• Collins Obijiaku, Traces of Me
  04 May 2023 – 30 June 2023
• Zéh Palito, Won’t You Celebrate With Me, curated by Larry Ossei-Mensah (Luce Gallery, New York, NY)
  19 May 2023 – 10 June 2023

Traces of Me, la prima personale di Collins Obijiaku nelle sale di  Luce Gallery a Torino, dal 4 maggio al 30 giugno 2023.

La mostra presenta una serie di nuovi dipinti del pittore nigeriano, che raffigurano ritratti  caratterizzati dalle sue peculiari linee sinuose con il carboncino.  Obijiaku attinge alla tradizione della ritrattistica per esaminare le profondità, verità e  complessità dell’umanità. Le figure di ciascuna opera appaiono tranquille e calme, con  sguardi espressivi per coinvolgere direttamente l’osservatore. Con la volontà di  potenziare ulteriormente l’allure e l’intimità, una linea deformata quasi topografica, il cui  inizio e fine non distinguibili, si muove attraverso il volto e la pelle del soggetto  richiamando la “mappatura” del viaggio della vita di ogni persona. L’insieme dei lavori  incoraggia a contemplare l’individualità di ognuno, così come il loro distinto contributo alla  diversità e alla complessità dell’esperienza umana.  L’occasione riunisce portrait di persone che Obijiaku ha conosciuto sin dall’infanzia.  Come suggerisce il titolo della mostra, Traces of Me, i dipinti ad olio e carboncino celano  un piccolo elemento del suo legame con ciascuno spirito affine ritratto, un sentimento  provato realizzando questa serie. In tutte le accurate composizioni osserva vecchi amici,  rievocando la somiglianza che li accomuna, e testimonia rispettosamente la loro  convinzione interiore di forza, speranza, positività e intelligenza. Sebbene l’incorporare  simbolismo è di solito indifferente all’artista, l’utilizzo del giallo ocra in molti lavori si  riferisce al suo rapporto nostalgico con tale tonalità sin dalla giovane età. Ricorda che gli  studenti più brillanti venivano selezionati il gruppo giallo, colore che ancora oggi associa  alle capacità intellettive. Per quanto il lavoro sia apprezzato esteticamente, la sua vera  forza è come Obijiaku unisce le percezioni di gesti ed espressioni distinte dei soggetti con  la disposizione meditativa delle linee a carboncino. Intende accompagnare l’osservatore  con sensibilità in una visione più intima incoraggiando una profonda empatia.  Untitled (woman in blue dress) (2023) raffigura un’elegante giovane nigeriana che  indossa un abito blu pervinca. La donna siede in una stanza giallo pallido con le braccia  premute verso il basso, spostando leggermente il peso a sinistra mentre si inclina un po’  in avanti verso di noi, incrociando direttamente il nostro sguardo. C’è una breve pausa  nella sua espressione – i suoi occhi si socchiudono lievemente – come se ci stesse  scrutando, piuttosto che il contrario. Il suo aspetto appare calmo e composto, emanando  al contempo una sicurezza interiore. Per Obijiaku questa fiducia in se stessi è  particolarmente importante da volerla rimarcare con i suoi soggetti femminili. Cerca,  difatti, di cambiare i pregiudizi comuni sulle donne evidenziandone il potere.  Serpeggiando sul suo volto, attraverso il petto, e scendendo a cascata lungo le braccia,  le linee a carboncino creano percorsi visivi che l’osservatore può esplorare. Funzionando  in modo molto simile alle impronte digitali o ai segni delle rughe, la identificano così come  tutti i cambiamenti della vita. Sa chi è, dove è stata e dove aspira ad essere.

