h 18

SEDE DI TORINO

La Galleria Umberto Benappi presenta, con la collaborazione di Simone Becchio, la mostra personale di Emilio Ferro, artista che combina nei suoi lavori luce, suono e arti visive, creando installazioni spettacolari. La sua visione poetica parte dalla contemplazione del paesaggio naturale e si traduce in progetti che, attraverso il sapiente uso di tecnologie all’avanguardia, creano un’esperienza artistica nuova e armonica. Un approccio interdisciplinare dove arte, scienza e natura diventano fonti di reciproca ispirazione e sperimentazione creativa.

Emilio Ferro realizza opere monumentali e lievi al tempo stesso: installazioni di luce che interessano lo spazio in modo totalizzante e si sviluppano su vasta scala, senza incidere in modo permanente sulla natura dei luoghi, ma esaltandone le peculiarità e potenzialità. In dialogo con il contesto, naturale o architettonico, che le ospita, le sculture luminose enfatizzano le caratteristiche del luogo – che viene invaso da un’aura di magico misticismo – e fissano un frammento di realtà nello spazio e nel tempo. 

Direction to segna l’incedere verso un orizzonte lontano, un punto preciso e altrettanto sconosciuto. Nel titolo di questa mostra non viene indicato intenzionalmente il luogo di destinazione, come a invitare il pubblico ad aprire i propri orizzonti d’evasione. Le sculture esposte, studiate attentamente per gli ambienti della galleria, diventano nella loro essenzialità un ponte simbolico tra la direzione fisica che indicano e il mondo interiore di chi le osserva. Che puntino verso Basel, Venezia o Il Cairo, le installazioni si affermano come una guida luminosa in grado di evocare emozioni, ricordi, desideri e aspirazioni e di invitare alla riflessione sulla propria traiettoria o cammino personali. 

Al centro del salone principale Marble sun (2024), ossia il sole: fonte di luce e vita, verso cui tutti tendono, richiama gli antichi culti egizi del dio Ra o di Helios nella mitologia greca. L’atmosfera si colora di tinte esotiche anche grazie al suono che accompagna questa installazione, nel quale è riprodotto, campionato, il vento che soffia sulle piramidi dell’Altopiano di Giza, luogo in cui l’artista ha realizzato nel 2022 l’installazione Portal of light. Un senso di misticismo e spiritualità invade invece gli altri ambienti della galleria, dove la luminosità delle sculture si combina con la colonna sonora ispirata alla sfera magica ed esoterica che notoriamente contraddistingue Torino.

Direction to celebra l’incessante dinamismo della vita, offrendo uno spazio per la contemplazione e per la riscoperta del legame tra il mondo fisico e quello interiore. Una guida silenziosa che illumina non solo una strada, ma anche un percorso personale e universale. 

Emilio Ferro (Alba, 1988) mescola nei suoi lavori luce, suono e arti visive, creando installazioni per spazi pubblici, fondazioni e musei. Nel 2010, dopo aver frequentato la triennale di design allo IED di Torino, si trasferisce a Berlino per completare la sua formazione per poi iniziare a lavorare nel mondo della luce, supervisionando e collaborando a oltre 500 progetti di illuminazione in Italia e all’estero. Negli anni successivi, il lavoro di Emilio si evolve passando dalla progettazione alla realizzazione di installazioni di light art. Nel 2019, Emilio Ferro è l’artista che viene scelto per realizzare il primo capitolo di Fondazione Radical Design, istituzione artistica creata da Sandra e Charley Vezza, proprietari dei marchi Gufram e Memphis Milano. Nel 2022, Ferro viene incaricato per realizzare Segreto Cardiopulso l’installazione di inaugurazione del centenario dedicato al celebre scrittore Beppe Fenoglio. Nel 2022, diventa il primo artista al mondo a realizzare un’installazione di light art alle Piramidi di Giza, intitolata Portal of light, progettata per Forever is now II, la grande mostra organizzata da Art D’Égypte nel sito archeologico egizio, patrimonio mondiale dell’Unesco. Nel 2024, l’artista realizza l’installazione permanente Miracle, commissionata dall’Associazione Culturale VIA; l’opera è situata adiacente all’antico Santuario di Vicoforte. Nello stesso anno, Ferro espone alla Biennale Light Art di Mantova in Italia e presenta l’installazione After Pangea alla Biblioteca di Alessandria in Egitto.

