La prima volta che una natura morta compare in un lavoro di Salvo è in Autoritratto con natura morta (dal ritratto del Dott. Gachet), una fotografia del 1973, un tableau vivant in cui l’artista, in penombra, interpreta il celebre ritratto di Van Gogh. In primo piano c’è un insieme di frutti. In un lavoro dello stesso anno, l’autoritratto scompare e la frutta rimane l’unica protagonista, anticipando le nature morte che realizzerà successivamente.

Il 1973 è anche l’anno di passaggio che porterà Salvo a scegliere la pittura come tecnica d’elezione.

I soggetti delle prime nature morte dipinte, alla fine degli anni ’70, sono fiori e libri, a cui si alternano, negli anni successivi, vasi, brocche, conchiglie e vari oggetti d’uso quotidiano fino agli inediti teschi del 2015.

Pur essendo un capitolo meno conosciuto della sua pittura, per Salvo la natura morta non è un genere minore.

Nel suo lavoro, non c’è molta differenza tra dipingere alberi che si stagliano nel cielo o oggetti che emergono dallo sfondo di un muro colorato. In entrambi i casi c’è una linea d’orizzonte, che può essere un prato o il bordo di un tavolo, che separa i piani di quelle che diventano nelle sue tele questioni puramente pittoriche.

Le nature morte di Salvo rimandano allo scorrere del tempo: molte si intitolano con nomi dei mesi o delle stagioni. Ma soprattutto restituiscono il passare del tempo privato, scandito dalle piccole abitudini quotidiane. Il tempo della colazione, della verdura appoggiata in cucina, dei libri accumulati.

All’italiano “natura morta”, preferiva l’inglese “still life”, o ancora di più la definizione di de Chirico: vita silente. Ed è proprio una vita silenziosa quella che si percepisce nelle sue nature morte, fermo immagine di un tempo dove universale e particolare si mescolano, trasformando semplici oggetti in mitologie domestiche.

Salvo Senza titolo 2013 olio su tela 40 × 50 cm Courtesy Norma Mangione Gallery, Torino

Nella seconda mostra dell’artista Anita Leisz alla Norma Mangione Gallery, le collocazioni in punti specifici e nelle aree espositive più uniformi e familiari svelano una quantità di riverberi e analisi dell’elemento scultoreo e dell’elemento pittorico che sono interdipendenti, si alternano e talvolta si elidono a vicenda. 

La concentrazione di lavoro scultoreo come viene qui eseguita, a parte alcuni antecedenti, è stata al centro dell’attenzione artistica a partire dalla metà degli anni Sessanta, e si affida a quelle componenti essenziali della scultura che ne determinano l’aspetto nello spazio. Stagliate contro lo sfondo delle abusate promesse del digitale, del virtuale e dell’immersività, queste opere ci appaiono adesso lievi ed eccezionali. 

Create per la gran parte in collaborazione con l’antica fabbrica di smalti austriaca RIESS, le opere sono presentate in maniera così scrupolosa e compatta che la loro interazione con i contenitori spazio-architettonici si può leggere, analizzare e percepire. In questo modo fanno da pilastro e sostegno contro una minaccia alla situazione espositiva in quanto tale, minaccia che risiede nella precaria coincidenza fra decisioni spaziali ed estetiche, di cui solo Leisz può renderci consapevoli all’interno del nostro senso dello spazio.

Le superfici lisce realizzate in smalto nero, che repelle sporcizia e batteri come una velatura, respingono lo sguardo dello spettatore solo nell’istante provocatorio del confronto diretto, ma rimangono poi nell’ombra a distanza ravvicinata come rigidi agenti monocromi di analisi spaziale e dell’infrastruttura. La loro matericità è composta anche dal fattore imponderabile insito nel loro esclusivo metodo di produzione, dalle minime irregolarità che non solo le rendono uniche, ma potrebbero anche aiutare il fabbricante industriale a vedere il suo prodotto tradizionale da una prospettiva diversa, mentre l’artista stessa si fa voce autorevole negli sviluppi incontrollabili del processo produttivo.

