Dopo anni di eccessi fieristici in padiglioni anonimi, immensi e spaesanti e “white cubes” algidi e minimali, dopo decenni di ossessione da grandi mostre istituzionali itineranti, non abbiamo forse bisogno di maggiore intimità e silenzio per accostarci all’arte? 

Forse abbiamo bisogno, ove possibile, di tornare negli ateliers degli artisti o, almeno idealmente, dove gli artisti si trovavano fra loro, cioè nei Caffè, il vero luogo di nascita delle avanguardie e dell’arte moderna. Molto di quanto abbiamo incontrato nella storia dell’arte dall’800 a oggi è nato nei Caffè. Non sarebbe esistita nessuna avanguardia senza questi luoghi in cui artisti e critici si incontravano e architettavano rivoluzioni estetiche, esistenziali e politiche. Rifiutati dalle gallerie del loro tempo, dai musei, dai Salons, dai collezionisti, trovavano rifugio solo in questi luoghi accoglienti e caldi, in cui potevano sopravvivere con i loro simili. E non sarebbe esistita nessuna forma di influenza reciproca e contaminazione tra generi se gli artisti fossero rimasti chiusi nei loro atelier o avessero frequentato solo accademie e pinacoteche e gli scrittori si fossero limitati ai loro studi e alle librerie o i musicisti  a conservatori, teatri e sale concerto. 

Quella che è stata la linfa vitale della modernità e delle avanguardie, l’incrocio e il confronto tra le diverse discipline, il passaggio di energie e sangue vivo da linguaggi freschi a forme di creazione  ormai esauste e scariche di idee, è stato possibile solo perché queste persone si sono incontrate, scontrate, amate, odiate, sedotte e abbandonate all’interno dei tanti Caffè nati nelle città europee negli ultimi due secoli. Il Cafè des Arts (o meglio, il Caffè Letterario) rappresenta l’incarnazione del momento dell’ozio, della flânerie, del pensiero che fluisce libero tra i vapori delle tazze fumanti e dell’alcool, contrapposti al concetto di “negozio”, incontro d’affari, trattativa economica. Lo spazio che dedichiamo a noi stessi, alle persone che scegliamo di frequentare e non a quelle che siamo costretti a incontrare per questioni professionali. Il Caffè è anche lo spazio sognante della notte che accoglie i momenti di abbandono a fantasie poetiche e a ciò che vogliamo davvero amare. Probabilmente si può sostenere che la vera arte degli ultimi due secoli, ovvero quell’entità chimerica, quasi sacrale, la cui esistenza si basa su una continua rinascita dalle proprie ceneri, sarebbe potuta sopravvivere senza musei e gallerie, ma sarebbe di sicuro morta senza la presenza di questi locali. 

I Caffè, insieme agli Ateliers, sono le vere istituzioni fondamentali e fondanti dell’arte moderna.

Per questo, dopo una lunga conversazione con Gian Enzo Sperone, abbiamo pensato di trasformare la galleria, già in fattezze di casa ottocentesca, in un salotto artistico, rifugio dall’atmosfera calorosa e intima, stimolante per il pensiero e la percezione degli artisti, per poterci dedicare all’accostamento tra i sorprendenti arredi/scultura creati da un duo di giovani designers/ebanisti di indiscutibile talento,  Luca Fiorini e Leonardo De Bortoli, fondatori di LESELS Ancient Design, e una selezione di dipinti e disegni, introdotti da una grafica di Bruce Nauman, da una carta di Sironi e da una sequenza di ritratti conviviali di Merz e Anselmo, realizzata da Paolo Mussat Sartor. Pitture di vario genere, tecnica e provenienza, legate al concetto di frequentazione tra gli autori, sovente protagonisti di movimenti avanguardisti che partendo dal Futurismo di Balla, Prampolini e Severini, giungono, attraverso le opere degli Astrattisti Rho, Radice, Reggiani, Soldati, Veronesi, Galvano e Scroppo, realizzate tra gli anni ’30 e’70, in dialogo con le creazioni di Leger, Magnelli, Cagli e Mastroianni alle sperimentazioni Poveriste di Alighiero Boetti e Salvo,  a quelle di artisti contemporanei quali le cover di LP dipinte da Nicola Bolla,  i graffianti ed intensi ritratti di Paolo Galetto e Filippo di Sambuy, le sovrascritture a smalto su fondi lucenti ed i testi d’autore tritati di Tania Pistone, gli antichi ritratti trovati nei mercati e sovradipinti da Peter Schuyff fino alla figurazione fantastica e surreale di David Bowes, Stefano Di Stasio e Paola Gandolfi in dialogo con le atmosfere mitologiche Art Nouveau di Duilio Cambellotti ed un etereo studio di nudo femminile di Achille Funi.

