h 18 – 23

Le fotografie in mostra fanno parte della ricerca degli artisti con i quali abbiamo lavorato negli ultimi anni. Le immagini sia pure realizzate in diversi ambiti hanno in comune la rappresentazione di diverse storie e sentimenti che si nascondono tra la bellezza delle fotografie, e che permettono ad ognuno di confrontare la sua realtà con i lavori presentati. Vi invitiamo a scoprire una nuova verità.

La galleria Febo e Dafne è lieta di presentare Imprint, la seconda mostra personale dell’artista americana Sarah Rossiter a Torino, a cura di Carina Leal. L’ultima esibizione si è tenuta presso la precedente galleria Dieffe, con opere fotografiche dell’artista. Per questa mostra, e per la prima volta, Rossiter presenta una serie di dipinti astratti realizzati in Francia, che rispecchiano sia l’ambiente in cui vive attualmente sia la sua precedente permanenza a Los Angeles, ispirata dall’esperienza di transizione che è avvenuta durante gli spostamenti tra Hawaii e Messico negli anni della pandemia.

Nella sua pratica, l’artista esplora lo spazio liminare tra presenza e assenza, indagando su come il tempo modella la percezione della realtà. Le sue opere sono create attraverso un processo di trasferimento in monoprint, in cui i dipinti iniziali su carta vengono pressati su tela. Questo processo abbraccia deliberatamente la casualità e rinuncia al controllo, permettendo risultati inaspettati che emergono da questa collaborazione tra intenzione artistica e processo materico. La carta originale viene poi scartata, sottolineando la transitorietà e l’impermanenza. Questa esplorazione nasce da una vita di transizione geografica, dove ogni luogo lascia la sua impronta.

Le opere più recenti rispondono alla persistente risonanza del conflitto bellico europeo vissuto durante la sua permanenza a Parigi, mentre altre elaborano una lontana devastazione ambientale, attraverso pastelli sorprendentemente delicati e arancioni vibranti – una meditazione cromatica sulla memoria e sulla trasformazione. Alcuni dipinti utilizzano pennellate fluide o gesti emotivi, mentre altri oscurano la propria storia sotto sovrapposizioni bianche, come un velo tra il visibile e l’invisibile. La sua palette emerge da un approccio intuitivo con elementi industriali ed eterei: i rosa e gli arancioni fluorescenti ricordano i materiali sintetici, mentre gli ori, gli argenti e i bianchi metallici evocano stati trascendenti. Lavorando con colori acrilici e vinilici su lino e carta, l’artista alterna la creazione di segni intenzionali al flusso intuitivo. Questa tensione tra artificio e natura, tra processi controllati e fluidi, riflette il passaggio perpetuo tra la nostra esperienza umana condizionata e gli spiragli della coscienza universale.

I dipinti di questa personale si sono evoluti dalla sua precedente pratica nella fotografia e nella scultura. Piuttosto che raffigurare il corpo, ora lo coinvolge direttamente attraverso il movimento, creando opere a una velocità che supera il pensiero cosciente, producendo immagini che appaiono allo stesso tempo vecchie e nuove. La mostra invita gli spettatori a entrare in un ambiente dinamico in cui l’introspezione diventa un portale verso strati più profondi della coscienza, dove ogni gesto segna il passaggio del tempo come una partitura visiva, creando anenergetic imprint. 

Biografia

Sarah Rossiter è un’artista americana con una pratica che spazia dalla fotografia alla scultura e alla pittura. Le sue prime mostre a New York negli anni Novanta presso la Andrea Rosen Gallery (1993) e la Thomas Erben Gallery (dal 1996 al 1999) hanno evidenziato il rapporto tra soggetto e spettatore, mettendo in discussione l’oggettivazione della forma femminile in relazione alla storia dell’arte e alla cultura contemporanea.

Ha ottenuto riconoscimenti per la serie intitolata Velocity (1998), in cui i dipinti della madre degli anni ’70 venivano proiettati sul corpo dell’artista, mentre un’altra serie realizzata in Hawaii (2001) raffigurava il corpo dell’artista in contrasto con aridi paesaggi vulcanici e rigogliosi scenari tropicali.

Rossiter ha partecipato al collettivo artistico fierce pussy (1991), ha co-fondato ART CLUB2000 (1992) in collaborazione con Colin DeLand all’American Fine Arts Co. e in seguito ha fondato la Velocity Gallery (1997) a Brooklyn, dove ha ospitato artiste emergenti e ha realizzato una mostra che è apparsa sulla prima pagina del New York Times Arts Section (recensione di Roberta Smith, novembre 1998).

