ore 18

Il 18 settembre, in occasione della riapertura condivisa delle gallerie di TAG con l’evento Ouverture2025, A PICK GALLERY inaugura la nuova stagione espositiva con la mostra On Life, the Universe and Everything Else, un dialogo inedito tra le ricerche di Jay Gard e Wolfgang Flad, entrambi – protagonisti della scena berlinese – saranno presenti all’opening per incontrare il pubblico. 

L’esposizione esplora le complesse interconnessioni tra vita, natura, movimento e spazio, mettendo in relazione architettura, botanica e scienza in un linguaggio formale, capace di oltrepassare confini disciplinari. Berlino, città simbolo di apertura e sperimentazione, è il contesto che alimenta le loro ricerche, che spaziano dal Bauhaus al Barocco, dal rigore della geometria alla fascinazione per le forme organiche. Le opere di Gard e Flad, tutte realizzate appositamente per la mostra, nascono da una riflessione profonda sul movimento, sulle dinamiche naturali e sul legame tra essere umano e ambiente. 

Con Jay Gard (Halle, Germania 1984), la precisione quasi ingegneristica e l’eleganza formale si traducono in composizioni che intrecciano pittura e scultura, con materiali come legno, metallo e pigmenti puri, rielaborando suggestioni dal modernismo, dalla storia dell’arte e dalla grafica industriale; il suo lavoro è riconosciuto a livello internazionale, con mostre in istituzioni come il Museum Gunzenhauser e progetti pubblici in Austria e Svezia.
Wolfgang Flad (Reutlingen, Germania, 1974) sviluppa invece sculture e installazioni sospese, leggere e dinamiche, realizzate con materiali organici e riciclati, in cui forme biomorfiche evocano mondi vegetali e microscopici; la sua pratica, caratterizzata da un meticoloso lavoro artigianale, indaga processi di erosione, crescita e trasformazione, creando ambienti immersivi che sfidano la percezione dello spazio.
Insieme, Gard e Flad aprono uno spazio mentale e sensoriale che invita a riflettere su ciò che è visibile e ciò che resta nascosto, sul noto e sull’ignoto.
On Life, the Universe and Everything Else diventa così un invito a esplorare, attraverso il linguaggio delle immagini, la complessità della vita e degli universi possibili, oltre ogni convenzione e limite.

La mostra sarà visibile fino al 25 ottobre 2025. 

BIO

Jay Gard
Nato nel 1984 a Halle, Germania; vive e lavora a Berlino.
Gard ha studiato pittura presso l’Università di Arte e Design di Halle, con il Prof. Thomas Rug. Dal 2006 al 2008 è stato assistente presso lo Studio Tom Sachs, New York. Nel 2008 ha frequentato un semestre di scultura presso l’Università delle Arti di Berlino, con il Prof. Florian Slotawa. Nel 2009 è stato assistente presso lo Studio Thomas Demand, Berlino.
Nel 2011 si è diplomato in Arti Multimediali presso l’Accademia di Arti Visive di Lipsia con il Prof. Joachim Blank. Dal 2022 è co-curatore della BcmA Gallery, Berlino.
Tra le sue principalimostre: The Beginning of Shaping, 69Salon, Galerie Kornfeld, Berlino (2023); All Over, A PICK GALLERY, Torino (2023); Curves, Warte für Kunst, Kassel (2021); Bei uns. Bei euch!, Alexander Ochs Private, Berlino (20121); Møbel, Gether Contemporary, Copenaghen, Danimarca (2020); Grand Opening, Bauhaus Museum, Dessau (2019); VEGA Collection #2, Unicredit Kunstraum, Monaco (2011); Pavillon X, Galerie Jakopice, Lubiana, Slovenia (2010); Double Gard, Half Gallery, New York, USA (2008).