SEDE DI SAN SICARIO

EMILIO VEDOVA + ARCANGELO SASSOLINO. SULLA MATERIA

in collaborazione con Galleria dello Scudo – Verona

Opening sabato 28 dicembre 2024, h. 18

Sansicario Alto – Cesana (TO)
https://maps.app.goo.gl/J95rogV11kX7bbfw7

29.12.2024 – 26.01.2025

h. 10-13
15-19:30
­
La Galleria Umberto Benappi, con il supporto creativo di Riccardo Pietrantonio inaugura la stagione invernale nella “galleria di montagna”, con la mostra Emilio Vedova + Arcangelo Sassolino. Sulla materia.

Primo ospite della stagione invernale è la Galleria dello Scudo di Verona, che dal 1968 promuove l’arte italiana moderna e contemporanea. Propone nello spazio di Sansicario, nato per ospitare progetti realizzati con la collaborazione di gallerie italiane e straniere e per proporre cultura in territori differenti dai luoghi usuali, un dialogo tra due artisti di epoche differenti, che usano medium e tecniche accomunate da una forte gestualità.

Nella ricerca artistica di Emilio Vedova solchi, incisioni, sovrapposizioni, schizzi e grumi di materia si combinano in un repertorio infinito di forte tensione pittorica. I cementi di Arcangelo Sassolino sono il risultato dello strappo della materia da una matrice. Infatti da un lato rivelano il gesto violento del lancio della materia, dall’altro portano con sé la memoria di una superficie immacolata.

Emilio Ferro, Portal of Light, 2022, ph Roberto Conte

Se la fotografia fosse rappresentazione della realtà, quella di Vik Muniz non dovrebbe essere considerata tale. Niente è vero nelle sue immagini, ogni dettaglio è finzione e ricostruzione minuziosa, quasi maniacale, di qualcosa di preesistente.

Eppure, sono fotografie le grandi stampe che la Galleria Umberto Benappi espone a Torino dal 20 settembre al 9 novembre 2024 in via Andrea Doria, provenienti dalla collezione di Gian Enzo Sperone e da privati. L’opera di un grande artista che conosce profondamente la cultura visiva e i media, per il quale la macchina fotografica è l’ultimo passaggio nella realizzazione della sua opera.

Le stampe, dai colori vividi, sono impeccabili, quasi sempre di grande formato, ma è la composizione quella che rende così identificativo il lavoro dell’artista brasiliano, nato a San Paolo nel 1961. Pigmenti, inchiostro e coriandoli; tessere di puzzle, diamanti e sciroppo di cioccolato; semplici fili, materiale di recupero e ritagli di giornale; gli oggetti più disparati sono il punto di partenza del lavoro creativo di Vik Muniz. La fotografia, l’atto finale.

Tra i lavori più noti, Pictures of Chocolate, la serie di opere realizzate nel 1997 con lo sciroppo di cioccolato. Con questa tecnica, la galleria Umberto Benappi espone l’iconica serie delle 9 Jackie (2001), originariamente realizzata da Andy Warhol dalle foto pubblicate su Life al funerale del marito, il Presidente J.F. Kennedy, e l’affascinate autoritratto di Rembrandt (Self portrait after Rembrandt, 2002); due opere potenti che si affiancano, nella grande parete della sala principale della galleria, ai ritratti di Karl Marx, Andy Warhol, Liz Taylor e Marilyn Monroe.