Il trasferimento in California nel 2000 le ha permesso di interagire con i paesaggi naturali e la luce, oltre a creare una connessione più profonda con la coscienza e il luogo. Ex allieva del fotografo Gregory Crewdson (durante la Cooper Union nel 1992), il suo lavoro si è evoluto verso un’esplorazione più profonda delle relazioni psicodrammatiche, delle situazioni sceniche e della realtà costruita. Tuttavia, dopo un soggiorno a New York e dopo aver assistito agli attentati dell’11 settembre 2001, il suo lavoro ha iniziato a esplorare la dissoluzione della forma e la trasmissione della coscienza attraverso il linguaggio visivo. Nel 2003 ha realizzato ed esposto il suo ultimo lavoro performativo presso l’Atelier Amden in Svizzera.

Dopo essersi trasferita a Los Angeles, ha esposto lavori fotografici e scultorei su larga scala in mostre personali alla Treehouse Gallery (2007), alla Dieffe Arte Contemporanea (2009) e alla d.e.n. contemporary (2010), con un approccio più contemplativo focalizzato sulle esperienze immersive e sulla capacità delle immagini di trattenere memoria ed energia.

Dal 2019, Rossiter ha lavorato in modo nomade, creando serie di dipinti astratti in varie località, tra cui New York, Hawaii, Messico e Parigi. La sua attuale pratica pittorica emerge da questa fluidità geografica, e ogni corpo di lavoro riflette le qualità uniche del suo ambiente e degli eventi attuali. La prossima mostra alla galleria Febo & Dafne di Torino (marzo 2025) sarà la sua prima esposizione di dipinti dal 2016.

Il suo lavoro con ART CLUB2000 dal 1992 è stato presentato in mostre retrospettive tra cui il New Museum, l’Hessel Museum of Art, l’ARTISTS SPACE e la Kunsthalle Zürich

Mice Jankulovski, nato nel 1954, vive e lavora a Skopje, e è un eccezionale artista multimediale che ha esplorato diverse discipline fin dalla sua prima giovinezza – dal disegno alla pittura utilizzando diversi materiali e tecniche, tra cui la pittura satirica su vetro, dal palindromo al disegno e all’animazione dei cartoni animati. Il suo lavoro creativo che abbraccia diversi media riflette la sua visione del mondo come una realtà in continua evoluzione in cui una moltitudine di cose che si muovono attraverso il tempo e lo spazio si sovrappongono su un piano che si estende infinitamente lontano. Attraverso la contemplazione, la meditazione e la creatività, prospera così nel percepire e dare forma a un ordine universale che comprenda la diversità e la trasformazione costante. Tutto questo si vede attraverso le sue opere d’arte in termini di colore, consistenza e forma. Dietro una tale rappresentazione ideale della vita delle forme c’è l’osservazione dell’artista dell’ambiente come chiave della filosofia interpretativa: ogni opera ha la sua storia e si apre a una moltitudine di nuove dimensioni. La serie di lavori su tela presentati in questa mostra rappresentano il minimalismo e la moltiplicazione. Le forme di base (cerchio, quadrato, triangolo) sono sistematicamente applicate a grandi tele quadrate o rettangolari con un solo colore: il nero. Le forme sono create facendo modelli di spread sullo spesso strato di vernice nera. Queste serie di opere sono realizzate dalla moltiplicazione delle forme all’interno delle tele, nonché dalla moltiplicazione delle tele, risultando in grandi opere concettuali. Va immediatamente notato che il nero, un non colore come a volte viene definito, è l’unico protagonista oltre alla luce, come parte integrante dell’immagine finale. In termini di organizzazione spaziale delle opere concettuali di più parti, permette che le opere si possono osservare in modi diversi.