Wolfgang Flad
Artista tedesco che vive e lavora a Berlino. Nato in Germania a Reutlingen nel 1974, Flad ha studiato design tessile alla Fachhochschule di Reutlingen e belle arti all’Akademie der Bildenden Künste di Stoccarda. Principalmente scultore, Flad è interessato al “riciclo creativo” di materiali precedentemente utilizzati e a creare associazioni e connessioni inaspettate tra l’arte e il mondo naturale.
Ha avuto numerose mostre personali in Germania e in altri paesi europei, e le sue opere sono state inserite in collezioni museali in Germania, Svizzera e Paesi Bassi. Tra le esposizioni principali: Phönix und die Entropie, Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart (2025); The wisdom of the peacock, Luisa Catucci Gallery, Berlin (2025); Clash Madrid, Tha house exposiosiones, Madrid, Spain (2025); Eden, LARC, Grasse, France (2024); Chromatic Universe, Kunstverein Bad Nauheim, Bad Nauheim (2023); Blue Danube, Bluerider ART, Shanghai, China (2022); Tiene madera, Galeria Álvaro Alcázar, Madrid, Spain (2021); Kiss and tell, Tampa Museum of Art, Tampa, FL, USA (2019); We call it work / Wir nennen es Arbeit, Galleria Opere Scelte, Turin, Italy (2017); Domino, Kunstverein Ulm, Ulm (2015); Good Taste – Hopefully, Alexander Ochs Projects, Berlin (2014); Rituals of Exhibition II, H Gallery, Chiang Mai, Thailand (2013).

ON LIFE, THE UNIVERSE 

AND EVERYTHING ELSE

Jay Gard – Wolfgang Flad
curated by Emanuela Romano

Opening on September 18th 2025, 6 pm
18.09.25 – 25.10.25

On September 18, on the occasion of TAG Torino Art Galleries reopening with the event Ouverture2025, A PICK GALLERY presents the new exhibition season with On Life, the Universe and Everything Else, an unprecedented dialogue between the artistic research of Jay Gard and Wolfgang Flad — both prominent figures on the Berlin art scene — who will be present at the opening to meet the public.

The exhibition explores the intricate interconnections between life, nature, movement, and space, linking architecture, botany, and science through a formal language capable of crossing disciplinary boundaries. Berlin, a city synonymous with openness and experimentation, serves as the backdrop that fuels their work, which ranges from Bauhaus to Baroque, from the rigor of geometry to a fascination with organic forms.

All works by Gard and Flad have been created specifically for this exhibition, stemming from a deep reflection on movement, natural dynamics, and the relationship between human beings and the environment.

With Jay Gard (Halle, Germany, 1984), near-engineering precision and formal elegance take shape in compositions that intertwine painting and sculpture, using materials such as wood, metal, and pure pigments, reinterpreting influences from modernism, art history, and industrial graphics. His work has gained international recognition, with exhibitions in institutions such as the Museum Gunzenhauser and public projects in Austria and Sweden.
Wolfgang Flad (Reutlingen, Germany, 1974), on the other hand, creates suspended, light, and dynamic sculptures and installations made from organic and recycled materials, where biomorphic forms evoke vegetal and microscopic worlds. His practice, characterized by meticulous craftsmanship, investigates processes of erosion, growth, and transformation, creating immersive environments that challenge the perception of space.

Together, Gard and Flad open a mental and sensory space that invites reflection on what is visible and what remains hidden, on the known and the unknown. On Life, the Universe and Everything Else thus becomes an invitation to explore, through the language of images, the complexity of life and possible universes, beyond conventions and boundaries.

The exhibition will be on view until October 25, 2025.

BIO

Jay Gard
Born in 1984 in Halle, Germany; he lives and works in Berlin.
Gard studied painting at the University of Art and Design in Halle with Prof. Thomas Rug. From 2006 to 2008, he worked as an assistant in the Tom Sachs Studio, New York. In 2008, he attended a semester in sculpture at the Berlin University of the Arts with Prof. Florian Slotawa. In 2009, he was an assistant in the Thomas Demand Studio, Berlin.
In 2011, he graduated in Multimedia Arts from the Academy of Visual Arts in Leipzig with Prof. Joachim Blank. Since 2022, he has been co-curator of the BcmA Gallery, Berlin.
Selected exhibitions: The Beginning of Shaping, 69Salon, Galerie Kornfeld, Berlin (2023); All Over, A PICK GALLERY, Turin (2023); Curves, Warte für Kunst, Kassel (2021); Bei uns. Bei euch!, Alexander Ochs Private, Berlin (20121); Møbel, Gether Contemporary, Copenhagen, Denmark (2020); Grand Opening, Bauhaus Museum, Dessau (2019); VEGA Collection #2, Unicredit Kunstraum, Munich (2011); Pavillon X, Galerie Jakopice, Ljubljana, Slovenia (2010); Double Gard, Half Gallery, New York, USA (2008).