Vik Muniz è cresciuto in una famiglia semplice e ha iniziato a disegnare molto giovane, anche a causa di una forte dislessia. Passava ore a copiare arte antica nei musei, diventando ben presto molto abile tecnicamente. Disegnava con qualsiasi materiale (e qualsiasi, nel suo caso, voleva dire quasi tutti). Ferito alle gambe mentre cercava pacificamente di sedare una rissa (1983), con il risarcimento ottenuto, decise di partire per New York. Qui la sua vita cambiò; si poté dedicare definitivamente all’arte e nel 1988 espose per la prima volta in una personale. Cominciò la carriera come scultore, ma da subito si interessò alla rappresentazione fotografica delle sue opere e alle molteplici possibilità dell’immagine. Ora le sue opere si possono trovare al MoMa, al Guggenheim e al Whitney, ma anche alla Tate e al Victoria and Albert Museum, al Museu de Arte Moderna de Sao Paolo, al Museum of Contemporary Art di Tokyo, al Centre Pompidou di Parigi; con il suo lavoro ha rappresentato il Brasile alla Biennale di Venezia del 2001.

Il lavoro di Muniz è un alternarsi di tematiche differenti e nuove sperimentazioni. Sa essere giocoso e ironico, ma anche provocatorio e critico. Pictures of Junk (2006) è una serie ambientata nella più grande discarica del mondo, Jardim Gramacho, appena fuori Rio De Janeiro. Qui (fino al 2012) lavoravano migliaia di persone cercando nell’immondizia materiale riciclabile da vendere o barattare. Opere in cui si mischiano i rifiuti ritrovati nel luogo, al disegno, ispirato ai grandi capolavori del passato. Il progetto artistico (che si trasforma anche in aiuto umanitario) fu esposto per la prima volta proprio al Museo di Arte Moderna di Rio de Janeiro e raccontato nel  cortometraggio Waste Land (2010), poi candidato al premio Oscar. Dalla serie Pictures of Junk, Benappi espone due incredibili lavori di ispirazione classica: Leda e il Cigno, da Leonardo da Vinci (2009) e Vulcano che fabbrica le frecce ad Amore, da Alessandro Tiarini (2006), entrambi simbolo della capacità compositiva e immaginativa dell’artista.

Muniz realizza anche Marilyn di diamanti e Karl Marx di caviale. Composizioni effimere, tra realtà e finzione, dove non è tanto importante ciò che l’opera rappresenta, ma come qualcosa riesce a rappresentare qualcos’altro. Creatività inesauribile, tecnica impeccabile, sorpresa e stupore. 

Una parte del suo lavoro è anche dedicata al collage, ai puzzle e ai ritagli di giornale. Ama i media e conosce molto bene la storia dell’arte, per cui, con naturalezza, cita i capolavori più celebri e trae ispirazione dalle immagini più note della memoria collettiva: i grandi avvenimenti storici, le cartoline delle città più visitate, i personaggi iconici. Mette alla prova il nostro modo di vedere e la nostra percezione costringendoci a riflettere su ciò che abbiamo di fronte e su cosa significhi veramente guardare. È tutto un gioco, ma molto più serio di come appare. 

Chiara Massimello

«Ho conosciuto Vik Muniz a New York nel 1996, dopo aver visto alcune sue opere della serie The Sugar Children nella galleria di Tricia Collins a Soho che ho trovato sin da subito impressionanti. Le sue fotografie, sin dagli inizi, presentano una varietà linguistica straordinaria. Vorrei un giorno poterlo convincere a esporre tutti i suoi originali (realizzati con carne cruda, cioccolato, marmellata, zucchero, polvere, pigmenti, carta, giocattoli, spilli e chilometri di fili, diamanti, ecc.): sì, perché questa risulta di gran lunga la parte più eccezionale del suo modo di esprimersi. Le fotografie conseguenti sono quindi solo una parte dell’opera, un mezzo per divulgarle.» – Gian Enzo Sperone

dalle 18.00 alle 22.00

Maurizio Camerani

In~equilibrio

a cura di Federica Maria Giallombardo

5-25 maggio 2024

Opening 4 maggio, 19:00 – 23:00

La galleria Umberto Benappi presenta In~equilibrio, la prima personale di Maurizio Camerani (Ferrara, 1951) negli spazi torinesi di via Andrea Doria 10.