Orari galleria: martedì – sabato, dalle 15.00 alle 19.00

Oasis Sagrados, solo-show di Karina Chechik in programma a settembre alla galleria Febo e Dafne, rappresenta l’atteso ritorno dell’artista argentina a Torino dopo numerose esposizioni realizzate in Italia e all’estero. Il nuovo progetto risulta la naturale prosecuzione e sviluppo della sua peculiare ricerca perennemente in progress, in cui temi come luce e spiritualità si rivelano le costanti irrinunciabili sottese al suo lavoro. Sono luoghi sospesi e indefiniti, in cui regna un’ascetica quiete, a dischiudersi in ogni opera, oasi di contemplazione in grado di avvicinare e creare un contatto simbiotico tra dimensione interiore e ultraterrena. Giocando con spazio e luce ogni tela attraversa muri e pareti in profondità, aprendo finestre verso paesaggi interiori. L’essere umano compare in modo sporadico, risultando quasi sempre assente, per essere invece protagonista come spettatore, presenza infinitamente piccola al cospetto dell’immensità dell’universo. Non importa se le Oasis Sagrados siano ambienti chiusi o aperti, costruiti o naturali, edifici o foreste: in entrambi i casi è sempre presente una tensione verso l’infinito e un’atmosfera intrisa di sacralità universale. Boschi, fitte trame di alberi e vegetazione accanto alle ieratiche architetture di luoghi dedicati all’arte sono le due anime complementari che concorrono a comporre il progetto espositivo, espressioni diverse, ma strettamente collegate, di nuove forme di spiritualità contemporanea. Herman Hesse definiva gli alberi come santuari – “chi sa parlare con loro, chi sa ascoltarli, conosce la verità” – e Karina Chechik interpreta e dipinge foreste di piante come vere e proprie cattedrali terrene, centri di energia in cui è possibile percepire frequenze e vibrazioni di ordine superiore. Le linee di fuga, tracciate dai fusti verticalmente proiettati verso l’alto, convergono in un punto ideale perso nella profondità del cosmo mentre attraverso il fitto fogliame filtrano sprazzi e bagliori di luce, alludendo alla dimensione trascendente che si può solo intuire e intravedere oltre. Riguardo a religione e fede, nella società contemporanea occidentale si riscontra infatti una sempre più evidente tendenza nel ricercare altrove nuove forme di misticismo e avvicinamento all’assoluto rispetto agli spazi comunemente adibiti al culto, come nei musei e gli edifici dedicati alla cultura oppure in particolari contesti naturali. Brian O’Doherty in Inside the White Cube teorizza addirittura come una galleria sia “costruita in base a leggi rigorose, come quelle che presiedevano all’edificazione di una chiesa medioevale. Poiché il mondo esterno deve restare fuori, in genere le finestre sono sigillate; i muri sono dipinti di bianco; il soffitto diventa fonte di luce.” L’architettura dei templi contemporanei vocati all’arte e alla cultura nei quadri di Chechik diventa solenne e maestosa. Ombre avvolgenti, fasci luminosi che piovono dall’alto o bagliori in lontananza incastonati in prospettive geometriche rivelano la segreta essenza spirituale di ogni luogo. Ѐ una impalpabile ed evanescente dimensione sacrale ad emergere dai vari ambienti esplorati e raffigurati in ogni opera: quella “sottile aura eterna”, così come è stata definita dall’artista, che in modo perseverante e continuo Karina Chechik ricerca, sublima e restituisce tramite tutto il suo lavoro.

La Galleria Febo e Dafne è lieta di presentare Mutabilità, in partecipazione al festival di fotografia Exposed (dal 2 maggio al 2 giugno), presentiamo una mostra collettiva, che intende proseguire l’esplorazione espandendo il progetto esposto alla fiera The Phair (dal 3 al 5 maggio). Le fotografie in mostra fanno parte della ricerca degli artisti con i quali abbiamo lavorato negli ultimi anni , oltre ad una nuova proposta. Le immagini sia pure realizzate in diversi ambiti hanno in comune la presenza dell’essere umano, sia fisicamente rappresentato che richiamato attraverso sentimenti ed emozioni diverse. Sensazioni che permettono ad ognuno di esplorare la propria capacità di cambiare ed evolversi come essere umano.

Riccardo Bandiera porta la serie Atlas over Arteries, progetto fotografico che interpreta e rappresenta il corpo come un paesaggio mutevole, che cambia quando in contatto con elementi diversi. La pelle è come un foglio bianco, dove l’artista inserisce elementi naturali, come insetti, foglie, spine e rami, che si congiungono nell’epidermide, cambiando in concetto le classiche foto di nudo.

Karina Chechik, con l’opera Galleria di Diana della Reggia della Venaria Reale che appartiene alla serie delle Architetture di Luce con opere uniche che nascono dalla fusione di fotografia e pittura. Partendo da fotografie che catturano la materialità di un edificio o di un luogo, Chechik inizia il suo personale viaggio artistico per svelarne il significato attraverso il gioco di luci e ombre, per trascendere la mera descrizione architettonica che spesso, nella nostra società secolare, è una distrazione dallo spirituale.