Wolfgang Flad
German artist living and working in Berlin. Born in Reutlingen, Germany, in 1974, Flad studied textile design at the Fachhochschule in Reutlingen and fine arts at the Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart. Primarily a sculptor, Flad is interested in the “creative recycling” of previously used materials and in creating unexpected associations and connections between art and the natural world.
He has held numerous solo exhibitions in Germany and other European countries, and his works are included in museum collections in Germany, Switzerland, and the Netherlands.
Selected exhibitions: Phönix und die Entropie, Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart (2025); The Wisdom of the Peacock, Luisa Catucci Gallery, Berlin (2025); Clash Madrid, Tha House Exposiciones, Madrid, Spain (2025); Eden, LARC, Grasse, France (2024); Chromatic Universe, Kunstverein Bad Nauheim, Bad Nauheim (2023); Blue Danube, Bluerider ART, Shanghai, China (2022); Tiene madera, Galeria Álvaro Alcázar, Madrid, Spain (2021); Kiss and Tell, Tampa Museum of Art, Tampa, FL, USA (2019); We Call It Work / Wir nennen es Arbeit, Galleria Opere Scelte, Turin, Italy (2017); Domino, Kunstverein Ulm, Ulm (2015); Good Taste – Hopefully, Alexander Ochs Projects, Berlin (2014); Rituals of Exhibition II, H Gallery, Chiang Mai, Thailand (2013).

dalle 18:00

La mostra collettiva Diritti e rovesci presenta i progetti fotografici, video e installativi di 12 artiste e artisti visivi under 30, sviluppati nell’ambito della III° edizione del programma di formazione e produzione Futuri Prossimi, promosso da Fluxlab in collaborazione con JEST.

Il tema è un invito a considerare come ogni aspetto del nostro vivere e della nostra società abbia, come una medaglia, due facce: ogni diritto implica un rovescio. Al di là delle narrazioni prevalenti e a latere della cronaca, le giovani artiste e artisti in mostra osservano consapevolmente e criticamente il presente. Si confrontano con il rovescio delle medaglie dello sviluppo inteso in senso capitalista, industrialista, colonialista, militarista, individualistico e antropocentrico che ha dato e dà forma alle dinamiche che regolano la società e i luoghi che viviamo. E nel rovescio della medaglia, in molti casi ricercano e danno peso ai diritti, primo tra tutti quello ad una vita libera, sana e sicura, nella piena uguaglianza e nel rispetto reciproco: diritti troppo spesso messi in discussione. Attraverso un’ampia varietà di linguaggi, poetiche e approcci artistici – seppur prendendo le mosse dalla pratica fotografica – e da una molteplicità di punti di vista, i lavori in mostra investigano il modo che abbiamo di abitare luoghi, condividerli, costruirli e percepirli. In questi luoghi si dipanano narrazioni multivocali, si instaurano tensioni, si sviluppano conflitti e prendono forma nuove coesistenze.