In~equilibrio è l’attimo appena precedente lo slancio nella riflessione; è il momento del bilancio di un tragitto che si materializza sulla trave, forma aguzza e fredda vivificata e complicata dalla presenza dell’uomo in bilico. È la risultante sostanziale di un confronto tra la superficie e l’infinito; è il silenzio, costellato da geometrie perfette di luci e suoni, per sospensione d’incredulità. Dopo un periodo di studio e di approfondita catalogazione delle sue opere, attraversando con rinnovate consapevolezze le ricerche estetico-formali che hanno contraddistinto la sua carriera, Camerani riassume il percorso trentennale che lo ha reso uno dei capisaldi della storia della videoarte italiana, lasciando deflagrare nello spazio espositivo una selezione autobiografica e storicizzata di “video ambienti” – video e sculture assemblati in un dialogo armonico ed extra-mediale – amalgamando tra loro tecniche e materiali eterogenei in virtù dell’urgenza, sempre intatta e sperimentale, di esprimersi poeticamente. 

Maurizio Camerani (Ferrara, 1951) si laurea a Bologna presso l’Accademia di Belle Arti – sezione di scultura – e successivamente al DAMS. Negli anni Settanta, mettendo in discussione le tecniche tradizionali, il suo percorso di ricerca privilegia un lavoro basato sul rapporto tra azione e immagine fotografica. Per tutta la seconda metà del decennio la sua esperienza si sviluppa principalmente in una dimensione collettiva, con particolare attenzione alle dinamiche performative, condotte all’interno del gruppo Ricerche Inter/Media. Con il collettivo partecipa a numerosi eventi internazionali, tra i quali la Biennale di San Paolo. Nei primi anni Ottanta, inizia a lavorare sull’immagine elettronica, realizzando una serie di videotape sperimentali di carattere narrativo. Da queste ricerche, nasce la collaborazione con il Centro Video Arte di Ferrara (dal 1978 al 1994), del quale è uno dei principali esponenti. Nel corso di questi anni la pratica del linguaggio video trova nuova linfa dal recupero dell’esperienza scultorea, maturata negli anni della sua formazione. Dalla relazione di questi due media nasce la produzione di video-sculture, che segnerà il prosieguo della sua ricerca, portandolo a esporre nei più significativi festival internazionali, tra i quali Montreal (1984), Locarno (1985), Colonia (1985), Taormina (1991).

prorogata fino al

26 GENNAIO 2024

La Galleria Umberto Benappi è lieta di presentare Kounellis / Nitsch. A theatral moment, a cura di Lóránd Hegyi, una mostra dedicata a due maestri del tardo Novecento, per la prima volta insieme, capaci attraverso la loro arte di dare vita a energie sensuali e spirituali, a una lotta tra forze che sfocia in un momento teatrale.

Jannis Kounellis e Hermann Nitsch condividono, nelle loro opere, l’adesione a una dimensione di estrema intensità, a una forma di coinvolgimento catartico nella realtà che orchestrano come veri drammaturghi.

h 18-23

La galleria partecipa all’evento TAG OUVERTURE #14

La galleria è uno spazio centrale dove tutto nasce: mostre, fiere, incontri, nuovi progetti e collaborazioni. Una fucina di idee e di connessioni che storicamente vede interagire al suo interno una pluralità di personalità, professionisti e non, del settore artistico. Sempre più spesso, tuttavia, questo spazio è frequentato principalmente in occasione di inaugurazioni ed eventi speciali che vi hanno luogo, perdendo il ruolo di promotore e di centro collettivo volto alla discussione e al confronto che tradizionalmente ha sempre ricoperto. La mostra collettiva Crossroads prende avvio dalla necessità di rimettere al centro la galleria intesa come crocevia, come luogo nevralgico di scambio, e di riportare l’attenzione sulle persone che la frequentano e sulle connessioni che nascono al suo interno tra artisti, curatori, galleristi, collezionisti e giornalisti. In occasione di Crossroads, professionisti del settore, insieme ad appassionati, sono stati invitati a presentare un artista e il suo lavoro. L’intento del progetto è quello di ricostruire, attraverso questi incontri, i passaggi necessari alla realizzazione di una mostra evidenziando in particolare le relazioni umane da cui si dipana il progetto espositivo. Artisti e “curatori” con i loro differenti percorsi di vita si incontrano negli spazi della Galleria Umberto Benappi dando vita a un dialogo a più voci, catturato attraverso una serie di video interviste realizzate per l’occasione; allo stesso modo le opere d’arte esposte conversano tra di loro nell’ambiente espositivo della galleria, che si riafferma come crocevia di nuove connessioni in divenire.