Valerio Tazzetti

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A cura di : Valerio Tazzetti in collaborazione con Boxart, Verona

Liu Bolin (Shandong 1973) è un artista cinese ormai famoso per le sue performances di camouflage durante le quali si autoritraein ambientazioni urbane ed architettoniche e grazie ad un accurato e totale body-painting, si mimetizza con lo spazio circostante.

Bolin realizzò la sua prima serie fotografica nel 2005, mentre il suo studio veniva distrutto dal governo durante la demolizione del villaggio Suojia. Mosso dall’ingiustizia, si rese conto della fragilità umana di fronte al potere politico, posando davanti al suo studio distrutto nell’opera intitolata “Suojia Village”. Da allora iniziò a lavorare alla sua famosa serie «Hiding in the City»,realizzata oltre che in Cina, in diverse metropoli occidentali.

Bolin nelle sue opere svanisce, diviene trasparente, sceglie di annullarsi, denuncia la condizione dell’uomo odierno che ha perso la propria identità a causa di una società estremamente materialista e tecnologizzata e che, costretto ad agire e a pensare secondo il sistema che la società impone, perde la propria individualità ed idealmente si annulla.

La serie «Hiding in the City» è una riflessione profonda e sensibile sulla condizione umana dove l’intenzione dell’artista non è quella di sparire nell’ambiente, ma invece quella di lasciare che l’ambiente prenda possesso di lui. Bolin non cerca un modo perscomparire come individuo, ma insiste sui danni causati dallo sviluppo economico e urbano sugli individui: si tratta di una sorta disilenziosa attesa, dove l’essere umano perde la sua capacità di integrarsi.

Dice l’artista a proposito del proprio lavoro: “E’ un gesto di denuncia. Cos’è oggi lo sviluppo dell’essere umano, e dove porta? L’uomo sta scomparendo nel suo stesso ambiente. La tecnologia ha portato molto sviluppo materiale, ma per restare umani cosa si deve fare? Io non voglio perdermi in questo labirinto, perciò scelgo questa forma di difesa. Io sono per un’arte di impegno civile”.

Laureatosi e specializzatosi presso la Shandong University of Arts di Jinan e la Central Academy of Fine Arts di Beijing, Liu Bolin ha raggiunto la notorietà internazionale al Festival di fotografia contemporanea di Arles del 2007 e da allora esposto in alcuni prestigiosi musei tra cui il Today Art Museum di Beijing, Museum on the Seam di Israele, il Berkshire Museum of Massachusetts, il Seoul Art Museum, il Chicago Cultural Center, il Mudec Milano.