Diego Dominici con la serie di fotografie Ater vuole rappresentare momenti, sentimenti e visioni. Queste fotografie vengono realizzate attraverso l’utilizzo del colore nero e delle sue sfumature, sfruttando il trattamento lucido o quello opaco per creare volumi e profondità. Ater, che letteralmente rappresenta il nero opaco e il nero della sua accezione più negativa, vuole essere una critica al mondo contemporaneo: corrotto, indifferente alla tutela dell’ambiente e privo di valori etici e morali.

Carlo Gloria porta i Portici di Torino, conosciuti da tutti, che ci riparano in giorni di pioggia e ci danno un po’ di ombra in giorni di sole. Sono una caratteristica di Torino con il loro sviluppo di ben 18 km di eleganza e utilità. Con questa serie, Gloria porta i portici dentro le pareti di casa, con composizioni e sovrapposizioni di portici, con persone che camminano e che cambiano la vivacità della città ad ogni momento.

Luisa Raffaelli ha indagato in diversi lavori il tema della città, tema a cui è molto sensibile anche per la sua formazione di architetto. Fra questi, La Città Nido. Questo lavoro è una sorta di installazione fotografica che sviluppa una narrazione immaginifica: la fuga delle case dalle periferie urbane in cerca di nuove modalità e di senso dell’abitare. Le case si strappano dal suolo e volano in alto per ricongiungersi nel cielo in conglomerati abitativi ospitali, relazionali, comunitari e liberi.

Mery Rigo con questa installazione mette insieme fotografia e pittura, reale e non. L’opera è stata realizzata nello spazio della Cavallerizza Reale, uno spazio che durante anni è stato utilizzato da diversi artisti, come studio e come posto espositivo, e attualmente sono in corso dei lavori di ristrutturazione. Con quest’opera Mery Rigo si domanda cosa succederà, Cosa resta? Intende dello spazio della Cavallerizza nel futuro.

Marta Scavone con questi autoritratti della serie Moda Pandemica realizzati con un approccio multidisciplinare, con l’utilizzo della fotografia, performance e moda. L’artista ha utilizzato materiali riciclati per cucire i suoi vestiti, che poi ha indossato e fotografato. È una serie che ci fa capire come gli oggetti che utilizziamo in situazioni critiche o di emergenza possono relazionarsi con aspetti storici, politici e sociali, cambiando la visione delle persone per un mondo più sostenibile.

Stefano Stranges nella serie Medulla and Pupil. The answer vuole raccontare, attraverso le fotografie, come il cervello e gli occhi interagiscono per percepire il mondo. Quale è la teoria della forma visuale, chi vede realmente, sono le nostre pupille o il cervello che interpreta l’immagine? Medulla cerca le risposte, le pupille cercano il giudizio, che condiziona e che taglia radici. “La grande iride Medulla la copre dando le spalle a noi, che siamo l’altro lato di Pupilla. Un nuovo battesimo senza terra, senza acqua, senza Medulla.”

Carina Leal

H 18-21

Vulnerabilēs Vulnerabilēs è un invito alla riflessione sull’individualità. Ogni giorno socializziamo con altre persone, stabiliamo connessioni e legami, alcuni più profondi, altri meno. Condividiamo lo stesso spazio, abitandolo in forme differenti. Comunichiamo diversamente, alcune persone hanno l’abilità di parlare, di esprimersi e dire tutto quello che pensano. Altri, più chiusi, non sanno come dire ciò che hanno in testa, magari per vergogna o paura di non essere capiti, di ferire gli altri o loro stessi. Siamo affetti da tante cose allo stesso tempo ed è difficile concentrarsi, capire l’importante, quello che ci rappresenta, la nostra natura. Siamo esseri vulnerabili che tutti i giorni si svegliano per giocare nello stesso gioco, alcuni vinceranno ma tanti altri no. Dobbiamo provarci, dare il nostro meglio ogni giorno in modo che saremo capaci di superare le nostre paure, per crescere ed evolvere come essere umani. Esiste una vulnerabilità associata all’atto di lasciarsi osservare nel proprio intimo davanti agli altri. Dobbiamo guardare e interpretare per poter tracciare diversi fili che ci connettano. Lasciare le nostre vulnerabilità, dare una parte di noi agli altri per riuscire a stabilire legami più forti. Guardare un’opera d’arte è guardare l’anima dell’artista. L’opera è la forma di comunicazione più genuina degli artisti, è una parte di loro donata agli osservatori.. Ognuno la interpreterà attraverso il filtro delle proprie vicissitudini ed esperienze. Con le opere che vi presentiamo, vi invitiamo a osservare, a capire, a chiedere e a parlare. A rendervi vulnerabili dall’effetto delle opere, senza giudizi.