MAR/TUE-SAB/SAT 10.00-13.00 e 15.00 -19.00

opening: giovedì 15 dicembre 2022 h.17.00

rewind – mostra collettiva di fine anno – ripercorre i progetti, le mostre, le fiere e gli eventi organizzati dalla Galleria Umberto Benappi nel corso del 2022. Saranno presenti una selezione di opere degli artisti che ci hanno accompagnato nel calendario espositivo di quest’anno.

Ha dato il via al 2022 la mostra Levia Gravia, a cura di Francesca Canfora e Roberto Mastroianni nella quale le opere di Paolo Grassino, Domenico Borrelli e Carlo D’Oria (scultori torinesi mid-career) hanno giocato un ruolo di primo piano. Sin dalla scelta dei materiali e dei linguaggi tradizionali della scultura, le opere dei tre artisti richiamano la tradizione scultorea che viene riarticolata nelle forme e nei linguaggi del contemporaneo.

I progetti a cura di Lóránd Hegyi hanno portato in Galleria opere di artisti di fama internazionale, tra cui lo scultore spagnolo Bernardì Roig (presentato in occasione di Challenging Body) e il pittore Gianni Dessì, tra i fondatori della “Nuova Scuola Romana” (presente nella mostra Encounter Narratives).

Parte della collettiva sarà dedicata anche ad opere storiche di alcuni importanti artisti della seconda metà del ‘900, tra cui Salvo e Mario Schifano (già inseriti nella mostra del 2021 “L’estate sta finendo” dedicata agli anni ’80 a cura di Luca Beatrice) e presentate recentemente in occasione di Artefiera, durante la quale sono state riproposte al pubblico una selezione delle opere e il catalogo del progetto espositivo.
Saranno inoltre presenti alcuni lavori di giovani artisti contemporanei, tra cui l’installazione Ed è subito sera dell’artista romana Guendalina Urbani, vincitrice del Premio Young-under 35 della Regione Lazio.

Aldo Mondino | Giulio Turcato | Mario Schifano | Mario Nigro | Mino Delle Site | Salvo | Asger Jorn | Nicolay Diulgheroff | Umberto Mastroianni | Luigi Veronesi | Gianni Dessì | Bernardí Roig | Paolo Grassino | Domenico Borrelli | Carlo D’Oria | Gisella Chaudry | Francesca Dondoglio | Guendalina Urbani

dalle 18 alle 20

apertura speciale per OUVERTURE #13 – TAG ART NIGHT il 15 SETTEMBRE 2022 – ORE 17-23

La Galleria Umberto Benappi di Torino ospita nei sui spazi Encounter Narratives, a cura di Lóránd Hegyi, primo appuntamento della rassegna Promenade.