Collins Obijiaku (1995, Kaduna, Nigeria) vive e lavora ad Abuja. È un artista visivo  nigeriano, il cui lavoro si concentra sulla ritrattistica. Si è avvicinato alla pittura e al  disegno da autodidatta. Obijiaku ritrae persone del suo paese d’origine. In ogni opera, i  loro sguardi affascinanti e la pelle ricoperta di linee a carboncino, che ricordano le mappe  topografiche, favoriscono sia una comprensione più profonda del singolo che, in ultima  analisi, dell’umanità nel suo insieme. Nel 2020, ha partecipato al programma di residenza  per artisti di Black Rock Senegal, fondato a Dakar dall’artista Kehinde Wiley. I suoi lavori  sono stati esposti anche al Museum of African Diaspora a San Francisco e al National  Gallery of Arts ad Enugu in Nigeria. Le mostre internazionali, in Africa, Europa e Stati  Uniti, includono la personale che gli ha dedicato Roberts Projects a Los Angeles. Inoltre,  il suo lavoro è stato acquisito da numerose collezioni private e istituzioni pubbliche, tra  cui il Dallas Museum of Art in Texas.  Luce Gallery accoglie la mostra personale Traces of Me di Collins Obijiaku dal 4 maggio  al 30 giugno 2023. L’inaugurazione ha luogo giovedì 4 maggio alle 18.30, alla presenza  dell’artista.  Per ulteriori informazioni o ufficio stampa, contattare info@lucegallery.com o  tamara@theknackstudio.com

We are pleased to announce Traces of Me, the first solo exhibition for Collins Obijiakuwith Luce Gallery. A series of new portrait paintings – all with his signature meanderingcharcoal line-work – will be on view beginning May 4 through June 30, 2023. 

Obijiaku is a Nigerian-based painter who uses the tradition of portraiture to examine thedepths, truths, and complexities of humanity. In each work, the artist paints quiet,composed figures, with expressive gazes, to directly engage the viewer. To furtherstrengthen the allure and intimacy, Obijiaku draws a winding line—with no detectablebeginning or end—that weaves throughout the sitter’s face and skin reminiscent of‘mapping’ each person’s life journey. Together, the paintings in Traces of Me encourageviewers to contemplate the individuality of each person, as well as their distinctcontribution to the diversity and complexity of the human experience. 

This exhibition brings together a collection of portraits of people the artist has knownsince childhood. As the title Traces of Me hints, the paintings conceal a small element ofthe artist’s connection between him and each kindred spirit on view, a sentiment Obijiakufelt after working on the series. In every elegant composition, he observes an old friend,memorializing their likeness, and thoughtfully records their inner conviction of strength,hope, positivity, and intelligence. Although usually indifferent to incorporating symbolisminto his work, his use of ochre yellow, in many of the paintings, references the artist’snostalgic connection to the hue from childhood. He recalled that all the brightest studentswere selected for the yellow group — a color he still associates with intelligence to thisday. While aesthetically pleasing, the true strength of Obijiaku’s work is how he marriesobservations of each sitter’s distinct mannerisms and expressions, with his meditativecharcoal line work, to gently guide the viewer to see more deeply and encourageprofound empathy.

In Portrait of Gladys (woman in blue dress) we see an elegant, young Nigerian womandonning a periwinkle blue dress. In a pale yellow room, she sits with her arms pressingdownward, shifting her weight slightly left while leaning ever-so-slightly forward toward us,meeting our gaze directly. There’s a brief pause in her expression — her eyes slightlysquinting— as if she’s examining us, rather than the other way around. 

Her demeanor is calm and poised, while simultaneously exuding an inner confidence. ForObijiaku this confidence is particularly important to emphasize with his female sitters, ashe seeks to change common misconceptions of women, and instead emphasize theirpower. Meandering throughout her face, across her chest, and cascading down eacharm, Obijiaku’s signature charcoal lines create visual pathways for the viewer to explore.Working much like fingerprints or wrinkles, the lines identify her, as well as all the twistsand turns of life. She knows who she is, where she’s been, and where she aspires to be.