Le opere di Annamaria Nicolussi Principe sono incentrate sulla comunicazione stabilita dal dialogo come luogo dove nasce o finisce un rapporto. Prendendo ispirazione dal mito e dalla letteratura, parla di rapporti impossibili o negati. In cui emerge la necessità di prestare attenzione al modo con cui ci rappresentiamo agli altri, come ci guardano e come noi guardiamo loro e la realtà. Questo aspetto può essere vissuto come una difficoltà nell’instaurare un legame, impedendo la creazione di uno spazio comune tra le persone, rendendo possibile il contatto.

I lavori di Fabio Cipolla sono il riflesso del suo spazio, con il quale può intervenire e dialogare, creando diverse connessione. Ognuno ha il suo posto nel mondo e lo percepisce in forme diverse, stabilendo un contatto con gli elementi che lo circondano, instaurando e tessendo relazioni con altri corpi. Il corpo vive l’indeterminatezza del passaggio delle persone, creando punti di connessione che raccontano la capacità e la bellezza del fare collettivo e l’importanza e la connessione che avviene tra le persone coinvolte nello spazio.

Bio

Annamaria Nicolussi Principe (Trento, 1997) vive, lavora e studia tra Trento e Torino. Nel 2019 si è diplomata in Pittura all’Accademia di Belle arti di Urbino. Dal 2021 è iscritta alla Scuola di Decorazione dell’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino. La sua produzione comprende disegni, dipinti, fotografie ed installazioni scultoree. Con il disegno esplora le dinamiche relazionali all’interno del nido come casa, popolandolo con creature immaginarie in lotta tra loro. Attraverso il mezzo fotografico analizza il corpo e la percezione di sé espressi attraverso la metafora del fiore. Di recente, con gli ultimi lavori in cera, ha approfondito i temi del corporeo e della carne. Ciò che accomuna tutti i suoi lavori è l’attenzione alla traccia e al residuo come metafora di una presenza assenza.

Fabio Cipolla (Gorizia, 1998) vive e lavora tra Torino, Carrara e Friuli. Si diploma nel 2021 alla triennale presso l’Accademia di Belle Arti di Carrara, indirizzo Scultura; successivamente conclude nel 2024 il corso magistrale presso l’Accademia Albertina di Torino, indirizzo Scultura ed arti performative. Nel corso degli anni ha sviluppato un forte interesse nei confronti della scultura, indirizzata a un’attenta riflessione sullo spazio, un’osservazione meditata che induce il soggetto a essere consapevole della propria dimensione e condizione materiale. Da qui la commistione di questi elementi in un’unica forma, il progetto “My place”: linguaggio caratterizzato da un forte senso di appartenenza e radicamento, capace di riunire e accogliere, diffondere e tramandare.

Carina Leal

ore 18.00

La mostra partecipa all’opening collettivo TAG in occasione di Artissima sabato 4 novembre 2023

Il concetto di “Sottopelle” si associa alle opere in mostra in un duplice significato. Da un lato, questo termine si lega alla tecnica impiegata da Pier De Felice nella creazione delle sue opere: frutto di un procedimento in cui l’artista incide il supporto e applica poi uno strato di resina, creando così delle linee che ricordano le tracce lasciate da un tatuaggio sotto la pelle. Dall’altro lato, “Sottopelle” assume un significato più ampio, indicando qualcosa che è intrinseco nell’essenza stessa dell’umanità, un elemento inscindibile del nostro DNA, una modalità di comportamento che ci caratterizza.

Nelle opere di Pier De Felice, alcuni elementi tipici della quotidianità assumono una nuova forma: da semplici oggetti d’uso comune vengono trasformati in soggetti di un mondo immaginario ideato dall’artista, intriso di favole, poesia e speranza, ma non senza una ferma volontà di purificazione.

Pier de Felice (Torino, 1969) Vive e lavora a Pianezza (TO).