ORARIO ESPOSITIVO : Martedì / Sabato ore 15.30 – 19.30

La prima mostra personale in galleria del pittore Ernesto Morales prevede l’esposizione di una decina di opere di grande e medio formato delle nuove serie sulle stelle Nebulose e Supernove. Il progetto di Morales nasce nel 2021 per approfondire un tema a lui caro da sempre: le interconnessioni spazio temporali che influiscono consciamente o inconsciamente sull’uomo. La NEBULOSA, termine con cui si indica una qualsiasi forma astronomica di grandi dimensioni, include nubi e costellazioni, soggetti iconici per Morales. Gli elementi che compongono il cosmo sono gli stessi che ritroviamo nel corpo umano, elementi che ritroviamo nella tavola periodica di Mendeleev. Il legame quindi tra macrocosmo e microcosmo è forte: ‘Sicut in alto sicut in basso’ diceva Ermete Trismegisto secoli prima di Carl Jung, secondo il quale siamo in armonia con l’universo e la nostra anima entra in risonanza con il macrocosmo. Osservando l’infinito comprendiamo o meglio, proviamo a comprendere, il finito. La cosmogonia, la concezione eliocentrica, l’infinitamente grande, ci rimanda all’atomo, al nucleo attorno a cui ruotano gli elettroni, l’infinitamente piccolo. Fil rouge del lavoro di Morales, il tempo, in senso fisico e metafisico. Esso entra a far parte dell’opera in modo importante: la tecnica pittorica col pennello monofilo prevede un tempo di realizzazione tutt’altro che rapido, nulla a che fare con la fulminea pennellata con cui si immagina l’artista aggredisca la tela. Il tempo richiede tempo. Il tempo non comincia e non finisce, a volte la tela circolare esplica meglio e aiuta a comprendere ciò che per l’uomo è incomprensibile. Per l’uomo la percezione del tempo non può prescindere dalla sequenzialità scandita di quello che una volta non esisteva, che l’uomo ha dovuto creare per poter esistere: il tempo misurato. La contemporaneità appartiene solo a Dio. Con il tempo tentiamo di dare un ordine a ciò che un ordine non ha. L’universo ci contiene e ci inghiotte, ci illudiamo di nutrirci di qualcosa che in realtà si nutre di noi, in una visione di Leopardiana memoria, la Natura matrigna in realtà ci ignora da sempre, e bene che fa. La nuova serie SUPERNOVA, formazioni che rappresentano l’evolversi delle Nebulose dopo il loro collasso nello spazio cosmico, viene affrontata dal pittore invece attraverso una tecnica completamente diversa che prevede l’uso di pigmenti speciali interferenti, che contengono microsfere in grado di riflettere la luce, mescolate ai pigmenti puri, che l’artista prepara personalmente macinando lapislazzuli per l’azzurro, malachite per il verde, etc.; polveri che poi mescola con l’olio per una stesura più fluida. Il nocciolo delle Supernova emette energia e luce sorprendente, soprattutto in condizioni di ombra. Le opere quindi hanno un duplice aspetto: illuminate o in ombra ci appaiono completamente diverse! Lo spettatore si pone quindi di fronte a nebulose fisiche e non, in una realtà immersiva che lo invita a riflettere su di sé, nonché sull’interdipendenza tra tutti gli esseri come lo sono gli elementi componenti l’Universo.

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Il noto autore finlandese ritrae se stesso, ormai da 50 anni e sempre in autoscatto, nudo, ma senza esibire mai il volto. Le immagini, sempre rigorosamente in b/n, evidenziano e a volte celano il suo corpo, capace di mimetizzarsi nell’ambiente che spesso risulta ostile: neve, rocce o alberi. In posizioni sovente difficili da comprendere, riesce a ritrarre parti del suo corpo, rimanendo sospeso o in bilico anche su altezze vertiginose; riesce sempre a creare ‘landscapes’ unici in cui il suo corpo entra a far parte integrante dello scenario che lo circonda.

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Photo & Contemporary di Torino ospita la seconda personale nei propri spazi del noto autore PAOLO MUSSAT SARTOR, testimone ed interprete insostituibile dei momenti salienti dell’evoluzione protagonista nell’ambito della fotografia di ricerca. In mostra una dozzina di stampe fotografiche di grande e medio formato ai sali d’argento con interventi pittorici con pigmenti a olio realizzate tra il 1992 e il 2005. Tutti esemplari unici tratti dalle serie  “FIGURE” con alcuni grandi e misteriosi nudi e alcune inedite figure femminili in abiti lunghi.

Negli anni Ottanta si fa viva in Mussat Sartor la necessità di spostare altrove il linguaggio fotografico, in un’altra dimensione, di strapparlo al dominio tecnico del medium, di “rendere visibile l’invisibile”.

L’autore comincia dunque a intervenire direttamente sulla carta fotografica con il colore, con le mani, spingendosi in un territorio mediano e ambiguo, in una zona di confine inafferrabile tra pittura e fotografia.

Dopo aver per anni elaborato particolari tecniche pittoriche a olio e pigmenti e di viraggio su carta fotografica in b/n, Mussat Sartor è riuscito infine a distillare esemplari unici di stampe di grande fascino e poesia in cui i temi della visionarietà e del nomadismo interiore emergono in oniriche e delicate immagini, quasi miraggi soffusi, che ci mostrano figure e dettagli di corpi femminili, misteriosi e sorprendenti. Un viaggio senza sosta attraverso l’ossessione allucinata della fotografia come metafora di un percorso esistenziale ad inseguire una bellezza celata, intravista per un attimo e poi improvvisamente scomparsa. 