Collins Obijiaku (b.1995) is a Nigerian-based visual artist working in portraiture. A self-taught painting and drawing artist, Obijiaku creates alluring portraits of individuals fromhis home country. In each work captivating gazes and skin permeated with charcoal linework resembling topographic maps, foster a deeper understanding of both the individual,and ultimately humanity as a whole. In 2019, Obijiaku was an artist-in-residence at BlackRock Senegal, the multidisciplinary residency program founded by artist Kehinde Wiley inDakar, Senegal. Obijiaku’s works have been also exhibited at the Museum of AfricanDiaspora in San Francisco and the National Gallery of Arts in Enugu in Nigeria. Hisinternational exhibitions throughout Africa, Europe, and the United States include a soloshow with Roberts Projects in Los Angeles, California. Additionally, his work has beenacquired by numerous private collections and public institutions, including the DallasMuseum of Art in Dallas, Texas. 

Collins Obijiaku’s solo show, Traces of Me, will be on view at Luce Gallery from May 4 toJune 30, 2023. An opening reception will be held on Thursday, May 4 at 6:30 pm. Theartist will be present.

For further information or press inquiries, please contact info@lucegallery.com ortamara@theknackstudio.com 

La personale Parklife di Peter Mohall riunisce dodici nuove opere del pittore svedese di base in Norvegia, caratterizzate dalle sue distintive pennellate con calchi che ne esaltano la palette. Mohall crea paesaggi in stile post-impressionista abitati da persone che si godono momenti di svago e tranquillità. Ispirato dalle coste e campagne svedesi e norvegesi, l’artista documenta quanto osserva durante le vacanze con amici e familiari. Quando traduce questi soggetti in dipinti, si serve di superfici come la juta, che accentua la texture, e colori intensi e palpabili, che simulano una luminosità dall’interno. In maniera singolare, inoltre, invita l’osservatore nel suo processo artistico condividendo ogni colore della palette dipinto su calchi acrilici e ordinatamente inserito o impilato nella composizione. Le opere esposte combinano abilmente l’amato genere paesaggistico pittoresco tradizionale con una destrutturazione del dipinto nella sua forma più semplice, la pennellata colorata. Qui, allo stesso tempo, gli osservatori sono incoraggiati a sperimentare sia la natura trasportatrice dei paesaggi sia a riflettere sulla complessità di come ogni elemento astratto che compone il dipinto – i colori, le linee, i gesti e le forme – contribuisca a queste esperienze emotive. Il titolo della mostra, Parklife, prende spunto dall’omonimo title track del 1994 del gruppo britpop Blur. Proprio come i dipinti di Mohall, uno degli autori del brano allegro e parlato ha spiegato che si riferisce “alla classe del parco… divertendosi e facendo esattamente ciò che si vuole”. In questa serie, Mohall infonde un’atmosfera en plein air rifacendosi a fotografie di viaggi passati, che raccoglie in collage digitali. Con questi ultimi, prima di iniziare il dipinto finale su juta o lino, realizza studi su carta, dettagliati in scala, sia della scena che di un indice di riferimento del colore. Lavorando con la tempera grassa, l’artista mescola colori ricchi di pigmenti che ricordano toni gioiello saturi. Con ogni colore utilizzato dipinge un calco della pennellata, che fissa sulla tela. Per Mohall, il tratto del pennello replicato investiga l’importanza e l’autenticità della mano dell’artista o del gesto registrato nel dipinto: la ripetizione modifica il significato? La forza del lavoro di Mohall è il suo radicamento nell’astrazione; c’è sempre un’enfasi sulla teoria del colore, forma, texture e relazioni spaziali, che anima le sue composizioni. Nel grande dipinto composto da due pannelli, I Nores Hage (2022), siamo accolti in una casa rossa sulla scogliera e nel terreno circostante con ampie vedute sul sottostante mare turchese.Alberi alti ed esili si protendono verso il cielo blu cristallino ricoperto da soffici nuvole rosa tenue e lavanda. Tra di essi sul prato, verde chartreuse dove appare baciato dal sole e ricoperto da muschio in ombra, appaiono cinque figure – forse membri di una famiglia – con lo sguardo rivolto in direzioni diverse. Ciascuno sembra cogliere piacevolmente una parte differente dell’idilliaco panorama, stando in piedi, immobile e quasi meditativo come gli alberi attorno. Nella parte sinistra, l’artista ha disposto verticalmente tutte le cinquantatré tonalità dell’opera, un richiamo alla loro complessità e diversità. Tuttavia, alla fine spetta all’osservatore decidere se scegliere di soffermarsi sul paesaggio o contemplare come è stato creato. Dopotutto, “Confidence is a preference for the habitual voyeur”.