Promenade è un progetto espositivo, composto da tre mostre, il cui intento è quello di concentrarsi sulla rivisitazione delle visioni estetiche ed artistiche di una specifica generazione di artisti, la cui carriera e il cui destino sono stati profondamente legati agli anni ’80. I giovani artisti della fine degli anni ’70 e dei primi anni ’80, anziché continuare la creazione di movimenti, di metodi e di nuove versioni del mito modernista, hanno proposto un linguaggio visivo radicalmente eclettico basato su una combinazione soggettiva di cultura, storia, mitologia e riferimenti etnografici. La pittura, in ogni suo stile, conquistava l’interesse di gran parte dei giovani talenti; così esempi, tratti dalla storia dell’arte, da costellazioni antropologiche e da riferimenti archetipici e mitologici, si sono mescolati a soggetti emotivi, intimi e ad immagini pittoresche e fantasiose, riempiendo le tele. Promenade mette il pubblico a confronto con l’opera pittorica di alcune figure rappresentative di questo periodo di transizione caratterizzato da fondamentali cambiamenti concettuali riguardanti la storia, la mitologia, l’arte e le metafore culturali. La maggior parte delle opere presentate sono opere contemporanee che rivelano l’attuale orientamento dei loro creatori pur evocando contesti specifici degli anni ’80, momento in cui nuove ed inedite connessioni culturali tra i diversi campi delle esperienze e delle proiezioni umane sono entrati a far parte della prassi artistica.

La mostra Encounter Narratives presenta una selezione complessa e multistrato di opere di tre artisti provenienti da Italia, Austria ed Ungheria. Tre pittori della stessa generazione i cui esordi sembrano inseparabili se si considerano i profondi e fondamentali cambiamenti del paradigma dell’arte tra la fine degli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80. Questo periodo turbolento ha visto, da un lato la delegittimazione lentamente affermata di alcune strategie tardo-moderne, la perdita di credibilità di qualsiasi formalismo elitario e di sistemi tautologici riduttivi, e la revisione dell’ottimismo espansionistico dell’Avantgarde, dall’altro una svolta appassionata ed eloquente verso il soggettivismo, l’eclettismo e le narrazioni personali, introverse, o meglio indirizzate verso l’appropriazione soggettiva di certe metafore culturali mitologiche e archetipiche. Riferimenti storici e modelli psicoanalitici e antropologici sono stati inseriti in vocabolari visivi di nuova elaborazione, basandosi su citazioni libere e fluide, su citazioni di linguaggi eterogenei dell’intera storia dell’arte, così come su segnali di “bassa” cultura, su sistemi segnici sub-culturali urbani e persino su modelli etnografici. Possiamo osservare un’apertura radicale anche verso soggetti letterari e mitologici, così come l’eliminazione di alcuni tabù modernisti come l’evitare la resa mimetica del mondo visibile e la confessione della necessaria evoluzione verso la purezza e l’astrazione. Al suo posto si ripropone anche la ricerca di identità personali e micro-comunitarie, la ridefinizione della concretezza e dei sistemi di valori pluralistici. Come chiaramente formulato da Arthur C. Danto: “la concretezza dei sé concreti nelle loro società immediate” è diventata il vero soggetto di un universo visivo eclettico sofisticatamente elaborato. Esempi reinterpretati e attualizzati del Manierismo, del Barocco, del Romanticismo, del Simbolismo o della Pittura Metafisica sono stati integrati, o meglio fusi, in nuove organizzazioni linguistiche di segnali e modelli di diversa origine e l’auto-interrogazione del ruolo dell’artista è diventata una delle questioni centrali del pensiero artistico postmoderno.

Gianni Dessì, tra i fondatori della mitica “Nuova Scuola Romana”, Alois Mosbacher una delle figure di spicco del gruppo artistico austriaco “Neue Malerei” e László Fehér, uno dei pittori più paradigmatici del “New Sensibility”, hanno tutti avuto un ruolo decisivo a cavallo tra gli anni ’70 e ’80 nel loro contesto culturale di origine, rispettivamente in Italia, Austria e Ungheria. Tutti e tre i pittori hanno partecipato a numerose importanti mostre di quel periodo e di fatto hanno influenzato il profondo cambiamento del paradigma dell’arte negli anni ’80.

Pur essendoci un determinato tipo di dialogo tra gli artisti, la struttura di questa mostra si basa sulla presentazione personale di ciascuna opera, ossia sull’enfatizzare specifici metodi individuali dell’organizzazione di sistemi visivi e di modellazione delle immagini, oltre che rivelarne le specifiche narrazioni incarnate nella loro pittura.