“Nella serie delle Gambe (1992-1993), degli Asimmetrici (1999-2000) e delle Figure (2001-2005) egli fa emergere dal nero denso dello sfondo immagini trattate con bianchi e grigi, come se manipolasse direttamente la luce, le sue sottili variazioni. Tutti questi lavori condividono un umore, una malinconia di fondo che li rende distanti e inafferrabili. Forse la spinta che ha portato l’autore torinese ad allontanarsi dal sentiero sicuro della tradizione fotografica va individuata proprio nell’esigenza forte di aggiungere alla fotografia uno stato d’animo preciso, un elemento emotivo costante e soprattutto indipendente dal soggetto fotografato. In questo modo egli riesce a strappare la fotografia alla sua contingenza predatoria e documentativa per inserirla nel dominio carismatico e senza tempo del proprio mondo interiore. Private del loro contesto geografico e atmosferico, le Figure e i Corpi, assumono la caratteristica di immagini ibride e poetiche, dall’identità assoluta e fluttuante nel tempo. Con Mussat Sartor la fotografia insomma abbandona la propria caratteristica identitaria, derivata da una tecnica precedente e ipostatica per porsi invece come un inedito spazio creativo attraverso il quale evocare nuovi umori e identità potenziali dell’immagine” ha scritto il critico Andrea Bellini nel, 2006 nel catalogo della sua antologica alla GAM di Torino.

Fotografie dipinte, in cui la memoria visiva è sedimentata e trasfigurata dall’intervento pittorico successivo e che rivelano la loro reale dimensione estetica solo dal vivo.

Ma che cosa cerca Mussat Sartor nella costruzione delle proprie visioni, nei suoi scorci taglienti ed obliqui? A noi pare che insegua sempre uno spiraglio di luce, un frammento di bellezza sublime, il dettaglio rivelatore di una speranza, che possa salvarci dalla nostra condizione incerta di viaggiatori del tempo alla ricerca di riferimenti.

Biografia

Paolo Mussat Sartor è nato a Torino nel 1947, dove vive e lavora. 

Autodidatta, fotografa dal 1966. Nel 1968 inizia a collaborare con Gian Enzo Sperone e conosce e fotografa gli artisti italiani e stranieri che in quegli anni espongono le loro opere nella sua galleria. 

Espone e pubblica Ritratti di Artisti e documentazioni di opere in cataloghi d’arte e riviste specializzate di tutto il mondo. 

Collabora anche con riviste d’arte ed architettura come Domus, Abitare, Vogue, Casa Vogue, ed Ottagono. Nel 1979, la casa editrice Stampatori gli pubblica il volume Paolo Mussat Sartor Fotografo 1968/1978. Arte e Artisti in Italia, un libro che documenta dieci anni di collaborazione con alcuni artisti italiani contemporanei. Parallelamente, dal 1970, si dedica ad un proprio lavoro di ricerca che si sviluppa attraverso il linguaggio fotografico. 

Dal 1985 interviene su stampe fotografiche, da lui appositamente realizzate, con pigmenti colorati e tecniche miste, ricavandone esemplari unici.

PHOTO&CONTEMPORARY , in occasione dell’Art-week torinese, è lieta di ospitare la retrospettiva “PORTI” di Gabriele Basilico, di cui dal 13 Ottobre saranno in corso 2 grandi antologiche a Pal.Reale ed alla Triennale di Milano sul tema delle città. Per celebrare il maestro milanese abbiamo scelto uno dei temi a lui cari, in quanto nei porti si misurava come fotografo e come uomo; li riteneva spazi entro cui immaginare di conquistare il mondo : “Ho capito che forse non serve conquistare il mondo; la mia testa lo vorrebbe fare, ma il mio corpo mi dice che è impossibile.”

Per vedere i porti in giro per l’Europa  pellegrinò incessantemente da un luogo all’altro , evidenziandone  differenze e somiglianze. ”E’ un viaggio parziale, personale. Forse non è necessario vedere tutto”.

Due sono i metodi utilizzati dall’artista: ampia ricognizione e minuziosa catalogazione  per Milano e le altre città e scelta selettiva della veduta per i porti. Qui le immagini sono in minor numero, ma l’inquadratura (e qui la fotografia diventa visione pittorica) contiene quanti più dettagli possibili del paesaggio, tende ad essere assoluta, comprensiva di tutti gli elementi significativi di una porzione di mondo molto più ampia. Basilico riesce quindi a raccontare tanto, tutto, con un solo gesto, una sola ripresa.