Peter Mohall (1979, Löddeköpinge, Svezia) vive e lavora ad Oslo, Norvegia. Il suo lavoro esplora la storia e il medium della pittura come soggetto. L’artista si è formato all’Oslo National Academy of the Arts. Ha tenuto mostre personali in Europa, Asia e Stati Uniti, esponendo da Koki Arts (Tokyo), Pablo’s Birthday (NYC) e QB Gallery (Oslo). Ha esposto in numerosi musei, tra cui Vestjyllands Kunstpavillon (2018, Videbæk), Bærum Kunsthall (2017, Fornebu), Huset for Kunst & Design (2017, Holstebro), Kunstnernes Hus (2013, Oslo) e Liljevalchs Konsthall (2010, Stoccolma). Le sue opere sono incluse in collezioni pubbliche e private.

Luce Gallery è lieta di annunciare Memory Palace, la prima mostra personale di Johanna Mirabel nelle sale della galleria a Torino, dal 6 ottobre al 18 novembre 2022.

Mirabel, pittrice di base a Parigi, inserisce figure assorte in ambienti interni onirici che si dissolvono. Combinando colori simbolici, piante tropicali, oggetti domestici e suggestioni di spazi esterni con ritratti dettagliati, l’artista concepisce opere fortemente intime che esplorano l’immersiva e trasportativa esperienza di richiamare un ricordo. Se osservati nell’insieme, i dipinti esposti pongono domande più profonde su come le nostre memorie possano coesistere e nello stesso momento essere in contrasto con la nostra storia, cultura e persino identità.

Il titolo della mostra, Memory Palace, si riferisce alla Tecnica dei Loci, il metodo di memorizzazione che, servendosi della visualizzazione mentale, aiuta a ricordare le informazioni associandole a luoghi conosciuti. Con questa mnemotecnica immaginiamo di attraversare uno spazio familiare o “palazzo della memoria” mettendo in relazione l’elemento da ricordare al corrispondente locus. Il percorso di Mirabel è composto dalle stanze di una casa. Nella sua interpretazione esprime il processo psicologico secondo cui richiamiamo e sperimentiamo i ricordi giustapponendo elementi del mondo esterno a spazi interni. Ciascun lavoro rivela come alcuni dettagli, tra cui le onde dell’oceano o una brezza tra le palme, vengono trattenuti nella memoria più vividamente di altri, comprendendo che i nostri ricordi funzionano meno come fotografie intatte e più come frammenti di immagini, suoni, emozioni e gusti.

All’interno dei dipinti, i ricordi sembrano essere un’unione di memorie personali ed esperienze acquisite di tradizioni storiche o culturali, ossia tutto ciò che ha plasmato la sua identità e il suo sviluppo. Le pennellate – spesso sciolte, gestuali e pittoriche – indicano semplicemente un oggetto o una zona. Al contrario, l’artista ritrae realisticamente i volti di modelli, di solito amici o familiari, se stessa e sua sorella gemella, Ester. Ognuno possiede una precisa espressione cupa, che cattura un momento di pensiero o riflessione intensi. Allo stesso modo, c’è anche molta cura nei particolari del pavimento in legno, le cui venature sono adeguatamente articolate per attrarre l’occhio dell’osservatore. Per Mirabel il significato è duplice, il pavimento allude all’industria del legname della Guyana Francese e le rammenta di recarvisi in visita alle case dei suoi parenti. Le piante tropicali da appartamento vengono inserite in composizioni con luci e ombre capovolte, che si aggiungono al mistero di ciò che è parte dello spazio come anche della visione. L’artista utilizza una palette brillante di blu ceruleo, rosso ocra, giallo oro e terra di Siena bruciata, ispirata sia alle tradizioni Tembé della Guyana che al suo terreno ricco di argilla rossa. I diafani strati di colori sfumano le barriere fisiche che separano gli spazi interni ed esterni, rimarcando il “velo” tra essi. Il punto di forza del lavoro è il modo in cui l’artista coglie la transizione tra due stati distinti – fisico e mentale – e sfida l’osservatore a decifrare quali dettagli e simboli appartengono alla memoria e quali al presente.