La voce di Gianni Dessì riflette l’immagine dell’artista intellettuale, l’artista inteso come pensatore, il cui oggetto di studio è l’intera storia culturale, a partire dall’eredità dei grandi Maestri, dalla biblioteca della memoria e dalla raccolta di esempi del passato. Il suo atteggiamento si basa sulla rivisitazione del Manierismo e del Romanticismo; il suo lavoro si ispira a modelli di riferimento e di reinterpretazione della storia dell’arte. Esamina i sistemi visivi della rappresentazione di alcune realtà intelligibili e di modelli che mettono in discussione la posizione dell’artista e dell’opera d’arte nell’orientamento universale. Così facendo, il lavoro di Dessì propone una lettura parallela: da un lato la ricerca drammatica, profondamente personale e interrogativa, di definizioni del destino individuale, nonché del percorso dell’artista, e dall’altro l’aspetto intellettuale e ontologico della localizzazione universale della rappresentazione artistica dell’insieme. Gianni Dessì crea immagini drammatiche di autoritratti, e allo stesso tempo reinterpreta e reintroduce vecchi schemi e modelli tradizionali dell’auto-rappresentazione dell’artista come soggetto universale, come immaginario collettivo dell’uomo sofferente. La capacità o l’incapacità di parlare, gridare ed esprimere i propri sentimenti e visioni creano così, nell’opera di Dessì, una narrazione drammatica.

Alois Mosbacher ha elaborato un enorme arsenale di oggetti enigmatici, non definiti, figurazioni strane e inesplicabili, che rappresentano elementi della natura e oggetti combinati artificialmente. Nel fascino della sua pittura spazi misteriosi, confusi, labirintici, foreste e campi con alberi, fiori e piante, e l’intera ricchezza vegetativa, si trasforma permanentemente in un mondo di oscurità caotico, irrazionale e irritante. L’universo pittorico di Alois Mosbacher offre una metafora visiva della nostra realtà come un palcoscenico oscuro, irrazionale e un po’ teatrale, privo di una struttura interna chiara, che manca di coerenza e logica e sembra funzionare sotto la direzione di regole invisibili, inesplicabili e irrazionali. Allo stesso tempo, paradossalmente, il suo pittoresco mondo pittorico appare come qualcosa di naturale, di fondamentalmente probabile e credibile, quasi evidente e vegetativo, organico e vivido. In modo sovversivo, Alois Mosbacher ci mette a confronto con un universo nascosto del nostro mondo interiore, con un impero dimenticato, ma ancora vivido e potente, di immaginazione libera e illimitata, in cui probabilità e improbabilità si mescolano tra loro creando una giocosa incertezza.

L’approccio di László Fehér, alla memoria e alle esperienze storiche collettive, o meglio al doloroso processo di irreversibile perdita di questa memoria, alla lenta scomparsa di precedenti vite e destini, riempie di emotività il suo universo pittorico e provoca, attraverso le sue immagini, una immediata partecipazione, o meglio una autoidentificazione catartica. L’opera di Fehér testimonia l’orientamento intellettuale per eccellenza della sua generazione, che ha iniziato l’attività artistica a metà degli anni ’70 e l’ha consolidata negli anni ’80 e ’90. Al centro del suo lavoro artistico ci sono il ripensamento e la rivalutazione delle capacità narrative della pittura contemporanea, la creazione di una narrazione complessa e referenziale, che riflette diversi livelli e aspetti del nostro orientamento estetico ed etico basato sulla molteplicità anche di sistemi linguistici visivi e sulle loro connotazioni referenziali, nonché sulla molteplicità delle identità e sulla contestualizzazione culturale.

Il ripensamento radicale della struttura epica, la reinvenzione delle narrazioni, la drammaturgia sottile e intelligente, poetica ed emotiva costruiscono un linguaggio pittorico solido e trasparente, che trasferisce una visione complessa della coscienza storica e culturale dei nostri giorni. Allo stesso tempo, la concretezza dell’esperienza personale nella pesante realtà storica e dello specifico destino individuale – per lo più come elemento sofferente, vulnerabile, passivo degli eventi – determina l’universo pittorico dell’artista.