“Tuttavia i porti, come luogo, confrontati con gli altri paesaggi che ho incontrato e che tradizionalmente incontro nelle mie campagne fotografiche offrono qualcosa di più, quasi in eccesso. Le stesse architetture industriali, le stesse strade apparentemente vuote, ritmate dai pali della luce e ridisegnate dai cavi elettrici, le stesse officine produttive, a volte celate dietro cortine murarie, a volte prepotentemente emergenti o magnificamente isolate, come i complessi siderurgici o le centrali elettriche. Per non parlare del senso di equilibrio e di monumentale calma espressi dall’allineamento dei silos, o del sovrapporsi in fuga prospettica, quasi parata militare, delle gru in fila e delle gigantesche macchine di sollevamento dei container. Questa spettacolare città meccanica, agitata o ordinata a seconda dei momenti e dei luoghi, ha come sfondo, come argine di contenimento il mare. Trasparente fino a confondersi con il cielo o denso e mieloso come un magma gigantesco, inoffensivo o agitato, il mare si pone come un confine naturale, un grande piano di compensazione della terra ferma, una presenza importante che si spinge fino ad annullarsi con la linea dell’orizzonte. Un segno lontano, quasi un limite sicuro, a cui fare riferimento, al di qua del quale si è stimolati a costruire la visione del mondo tangibile con la consapevolezza che oltre quella linea dove la percezione sfuma nell’infinito c’è tutto lo spazio per immaginare un mondo lontano”.

*Testi tratti dal volume “Gabriele Basilico, Porti di mare”,  Art&, Udine, 1990

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La galleria partecipa all’evento TAG OUVERTURE #14

PHOTO&CONTEMPORARY è lieta di annunciare la collettiva che aprirà la stagione 2023/2024 in occasione dell’apertura coordinata di OUVERTURE delle gallerie torinesi TAG, fino alle ore 23 del 14 SETTEMBRE p.v. La mostra proseguirà fino al 26 Ottobre 2023.

Saranno presentate opere di autori italiani ed internazionali, sia fotografiche, sia pittoriche e scultoree di Nobuyoshi Araki, Nicola Bolla, Franco Fontana, Giovanni Gastel, Betta Gancia, Ezio Gribaudo, Robert Mapplethorpe, Paolo Mussat Sartor, Enzo Obiso, Denis Piel, Edoardo Romagnoli, Filippo di Sambuy, Laura Viale.

Protagonisti della storia dell’arte e dell’insegnamento accademico, della tradizione della natura morta a partire dal Rinascimento, i fiori possono sembrare soggetti ormai iper-rappresentati, eppure gli artisti continuano a ritrarli, a ricercarne le connotazioni più segrete, misteriose, simboliche  e metafisiche. 

L’obiettivo che si pone questa mostra tra interpretazioni in b/n di monocromo e sobrio rigore e sfarzosi cromatismi è rappresentare l’essenza del “fiore” e la sua imperscrutabile presenza in posa dinanzi all’artista e allo spettatore. Come un soggetto umano, probabilmente anche i fiori ci guardano. 

Il ribaltamento dello sguardo dalla parte dei fiori intende sottolineare il ruolo fondamentale ed il ciclo vitale breve, silenzioso e generoso dei fiori, creature che rendono possibili  fenomeni biologici indispensabili alla nostra sopravvivenza, come quello dell’impollinazione. Si parla quasi sempre della vita sulla Terra con un’impostazione focalizzata su una visione biologica “animale”, mentre la flora rappresenta oltre il 95% delle forme di vita sul pianeta.

I fiori ci portano dunque grandi vantaggi e piacere e noi li amiamo, ma li coltiviamo intensivamente, li usiamo, li maltrattiamo, li gettiamo rapidamente, accelerando e snaturando la loro stessa esistenza.

Hanno sempre rappresentato simboli universali di bellezza, eleganza, raffinatezza, rarità , opulenza, ma anche incarnato ed espresso i più profondi e segreti sentimenti umani, dalla passione alla castità, dalla fedeltà al tradimento, dalla gratitudine al risentimento, dalla gioia alla tristezza, fino ad assumere connotazioni mistiche e religiose ( ad esempio, i fiori dei ciliegi in Giappone o il giglio a tre petali simbolo della sacrà trinità nell’iconografia cristiana).