Living Room n° 23 (2022) raffigura una stanza nei toni monocromatici del rosso ocra con il pavimento di legno massello e una collezione di piante tropicali ornamentali. Nella parte sinistra, su una sedia invisibile, vediamo una donna con gambe e braccia incrociate, spalle leggermente alzate. Guarda in basso, ma senza fissare alcun oggetto. La sua espressione austera sembra confermare che sia persa nei propri pensieri, forse in ciò che viene evocato proprio dietro di lei. I margini dello spazio interno rosso, simili ad una recinzione, sono circondati da nuvole con spiragli di cielo ceruleo. Sottostanti alla figura, le assi dipinte con minuzia consentono la profondità della scena, creando una prospettiva irregolare che pare sollevarsi gradualmente verso l’alto e curvarsi leggermente, come se ci conducesse verso qualcosa in una lontananza impercettibile.

La mostra sarà visibile on-line: www.lucegallery.com/video.php 

Johanna Mirabel (1991, Colombes, Francia) vive e lavora a Parigi. La pittrice investiga il legame intrinseco tra i nostri pensieri più intimi e gli spazi interni. Il lavoro attinge alla sua eredità culturale della Guyana Francese, Martinica e Guadalupe, da scritti sociologici e filosofici, come pure da riferimenti nella storia dell’arte occidentale. L’artista si è diplomata nel 2019 all’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts a Parigi. Nel 2022, Mirabel è stata premiata con il Ritzau Art Prize e partecipa alla prestigiosa residenza presso The International Studio & Curatorial Program (ISCP) a New York.

LIVING ROOM N 9 | 2021, OIL ON CANVAS, 179,8 X 250 CM

La personale riunisce nuovi dipinti dell’artista afroamericano, la cui pittura narrativa scandaglia le complessità dell’esistenza umana. Le scene figurative rappresentano le disillusioni e l’apatia dei giorni nostri, cercando di formulare un contenuto morale che possa combatterle. Nei lavori ad olio – sia su tela che tavola di legno -, texture, composizione e simbolismo si mescolano alla storia, al mito e alla fantasia.

Demarco Mosby (1991, Kansas City, Missouri, Stati Uniti) vive e lavora a New York.  Ha conseguito il BFA alla School of Visual Arts New York City e il MFA all’Hunter College CUNY a New York.

La mostra sarà visibile anche on-line: www.lucegallery.com/video.php

Luce Gallery è lieta di annunciare la mostra personale Max Res Default di Caitlin Cherry, dall’8 giugno all’8 luglio 2022, a Torino.

L’artista afroamericana continua ad investigare la femminilità nera nella cultura dell’immagine contemporanea e il rapporto consumistico della nostra società con essa, dipingendo screenshot iridescenti che raffigurano black femme dello spettacolo e influencer trovate nei social media, video musicali, esibizioni di musica dal vivo, pornografia e moda all’interno del web. La palette scelta – accesa, luminosa e prismatica -, distorce il colore originale delle immagini digitali usando una tecnica simile al moiré, che a volte imita i colorati motivi vorticosi di quando tocchiamo uno schermo a cristalli liquidi.