Prima ancora dei rovesci, i diritti: diritto alla vita, alla salute, a un lavoro sicuro e a un ambiente sano e sostenibile. Quella della sicurezza sul lavoro e delle morti bianche è un’emergenza diventata disfunzione sistemica in Italia; Elia Brignoli (Bergamo, 1996) costruisce il suo progetto a partire da immagini d’archivio tratte da quotidiani e dà corpo con Eco a un urlo silenziato e mai abbastanza ascoltato, guardando alle tracce che lascia nel paesaggio e il racconto mediatico che ne viene fatto. Il paesaggio è anche soggetto di Now she walks through a sunken dream di Valeria Limongi (Maratea, 1995), che attraverso video e fotografie trasfigura i luoghi della Basilicata documentando ed evocando al tempo stesso la presenza incombente di una possibile contaminazione da idrocarburi e il rischio a cui sono sottoposte le popolazioni della Val d’Agri. Il concetto di società del rischio, insieme a quello di scomparsa del paesaggio, è affrontato da Sofia Gastaldo (Padova, 2003) con il progetto Véd. Attraverso una ricerca che si avvale anche di pratiche della sociologia e dell’antropologia sul territorio di Mestre e Marghera, si confronta con un territorio “scomparso” e con i giovani che lo abitano con la consapevolezza di questa privazione imposta.
Il tema del paesaggio ritorna nei lavori di altre due artiste di origine veneta, che ne investigano le trasformazioni e i cambiamenti di senso nel corso della storia. Irene Ferrari (Verona,1999) esplora con Dove roccia e fuoco diventano foresta le nuove ecologie (incluse quelle umane) e le coesistenze multispecie in un luogo segnato dagli eventi della seconda guerra mondiale, mentre Ivon De Pol Mandich (Venezia,1998) in Oltre la pietra segue i confini storici e mutevoli della laguna veneziana, evidenziando l’arbitrarietà e la precarietà del concetto di confine e della relazione tra ordine umano e instabilità del paesaggio.
Volgendo un occhio ai confini presenti e ai numerosi conflitti attualmente in corso nel mondo, non sfugge all’attenzione di diversi artisti come la guerra agisca non solo attraverso combattimenti e campagne militari, ma anche per mezzo della tensione latente ma concreta che attanaglia le vite di molti. Gaia Caramellino (Torino, 2001), grazie al profondo lavoro di ascolto e osservazione all’origine del lavoro video Kar u chkar, traspone con sguardo poetico il senso sospensione che vivono gli abitanti di un villaggio al confine tra Armenia e Azerbaijan, dove la quotidianità scorre in attesa di una possibile invasione militare. Con sguardo e poetica totalmente diversi Nicola Luciani (Feltre, 1999) rappresenta la tensione elettrica e i venti di guerra (passata e chissà futura) in un’isola taiwanese a pochi chilometri dalla Cina con il progetto fotografico documentario Quando tornerai.
Oleksandra Horobets (Starokostjantyniv, UA, 1997) si concentra, con un’indagine tra fonetica, performance e dispositivi di visione, sulle ambiguità e la violenza che attraversano il linguaggio. 72 87 92 apre una riflessione sulla traduzione come strumento di manipolazione e decostruzione, e sul potenziale politico del fraintendimento, della distanza e dello scarto.
In altri lavori in mostra la tensione che prende vita nei luoghi è quella tra il passato – più o meno reale – e il presente, che mentre da un lato porta le tracce della storia, dall’altro ne cancella o annulla in parte i significati. Così Rabat, legame o vincolo di Marta Vultaggio (Salemi, 1999) ricerca nella valle del Bélice le tracce del Giardino Mediterraneo, sorta di Eden comunitario che un tempo circondava le città della Sicilia e che oggi persiste e ritorna tra i riti religiosi e la frammentata privatizzazione del territorio. Elisa Liu (Venezia, 1999), rappresenta la Cina contemporanea sfruttando un immaginario personale a cavallo tra un passato mai direttamente vissuto e un presente che smantella le certezze delle tradizioni familiari e della vita comunitaria in 大家 [dàjia – “tutti” o “grande casa”].
Matteo Montorfano (Monza, 1999) rivolge la sua attenzione allo spirito di comunità e condivisione: per È Bello Fare Tardi osserva con curiosità una serie di feste a cui prende parte un gruppo di giovani con sindrome di Down, ponendo in primo piano il sentimento di libertà offerto dallo stare insieme. Stare insieme che, nella sua semplicità e forza, può essere solido fondamento di nuove (o rinnovate) costruzioni affettive, nate dal confronto e dall’ascolto: Lorenza Bassino (Torino, 1997) ce ne offre un esempio con Esplorazione n.1, lavoro a quattro mani con la madre, che trasforma l’esperienza familiare in pratica artistica, affermando la potenza sovversiva dell’intimità come spazio di ascolto e trasmissione.

