenti, del creato, destinate a connettere il principio assoluto (l’Ein Sof) con il mondo sensibile e viceversa. Portatore di uno sguardo laico ed artistico sulle rivelazioni religiose e mistiche dello Zohar, Sambuy dà forma astratta ad ognuna delle dieci Sefirot, interpretandole su grandi tele lavorate secondo una tecnica particolare che permette all’artista di dare consistenza visiva anche a quel principio vivificatore che è uno degli attributi divini, secondo l’Antico Testamento: il vento, il respiro, il soffio. Un movimento dell’aria che, in quanto spirito, ritroviamo declinato in forme diverse e simili in quasi tutte le religioni. Ed è proprio da un profondo interesse intorno alla genesi dei simboli nelle varie religioni, e per come essi agiscono sui vari tipi di conoscenza della creazione, che Sambuy approda alla spiritualità dello Zohar convinto che l’arte possa far riflettere su una certa idea di Dio come principio unificatore. “Con un processo di messa in opera coraggioso e visionario – sostiene Valerio Tazzetti curatore della mostra e direttore di Photo & Contemporary – Filippo di Sambuy ci porta in una dimensione spirituale, all’origine del rapporto che ciascuno di noi intrattiene, volente o nolente, con l’idea della creazione. Il rapporto con la trascendenza stimola il suo linguaggio pittorico attraverso l’interesse per il simbolo inteso come forma capace di sintetizzare visivamente un principio. Questa è la forza della proposta di un artista che da sempre lavora sulle tematiche connesse alle molteplici relazioni esistenti tra la forma e lo spirito”. “In questa mostra inedita, costituita da opere recentissime – sostiene il critico e filosofo Nicola Davide Angerame – Sambuy ha accettato una sfida posta dal libro a cui si ispira: quella di realizzare dieci quadri riflettendo sulle possibilità che l’arte ha di forgiare una narrazione altra rispetto ai testi sacri e ai loro commentari. La forma offre una sintesi alternativa rispetto alla parola. La proposta di Sambuy ci permette anche una riflessione rispetto alla presunta assenza di immagini nella religione ebraica, spesso confusa con la vera nemica che è l’idolatria. Anche per questo, con il più profondo rispetto e l’attenzione che sempre vanno riconosciuti ai testi sacri di qualsiasi religione, Sambuy mette in atto un’arte simbolica capace d’imporre un equilibrio tra una certa figurazione, evocativa del simbolo, e un’astrazione lirico-geometrica con interventi informali-gestuali, costruendo in tal modo una proposta che appare come il coronamento di una ricerca protrattasi per tre decenni intorno ad un modo antico e sacrale d’intendere l’arte, la sua natura ed il suo scopo; lontano dalle soluzioni figurative, Pop o Concettuali che hanno sostenuto un’idea dell’arte più legata alla contingenza e all’immanenza”.

Benjamin insegna che la latenza dell’originale impoverisce la fotografia rispetto alla pittura. La Polaroid, al contrario, mi ha sempre suscitato la meraviglia e offerto la poesia dell’attimo infinito, nel senso che la Polaroid è unica; procura enorme emozione a chi ne scatta o ne possiede una, poiché essa è la fotografia elevata a massima potenza. La Polaroid produce un’interruzione del tempo che crea una cristallizzazione e lo fa con una potenza che il negativo non ti può dare. Per me significava vivere nella tensione data dalla sensazione di come il fotografo si giochi tutto in quel momento e senta di non avere alternativa… sai che quando ricaricherai il dorso della macchina non avrai più quella specifica relazione con il soggetto, sai che quell’attimo è bruciato, finito per sempre, un’andata senza ritorno.

Giovanni Gastel

Cenni biografici.

Giovanni Gastel è nato a Milano, dai primi anni Ottanta a oggi ha collaborato con più di 50 testate italiane e internazionali e pubblicato circa 130 copertine; ha prodotto più di 500 tra campagne e cataloghi per diverse maisons di moda e grandi firme di beauty, gioielli e design; ha scattato più di 300 ritratti in bianco e nero e a colori.

I suoi primi 40 anni di fotografia sono stati celebrati da una grande mostra retrospettiva a Palazzo della Ragione di Milano nel Settembre 2016 e curata da Germano Celant (catalogo Silvana Editoriale).

Icona della fotografia Italiana e internazionale, nel 2002 riceve l’Oscar per la fotografia nella manifestazione La Kore Oscar della Moda. Ha esposto in mostre personali a Milano, Torino, Venezia, New York, Parigi ed in Giappone. Diversi i libri pubblicati, soprattutto di poesia. Nel 2015 è uscita l’autobiografia “Un eterno istante” Ed. Mondadori e l’anno successivo, la monografia pubblicata da Silvana Editoriale S.p.A. a cura di Germano Celant, in cui sono raccolte immagini, documenti, dichiarazioni, testimonianze ed opere a formare un volume inedito su tutta la storia del fotografo milanese. Gastel è membro permanente del Museo Polaroid di Chicago e dal 2013 è Presidente dell’Associazione Fotografi Professionisti (AFIP).