Di formazione non accademica, De Felice giunge alla pittura dalla metà degli anni Ottanta. Nel 1989 intraprende un viaggio in giro per l’Europa che lo porterà per circa un anno e mezzo a contatto con gallerie e musei, rientrato comincia a frequentare lo studio di Enrico Colombotto Rosso. Da questa frequentazione, che dura oltre quindici anni, De Felice approfondisce le sue conoscenze tecniche in ambito artistico.

Le prime mostre arrivano nel 2002 e tra personali e collettive, in Italia e all’estero, ha continuato ad evolvere il suo linguaggio pittorico contaminandolo di materiali e tecniche tra le più disparate, mantenendo sempre costante quella curiosità e quella passione per il viaggio e la scoperta che aveva caratterizzato il suo approccio iniziale all’arte.

Tra le mostre più rilevanti si segnalano: La 54° Biennale Venezia Padiglione Italia Torino Esposizioni, nel 2011; Pier De Felice & Francesco Di Lernia, alla Galerija Dimenzija Napredka – Solkan (Slovenija) a cura di Willy Darko nel 2010; XX x XX Studio D’Ars – Milano, collettiva del 2013 a cura di Daniele Decia; la collettiva Sun Soul Various Spazio Novaventinove – Torino a cura di Francesca Canfora e Daniele Ratti nel 2011.

L’artista è rappresentato dalla galleria Febo e Dafne di Torino dove ha esposto nel 2018 con la personale “Short Stories” e nel 2020 con “Assemblages”

h 18-23 

La galleria partecipa all’evento TAG OUVERTURE #14

Malinconia e atmosfere sospese, visioni subacquee e nuotatrici come ninfe e muse poetiche sono i soggetti d’elezione delle fotografie di Riccardo Bandiera, esposte in occasione del suo primo solo-show a Torino. In mostra il progetto  Nantes Lubricis Pelagi –  tutt’ora in progress  –  con alcuni inediti, la serie subacquea  Hiraeth  e  Atlas over arteries.

La mostra propone le opere delle due artiste Carina Leal e Sofia Fresia, che utilizzano diversi mezzi espressivi quali disegno, fotografia e pittura.   I lavori di Carina Leal e Sofia Fresia spaziano in una varietà di medium e di tematiche, raccontando le loro storie, pensieri e passioni personali. Così come ciascuno ha i propri gusti, abitudini e peculiarità che rendono le proprie storie diverse da quelle altrui, i lavori in mostra danno due diverse prospettive sull’interiorità, differenti tra loro ma accomunate dall’evocazione di un rifugio mentale costruito con ricordi, sensazioni e spazi immaginari. La mostra vuole essere un invito a riflettere ognuno sul proprio rifugio: quei posti fatti di momenti e persone dove sentirsi felici; le due artiste ce ne presentano i loro personali esempi.   Il progetto di Carina Leal è un’auto-caratterizzazione che nasce dal suo legame con la natura e dall’osservazione dei dettagli che la circondano. I disegni descrivono vari momenti della sua vita, rappresentando persone, luoghi o momenti che sono il suo rifugio. Nelle fotografie, il corpo è una foglia a contatto con il mondo esterno, sulla quale si proiettano molteplici forme, ombre e colori, che rendono unico ogni scatto.   Gli elementi presenti nelle tele di Sofia Fresia hanno spesso un richiamo autobiografico, legato al suo vissuto di nuotatrice. Le diverse opere trasportano nella mente di Sofia, nei suoi rifugi liquidi e granitici: universi ambigui, spazi dove gli strumenti del nuoto convivono con elementi antitetici.

Carina Leal (Guarda, 1997) è pittrice, fotografa e curatrice. Ha studiato presso la Faculdade de Belas Artes de Lisboa e, durante la laurea magistrale in Mercati d’Arte, si è trasferita a Torino, dove attualmente vive e lavora. Le sue opere uniscono l’intimità del corpo umano e la bellezza delle forme naturali, intrecciando i vari elementi in un rapporto paritario.

Sofia Fresia (Genova, 1992) è pittrice e nuotatrice. Ha studiato all’Accademia Albertina di Torino, città in cui vive e lavora. Nella sua pratica artistica attinge principalmente dall’universo iconografico del nuoto per realizzare opere che trattano la contemporaneità e le nuove difficoltà che comportano il farne parte. Nei suoi lavori hanno particolare importanza l’ambiente e le nuove generazioni, che cercano di farsi strada in un mondo in continuo mutamento