Where paintings embrace è la prima mostra personale in galleria di Jilan Wu, artista selezionata nell’ambito del Premio Combat 2024, alla cui giuria la galleria ha preso parte. La mostra inaugura martedì 4 giugno e raccoglie una serie di lavori inediti su tela e, per la prima volta, una selezione di ceramiche, segnando un importante ampliamento del suo linguaggio espressivo. Jilan Wu, Due donne III, 2025, colla di pelle di coniglio, pigmento, olio su tela, 100×80 cm Jilan Wu, Due donne III, 2025, colla di pelle di coniglio, pigmento, olio su tela, 100×80 cm La pratica pittorica di Jilan Wu si distingue per un approccio intimo e sensibile alle relazioni umane, esplorate attraverso una narrazione visiva che fonde memoria personale e universalità emotiva. Nata nel 1990 a Gui Zhou, in Cina, e attualmente residente a Bologna, l’artista costruisce una dimensione visiva dove l’intimità si intreccia con l’ambiguità, e la malinconia si colora di tenerezza. Le opere in mostra presentano una pittura stratificata, vibrante e sensoriale, dominata da toni caldi — rossi, arancioni, rosa pastello — che accendono la superficie di una luce interna, capace di evocare ricordi, sogni e desideri. In particolare, la serie Abbracci esprime un bisogno profondo di contatto e prossimità, in risposta a esperienze di separazione e distanza. Nei lavori più recenti emerge inoltre una maggiore matericità del colore e una tensione narrativa più accentuata. Jilan Wu, Una donna IX, 2025, ceramica, 25×39 cm Jilan Wu, Una donna IX, 2025, ceramica, 25×39 cm L’introduzione della ceramica rappresenta una novità significativa nel percorso di Wu, introducendo una dimensione tridimensionale che conserva tuttavia la componente tattile e corporea della sua ricerca. Le forme, fragili e irregolari, sottolineano il gesto e la vulnerabilità dei legami umani. Tra riferimenti a Chagall, ai Fauves e alla sensibilità contemporanea di Yoshitomo Nara, Jilan Wu costruisce un universo visivo profondamente personale, dove il corpo diventa medium espressivo per raccontare la bellezza imperfetta delle relazioni.

A PICK GALLERY is pleased to present Where Paintings Embrace, the first solo exhibition at the gallery by Jilan Wu, an artist selected as part of the Premio Combat 2024, whose jury included the gallery itself. The exhibition opens on Tuesday 4 June 2025 and will remain on view until 28 June, showcasing a series of new paintings on canvas, along with a selection of ceramic works being presented for the first time. Jilan Wu, Due donne III, 2025, colla di pelle di coniglio, pigmento, olio su tela, 100×80 cm Jilan Wu, Due donne III, 2025, colla di pelle di coniglio, pigmento, olio su tela, 100×80 cm Jilan Wu’s pictorial practice is marked by an intimate and sensitive approach to human relationships, explored through a visual language that bridges personal memory and universal emotion. Born in 1990 in Gui Zhou, China, and now based in Bologna, the artist creates a visual space where intimacy blends with ambiguity and melancholy is infused with tenderness. The works on display feature a layered, vibrant, and sensorial painting style dominated by warm tones — reds, oranges, and pastel pinks — that illuminate the surface with an inner light, evoking memories, dreams, and desires. Particularly in the Abbracci series, there is a visceral expression of the need for contact and closeness, emerging from lived experiences of distance and separation. Wu’s more recent pieces also reveal a richer materiality in her use of colour and a stronger narrative tension. Jilan Wu, Una donna IX, 2025, ceramica, 25×39 cm Jilan Wu, Una donna IX, 2025, ceramica, 25×39 cm The introduction of ceramics marks a significant development in the artist’s practice, bringing in a three-dimensional aspect that retains the tactile and bodily qualities of her work. These fragile, irregular forms highlight gestures, voids, and the inherent vulnerability of human connection. Drawing on influences from Chagall, the Fauves, and the contemporary sensibility of Yoshitomo Nara, Wu constructs a deeply personal visual universe in which the body becomes a medium for expressing the imperfect beauty of relationships.

Leila Erdman Tabukashvili, It was a cold long distance.jpg, stampa fine art su carta cotone, cm 42×28

ore 18:30

L’esposizione esplora il rapporto tra percezione, memoria e trasformazione, attraverso opere che uniscono fotografia, pittura e scultura in un linguaggio estetico unico e innovativo.

Tagliafico, nato ad Alessandria nel 1985, sviluppa la sua pratica artistica intorno a temi universali come l’interazione tra il mondo fisico e quello digitale, la frammentazione della realtà e la ricerca di significato. Le sue opere si configurano come metafore visive in cui il vetro, elemento centrale, si fa filtro tra l’immagine visibile e ciò che sfugge alla percezione immediata.

Curata da Domenico De Chirico, la mostra ruota attorno alla serie Arcipelago, composta da stampe analogiche, cianotipie e vetri dipinti che si sovrappongono per creare paesaggi evocativi e frammentati. Le immagini, mai del tutto rivelate, richiedono uno sguardo attento e riflessivo, offrendo una molteplicità di significati e interpretazioni.