Le sale della galleria espongono tredici dipinti di medio e grande formato, concepiti nel 2022, che esplorano i molti aspetti della femminilità nera vista attraverso “The Yee-Haw Agenda”, la pornografia contemporanea e la cultura drag, incoraggiando anche confronti più intensi sul tema del genere, della mercificazione e delle storie dimenticate. Il titolo della mostra, Max Res Default, si riferisce alla risoluzione massima come impostazione predefinita per la visualizzazione delle immagini online. In ogni dipinto, Cherry sembra alzare il volume al “massimo” su tutto, dal colore saturo a una moltitudine di immagini, alla sessualità sfrontata. Il risultato eleva ad arte un’estetica femminile nera sottorappresentata.

Video Killed the Painting Star raccoglie le scene di sei diverse esibizioni di famose performer nere. La figura più grande a destra è l’attrice porno Ana Foxxx, sovrapposta da una scena dell’attrice Thandiwe Newton nell’acclamata serie tv HBO western di fantascienza “Westworld”. Nel lato opposto ci sono alcuni primi piani di Cardi B e una ballerina di sottofondo. La rapper è ritratta in due diverse performance, tra cui l’Houston Livestock Show and Rodeo 2019 con un cappello da cowboy. Ana Foxxx appare statuaria e idealizzata con la pelle nuda somigliante allo splendore di una statua di bronzo lucidata. Questa rappresentazione, unita alle sue dimensioni maggiori nella composizione, rimarca l’interesse dell’artista a rimuovere il giudizio sulla professione e, invece, innalzare le sex worker ad uno status di celebrità. Inoltre, il dipinto evoca fortemente il movimento culturale “The Yee-Haw Agenda”, che celebra le estetiche del cowboy nero, la cui storia è stata in gran parte cancellata dalla cultura americana. In realtà, un cowboy su quattro era afroamericano. Il nome, coniato da Bri Malandro nel 2018, richiama il termine “The Gay Agenda” e la preoccupazione degli americani conservatori per il percepito aumento di potere della comunità LGBTQIA+ in politica e nella cultura popolare.

L’account Instagram dell’archivista texana osserva la tendenza di indossare abiti western nella cultura pop nera, diffusa soprattutto da video musicali e live performance di star nere, tra cui Beyoncé, Cardi B, Doja Cat, Lil Nas X e Solange, che sfidano le convinzioni comuni sbagliate sulla Blackness negli Stati Uniti, diventata sinonimo di “urbano”. Dietro a branding accattivanti e cappelli da cowboy impreziositi delle celebrità si nasconde la storia dimenticata del Cowboy e dell’origine della musica Country Western, che si è intrecciata con la storia della Black America. La cultura cowboy è tipicamente associata a maschi bianchi robusti (si pensi al Marlboro Man) – rendendo il cowboy bianco un simbolo dell’individualismo capitalista e un’istituzione -, mentre i primi cowboy negli Stati Uniti erano di origini messicane e nere.

Skete Davidson presenta un close-up dell’attrice transgender Indya Moore con il mento leggermente appoggiato tra le mani aperte e la testa circondata da un alone rosso scuro e nero. Le sue labbra carnose sono increspate, mentre fissa lo spettatore attraverso ciglia seducenti. Questa schermata riprende il poster promozionale della serie “Pose” trasmessa da Netflix, in cui Moore interpreta il ruolo di Angel. Includendo una persona transgender e non binaria, Cherry tenta un’idea inclusiva ed aperta della femminilità nera, riconoscendo che non si è mai uniformata in un’unica categoria di genere.

I dipinti di Cherry promuovono permeabili e fluttuanti concetti di genere, sessualità e performatività razziale. Le interfacce digitali, da cui vengono estratte le immagini, sono considerate un co-produttore della realtà. Le sue opere caleidoscopiche vanno lette come un caotico desktop di uno schermo LCD di laptop con glitch, in cui sono sovrapposte schede e finestre all’interno di finestre con schede browser di porno, aperte contemporaneamente ad un video musicale su YouTube. L’idea del soggetto iconico è deterritorializzata. Questo lavoro cattura la natura destabilizzata della femminilità nera, in particolare mentre viene sorvegliata e rappresentata online.