Photo& Contemporary è lieta di annunciare la prima personale “ LIGHT DRAWINGS “ di BETTA GANCIA che si terrà dal 10 Maggio al 3 Giugno. Nelle immagini dell’artista il fascino della forma si esprime attraverso tracce luminose che si rivelano in atmosfere notturne, cosmiche e silenziose. Sono scie, reticoli e figure sospese, misteriose e senza tempo. Intermittenze di luce che provengono dal mondo reale e confluiscono negli spazi aperti di una percezione visiva, sintetica e seriale, vicina all’idea di una fotografia che riflette sulla fonte primaria della sua stessa natura: la Luce. Il suo obbiettivo coglie l’intensità inedita che si diffonde di notte. Nei suoi scatti, i riflessi delicati e caldi delle ore serali si mescolano a volte con le sorgenti luminose artificiali, lasciando che la luce si diffonda in raggi, intrecci o forme fantastiche, siderali e totalmente astratte. A volte paiono creature o segni emersi da un ipotetico e recente “Big Bang elettronico” oppure dense composizioni nate da lontane reminescenze pittoriche Futuriste. “Immagine dopo immagine, lo sguardo di Betta ci conduce sicuro e senza improvvisazione verso nuovi mondi. La serialità e la ripetizione di alcuni soggetti rafforzano l’idea alla base dell’intera sequenza, slegando ogni frammento luminoso dal suo contesto originario. Nell’immaginario di Betta Gancia ogni riflesso si fa bidimensionale, ogni sfumatura diventa un contorno netto, i colori pure forme geometriche; l’autrice grazie a continue operazioni di astrazione, distoglie il soggetto dal suo contesto reale fino a non lasciarne alcuna traccia nella rappresentazione finale” commenta il critico Denis Curti. Il suo sguardo si concentra sulla luce con un approccio semantico, e ne coglie quel carattere di libertà e leggerezza che sottende la sintassi di un linguaggio fotografico cosi raffinato ed attraente da sembrare irreale. Le fotografie di Betta Gancia nascono da ciò che l’immagine istantanea genera nella memoria e nell’immaginazione di chi osserva il mondo, traducendosi in forme di matrice mentale che fluttuano senza peso in un oscuro spazio assoluto.

Gabriele Basilico “Cahiers de Voyage1969-1971 Photo& Contemporay è lieta di presentare la mostra di Gabriele Basilico “Cahiers de Voyage 1969-1971” che inaugurerà il 21 Febbraio p.v. e proseguirà fino al 3 Aprile. La galleria propone una selezione di circa 50 stampe di formato 30x40cm. ed alcune 40×50 cm., tra cui numerose e rare vintage prints, relative a 3 reportages realizzati da Gabriele Basilico all’inizio della sua lunga carriera, la sintesi visiva di una serie di viaggi effettuati tra il 1969 ed il 1971. “Glasgow,1969. Processo di trasformazione della città”, é il titolo del piccolo e prezioso quaderno edito dallo Studio Basilico nel 2013, che contiene una serie di immagini di un quartiere della città scozzese, che sta per essere demolito, quasi un ricordo della prima rivoluzione industriale e dopo i pesanti bombardamenti subiti nella Seconda Guerra Mondiale. Immagini che ci comunicano l’atmosfera cupa della città, ma che suggeriscono anche il passaggio da un cultura urbana ad un’altra, il processo di trasformazione in atto anche attraverso gli sguardi di bambine e ragazzini che si muovono con disinvoltura e naturalezza tra le rovine. I piccoli abitanti di Glasgow, simbolo delle generazioni future, utilizzano lo spazio urbano e le strade semideserte come teatro dei loro giochi, mentre Basilico, ritraendoli, sembra intuire la sua definitiva vocazione professionale. In quegli anni, il grande fotografo milanese è ancora studente, non ha ancora raggiunto la sua fama internazionale, che arriverà molti anni dopo, con le sue ricerche sull’ architettura e gli spazi metropolitani. Durante questi viaggi avventurosi, si rivela la sua naturale inclinazione a diventare “ un grande esploratore di generi fotografici” (Michele Smargiassi). Basilico, studente di architettura con una forte coscienza politica, parte con la macchina fotografica al collo e dopo la prima e quasi casuale esperienza a Glasgow inizia, a bordo di una Fiat 124, altri lunghi viaggi verso la culla delle civiltà non-occidentali, il Medio Oriente e l’Africa del Nord,. Nel viaggio in Iran (1970) racconta i volti, gli sguardi, i mercati, le moschee, i palazzi e tutto quello che ruota intorno a questo mondo ancora lontano dallo sguardo quotidiano dei media occidentali. Basilico desidera raccontare la gente con la tensione e la passione di un reporter della Magnum, ma la sensibilità per lo spazio ed i volumi, che già lo contraddistingue, lo porta a ritrarre anche i paesaggi della Cappadoccia, gli esterni delle moschee di Isfahan e di Shiraz e le architetture sacre di Persepoli. Nell’estate del 1971 attraversa il Marocco: nelle sue foto si respira la stessa voglia di libertà e di movimento delle precedenti avventure e diecimila chilometri “on the road” vengono documentati in soli 15 ben dosati rullini. Le immagini ci offrono un reportage a tutto tondo: dalla vita quotidiana delle strade ai luoghi di culto, dalle architetture delle città imperiali ai mercati, ma soprattutto dai volti e dagli sguardi emerge l’anima del Marocco di Basilico. Nel tentativo di esprimere il rapporto intrinseco tra esperienza personale e memoria visiva, Basilico cerca di delineare il senso di un progetto editoriale, anche se, terminati i viaggi e stampate le immagini, queste fotografie non verranno pubblicate per molti anni ( fino al 2015 nel volume “Iran 1970” e al 2016 in “Marocco 1971”, entrambi da Humboldt Books, Milano).