Come osserva De Chirico nel testo critico che accompagna l’esposizione, “il lavoro di Tagliafico esplora il concetto di visione all’interno di un lungo processo che porta alla ricerca di significato del mondo circostante, fatto di immagini sfuggenti, perpetuamente oscillanti tra compendi di spazi liminali e frammentazioni evocative di paesaggi illibati.” Questa complessità formale e concettuale si traduce in un’esperienza immersiva, in cui il pubblico è invitato a riflettere sulla propria percezione e sul senso del tempo.

Tra le opere esposte, si segnalano anche la struttura scultorea Celestial Bodies e l’installazione Field of Vision, che articolano ulteriormente il dialogo tra materiali e dimensioni spaziali. In entrambe, il vetro diventa strumento per amplificare e al contempo limitare la visione, evocando una tensione tra ciò che è accessibile e ciò che rimane inafferrabile.

Marco Tagliafico vive e lavora ad Alessandria.

Dopo la laurea in Lingue Orientali all’Università di Torino studia fotografia e nel 2018 consegue il Master di alta formazione sull’immagine contemporanea di Fondazione Fotografia Modena Arti Visive. La sua pratica unisce fotografia, pittura e disegno, creando opere a cavallo tra astrazione e figurazione. Ha esposto in Italia e all’estero, tra le principali mostre: Da Guarene all’Etna, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Guarene d’Alba (2019); UKYA City Takeover, New Art Exchange Gallery, Nottingham (2019); Ge/19 Boiling Projects, a cura di Filippo Maggia in collaborazione con Fondazione Oelle, Fondazione Mazzullo, Taormina (2020); Blu policromo. Narrazioni e interpretazioni a confronto, a cura di Sara Liuzzi ed Emanuela Romano, A PICK GALLERY, Torino (2023); Bla Berlin, a cura di Virginia Monteverde, Bethanien Kunstquartier, Berlin (2023); Enegan Art, Palazzo Strozzi, Firenze, curated by Gabriele Chianese (2023); Degree of separation, a cura di Maria Elena Marhetti, A PICK GALLERY, Torino (2023); Come isole, a cura di Stefano Cagol, Castel Belasi, Trento (2024). Ha ricevuto numerosi riconoscimenti tra i quali New Post Photography, MIA art fair, Milano (2021); MZ Costruzioni, ArtVerona art fair (2023); Premio Espoarte Fotografia e Arteam Cup, Savona (2024)

H 18

Good Idea
Manfred Peckl

Opening con Performance

Corpo a corpo
Silvia Gatti – Claudia Vetrano

Dance me to the end of love

Casper Faassen
in collaborazione con Mc2Gallery

Manfred Peck, Dark energy, 2015, collage su tavola, cm.71×91

ore 18

A PICK GALLERY inaugura la quarta edizione della rassegna annuale di street art.

Quest’anno la collettiva Gràphos è a cura di Cenere, con opere di Abel Bael, Cenere, Marco Filicio, Good Times Company, Hazkj, Luogo Comune, Monograff, Ninaro’, Rame13, Rise the Cat, Vernïs Lab.
Alla mostra seguirà l’intervento site-specific di Cenere che verrà prodotto a La Loggia (To), un grande murales che rielaborerà i simboli del comune alle porte di Torino e che va ad aggiungersi alla serie di lavori iniziata nel 2021 da Ufocinque, Seacreative, Refreshink e Max Petrone.

La parola gràphos (letteralmente dal greco γράϕω) riporta alla scrittura, all’incisione e al segno illustrativo, tecniche che uniscono tutti gli artisti in mostra, i quali durante le loro carriere si sono cimentati in queste pratiche – sia in campo editoriale, sia di marketing e design – che evidenziano la fondamentale relazione tra il linguaggio, la rappresentazione visiva e la comunicazione. 

Nel mescolare pittura, incisione e illustrazione, Mattia Paganucci (aka Cenere), curatore della mostra, riporta alla memoria la prima arte realizzata dall’uomo, l’incisione su pietra e da qui parte per seguire le derive di alcuni street artists che dopo l’uso più classico dello spray nella realizzazione di graffiti murali, hanno scelto di indagare il segno sia a livello pittorico e illustrativo, sia scultoreo. La fusione di queste tecniche con la street art ha creato un ponte tra l’arte urbana e quella più tradizionale, con l’intento di renderne sempre più fruibili i messaggi, dentro e fuori gli spazi deputati all’arte contemporanea.
In mostra sono presentati oltre a una serie di lavori inediti, anche elementi installativi e scultorei che nel relazionarsi con gli spazi della galleria, escono dalla bidimensionalità del supporto (carta, tavola, tela) per creare una dimensione più immersiva.