Gli inediti dipinti di Caitlin Cherry in mostra raffigurano la rapper e cantante Doja Cat e il gruppo Destiny’s Child in “Bicoastal Bisexual™”; l’attrice porno Ana Foxxx, la rapper e attrice Cardi B in due performance, tra cui l’Houston Livestock Show and Rodeo 2019, e una ballerina backup, l’attrice Thandiwe Newton nella serie tv HBO “Westworld” in “Video Killed the Painting Star”; la rapper e attrice Cardi B, la rapper Megan Thee Stallion su un cavallo, un’anonima attrice porno e l’attrice Stacey Dash nel film “Gang of Roses” in “Pusse Mignon (Duncan Saint)”; un’anonima modella e attrice porno in “Big Spender”; la rapper Megan Thee Stallion in visita al paddock di Red Bull Racing prima di una gara di Formula 1 in “Czarists and Androids”; un’anonima attrice porno in una scena glory hole in “Suck It Or Go”; un’anonima attrice porno vestita in costume cosplay di “Avatar” in “Hustlers”; la drag queen Latrice Royale in “White Refridgerator Hunny”; house mother e trans star Elektra Abundance della serie “Pose” su Netflix in “Touching Private Parts on Private Planes”; un’anonima attrice porno in costume cosplay di “Avatar” in “Proton-Enhanced Nuclear Induction Spectroscopy”; rapper e cantante Doja Cat nell’esibizione al Lollapalooza Chile nel 2022, dietro un display jumbotron pixelato in “Jumbotron”; l’attrice Halle Berry nel ruolo di Storm nel film franchise “X-Men” in “The Problematic Ball”; attrice transgender non-binaria Indya Moore nel ruolo di Angel nella serie “Pose” su Netflix, poster promozionale in “Skete Davidson”.

Caitlin Cherry (1987, Chicago, Illinois, Stati Uniti) vive e lavora a Richmond in Virginia. È un’artista afroamericana, la cui sfaccettata pratica comprende la pittura, scultura e installazione. Ha conseguito il BFA alla School of the Art Institute of Chicago e il MFA alla Columbia University School of the Arts, dove ha studiato sotto la guida di Kara Walker. Attualmente è Assistant Professor of Painting and Printmaking alla Virginia Commonwealth University a Richmond. Cherry è stata coinvolta in mostre personali al Providence College Galleries a Providence (2018), The Anderson – Virginia Commonwealth University a Richmond (2018), University Museum of Contemporary Art – UMass Amherst ad Amherst (2017), Brooklyn Museum a New York (2013), e in collettive al Virginia Museum of Contemporary Art (MOCA) a Virginia Beach (2021), Bronx Museum of the Arts a New York (2021), San Diego Art Institute a San Diego (2020), Hallie Ford Museum of Art a Salem (2018), Performance Space a New York (2018), Utah Museum of Contemporary Art a Salt Lake City (2016), Studio Museum of Harlem a New York (2012). Le sue recenti collettive di alto profilo annoverano Jeffrey Deitch a Los Angeles (2022, 2019, 2018), Perrotin a New York (2022) e Pace a New York (2021). Nel 2022, le sue prossime mostre includono le collettive al Bemis Center for Contemporary Arts ad Omaha, Museum of Sex a New York e Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz MOCAA) a Città del Capo. Nel 2023, i suoi lavori verranno esposti in una personale al CCA Wattis Institute for Contemporary Arts a San Francisco e nelle collettive del Modern Art Museum of Fort Worth e del Baltimore Museum of Art. Nel 2020 ha ricevuto il Colene Brown Art Prize. Nel 2016 le è stata assegnata la Robert Rauschenberg Foundation Fellowship Residency e nel 2015 il Leonore Annenberg Fellowship. Inoltre, le sue opere sono state acquisite da numerose collezioni pubbliche e private