Sono e sono stati inoltre i protagonisti di fenomeni economici rilevanti : dall’estrazione dei pigmenti e dei principi medicali alla produzione di spezie, estratte dai loro petali e pistilli, alle vicende legate al commercio internazionale dei fiori ornamentali che hanno creato effetti economici di portata storica; valga per tutti, la clamorosa vicenda della bolla speculativa dei bulbi di tulipano in Olanda che all’inizio del XVII secolo fu teatro di una crescita vertiginosa  e nel 1637 di un rapidissimo crollo .

I fiori, testimoni silenziosi delle vicende umane, compagni della nostra evoluzione sul pianeta, a ricordarci insomma che soltanto la vera bellezza può salvare il mondo, a suggerirci col loro sguardo di cercarla dentro di noi, attraverso lo stimolo dei loro colori, del loro profumo evanescente, catapultandoci in un’altra dimensione, quella della catarsi estetica e spirituale.

PHOTO&CONTEMPORARY organizza la prima mostra di ENZO OBISO nei propri spazi torinesi con una selezione di 25 opere in b/n, colore di formati medio/grandi e Polaroid Transfer di piccolo formato.

C’è calma, silenzio, introspezione negli interni e nelle nature morte di Enzo Obiso; c’è la lentezza di uno sguardo esperto, ma sempre curioso e sorpreso dinanzi alla meraviglia dell’osservazione. Attendere e guardare come si posa e come cambia continuamente la luce sugli oggetti e i soggetti protagonisti delle proprie proiezioni interiori. Questa pare la missione paziente e quotidiana del noto fotografo siciliano, che dall’infanzia vive a Torino.

La definizione di “intimismo visivo” é tuttavia insufficiente e superata da una forma di nomadismo dello sguardo, inquieto ed evocativo, che ora ci conduce in riva al mare di Sicilia, culla delle civiltà mediterranee e patria dell’artista, ora si sofferma sui dettagli domestici di un interno in India, paese oggetto di una sua ampia ricognizione e di un ricco volume del 1990, ora nella penombra di uno studio d’artista sui dettagli di un corpo femminile.

 “La Sicilia di Obiso é, come l’India e la Mongolia, composta di immagini sincere e giuste, immediate, semplici e per questo preziose….particolari solo in apparenza fragili, leggeri, discontinui, una volta raggruppati e ordinati permettono una lettura univoca della sua ricerca” aveva già intuito ed affermato il critico Filippo Maggia nel testo del catalogo “Silenzio della superficie”, 2002.

E’ in questa sottile ed essenziale linea poetica che va infatti ricercato il comun denominatore della fotografia di Obiso, in attesa perpetua e maniacale  di quella luce che possa rivelare le pieghe delle cose, la loro implicita e peculiare bellezza, la loro più segreta essenza metafisica.

Questo interrogarsi senza sosta sull’immagine latente, in oscillazione tra realtà e visione interiore, sulla forma definitiva che prenderà, è la sostanza del processo creativo di Obiso: perdersi a guardare per intuire la verità, per vedere oltre sé stessi, come sembra fare, in una delle opere esposte, la  donna di profilo, che si guarda incerta in uno specchio, nella semioscurita’ dello studio.

Un capitolo fondamentale nella vicenda artistica di Enzo Obiso è infatti  il nudo femminile.

Tema classico  della fotografia fin dai suoi albori (pensiamo agli studi di fine ‘800 del pittore Bonnard), il nudo viene affrontato dall’autore siciliano come disciplina rigorosa, ma sempre cangiante; come un diario quotidiano in cui il nudo, quasi sempre senza volto, deve appartenere  a quella irripetibile sfera di intimità che si viene a creare ogni volta diversamente con una diversa modella; deve assomigliare, momento di pura e selvatica bellezza dello sguardo, alla bellezza unica ed esclusiva  di quella donna, al suo carattere, al suo modo di muoversi e rivelarsi.

I corpi, a volte circondati da tessuti stropicciati o da vasi di fiori slanciati, appaiono tra luce e oscurità, sapientemente dosate dal fotografo attraverso la stampa dalle ricche scale di grigi che ammorbidiscono il contrasto, sospendendo i corpi in una dimensione eterea, atemporale.

Quando invece si avvale del colore, l’artista usa tonalità pallide e delicate, talvolta applicate a mano o ancora con procedimenti speciali come nella serie “Pensiero del giorno,1999”, piccoli e  preziosi esemplari unici realizzati con la tecnica del Polaroid Transfer su carta acquerello.