Il lavoro di Abel Bael crea portali per altri mondi, mescolando simbologia e occultismo con nozioni di comunicazione visiva. Lo stile è caratterizzato da un tratto spesso ricco di elementi decorativi caratteristico della street art, in contrapposizione con il forte uso della simmetria e la quasi totale assenza di colori. Cenere (Jesi, 1987) si è sempre interessato ai graffiti e alla street art. La sua ricerca è iniziata con la fotografia analogica, per avvicinarsi poi all’illustrazione e all’inchiostro, ma la strada lo porta a indagare anche lo spray e il pennello con i quali crea figure fantastiche e mitologiche che si collegano a storie reali o strane leggende. Marco Filicio (Fermo, 1990) combina elementi di diverse provenienze, dal mondo animale a quello naturale e umano, creando delle allegorie o, come le definisce lui stesso, delle chimere. L’utilizzo della grafite definisce lo stile fantastico delle opere, focalizzandosi sulle ombre e conferendo tridimensionalità e un aspetto quasi fumettistico. Good Times Company è un duo formato dallo street artist Edoardo Kucich e dal graphic designer Beppe Conti. La loro ricerca è un meltig pot tra tecniche e stili differenti, creano lavori a partire da collage di elementi che seguono l’estetica delle riviste del secolo scorso, estraendoli dal contesto originale e creando atmosfere futuristiche e surreali. Hazkj (Bologna, 1995) si autodefinisce “a blast from the past” (un’esplosione dal passato) e mescola nelle sue opere elementi sociali, storici e culturali. L’artista ha collaborato in svariati progetti in passato volti alla rivalutazione di comunità nel territorio italiano, talvolta coinvolgendo i giovani nella produzione stessa delle opere. Luogo Comune è illustratore e urban artist. Come illustratore ha contribuito a opere pubblicate in diversi paesi, mentre come urban artist produce opere site specific. Lo contraddistinguono l’uso di colori piatti, vividi e in contrasto tra loro e l’inclusione di elementi della flora, fauna e tradizioni locali, oppure riferimenti letterari, che contribuiscono a creare opere che analizzano il contesto sociale locale. Monograff (Firenze, 1996) si focalizza sulla sua città natale, Firenze. L’artista riflette e dialoga con l’ambiente che lo circonda, concentrandosi su elementi naturali o architettonici, e rappresenta nelle sue opere il risultato dell’incontro tra elementi politici e sociali. La quasi totalità delle sue opere è accomunata dall’uso esclusivo del colore blu, ispirato alle azulejos portoghesi, su sfondo bianco, e dallo stile chiaroscuro, privo di dettagli, ottenuto utilizzando rulli da pittura su cui sono state incise delle strisce. Ninaro’ crea opere dalle forme fluide, sperimentando costantemente con materiali e tecniche. Lo stile che la contraddistingue, oltre alla fluidità delle forme, è l’uso di colori in forte contrasto per creare atmosfere fantastiche, talvolta oniriche o soprannaturali. Rame13 (Pisa, 1989) ha collaborato con enti di svariata natura, associazioni non governative come Emergency e il marchio di moda PINKO. Collabora con scuole per il coinvolgimento dei giovani nella street art. Gli scenari creati da Rame13 prendono ispirazione dal mondo onirico e raccontano storie ricche di elementi fantastici. Rise the Cat è uno street artist che produce opere focalizzate sull’importanza della partecipazione politica e il mantenimento della memoria collettiva. Le sue opere individuali si affiancano ad opere prodotte con scuole e cooperative, volte al riavvicinamento dei giovani alle istituzioni statali. Vernïs Lab è un duo composto da Barbara Migliaccio e Sara Zecchino. Il nome stesso dallo studio, vërnis, deriva dalla parola piemontese per vernice. Le due artiste mescolano nei loro progetti colori elettrici ed elementi naturali, fortemente ispirati alla pop art. Il risultato sono opere fortemente immersive e colorate che rapiscono l’attenzione dello spettatore.

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