La sottile mescolanza fra i dettagli della presentazione delle opere e i dettagli delle opere al loro interno, questo temporaneo isolamento nell’istante dell’impatto, e il conseguente isolamento spaziale che distingue quest’atto percettivo da altri, porta a un notevole ed emblematico stallo sia del discorso architettonico, sia di quello scultoreo: la logica della scultura è sempre anche la logica della sua presentazione, che non è necessariamente tenuta a garantire un accesso istantaneo alla mostra, ma piuttosto conduce a una sensibilizzazione, a una consapevolezza del problema della varietà di requisiti richiesti oggi all’attività espositiva in generale.

– Christian Egger

Anita Leisz (1973, Leoben) vive e lavora a Vienna. Nel 2022 ha una personale al HALLE FÜR KUNST Steiermark, Graz e a Novembre 2017 inaugra la sua personale al Belvedere 21 di Vienna. In questa occasione viene pubblicato un catalogo del suo lavoro. Precedentemente le sue opere sono state in mostra in diversi musei tra i quali: Halle der Kunst Lüneburg; Kunsthalle Exnergasse, Vienna; Stadtgalerie Schwaz; Kunsthalle Krems; Kunsthaus Bregenz; Pro Choice, New York; Haus der Kunst, Monaco; Kunstverein Nürnberg; Salzburger Kunstverein; Kunstverein Langenhagen; Secession, Vienna; Generali Foundation, Vienna; Kunstverein in Wolfsburg; Grazer Kunstverein; Kunsthalle Nürnberg and Kunstverein Hamburg. 

Christian Egger, artista visivo, musicista e critico, vive e lavora a Vienna. È condirettore della fanzine artistica www.ztscript.net. Il suo libro “Shows, Signals, Unvernehmen” raccoglie testi prodotti tra il 2005 e il 2020 ed è stato pubblicato da Floating Opera Press, Berlino 2020.

Si è accolti dagli Ambassador, due sculture in calcestruz- zo, che sorvegliano come imponenti monoliti preistorici, ma allo stesso tempo hanno buffi musi felini dallo sti- le fumettistico. Nei quadri esposti, quasi tutti realizzati nell’ultimo anno, troviamo gatti, forme falliche e totemi- che, serpenti, ma anche pesci e strane figure femminili con bikini leopardati. La tensione e l’unione tra due op- posti sembrano trovare la loro materializzazione, all’in- terno dei dipinti in mostra, in oggetti che si tendono e collegano, come legacci, corde, serpenti e forme astratte vermiformi che circondano le varie figure. I soggetti si stagliano ieratici all’interno di paesaggi con lune e pianeti e si fondono con essi, l’uno dando forma all’altro in un continuum apparentemente illogico, ma che sembra voler rappresentare un equilibrio tra i diversi elementi della natura.

Stefanie Popp (1974, Bonn, Germania) vive e lavora a Colo- nia. Tra le sue principali esposizioni: Galerie Norbert Arns, Colonia (2020), Zero Fold, Colonia (2019), Norma Mangione Gallery, Torino (2018), Kunstwerk, Colonia (2015), Marquise Gallery, Istanbul (2012). Tra le mostre collettive: Galerie Nor- bert Arns, Colonia (2021), Norma Mangione Gallery, Torino (2020), Kunsthalle, Recklinghausen (2019), Galerie Beck & Eggeling, Düsseldorf (2018), Romeo, New York (2016), Tem- porary Gallery, Colonia (2014), Chert Lüdde, Berlino (2013), Barriera, Torino (2011), Villa Merkel, Esslingen (2011), Ga- lerie Susanne Zander, Colonia (2010). Un suo lavoro video é all’interno della collezione del ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe. One is welcomed by the Ambassadors, two concrete sculptures, which stand guard like imposing prehistoric monoliths, but at the same time have funny cartoonish feline faces. Norma Mangione Gallery Via Matteo Pescatore 17 10124 Torino, Italia +39 011 5539231 info@normamangione.com The subjects stand out hieratically within landscapes with moons and planets and merge with them, one giving shape to the other in an apparently illogical continuum that seems to represent a balance between the different elements of nature. Stefanie Popp (1974, Bonn, Germany) lives and works in Co- logne. Notable solo exhibitions include: Galerie Norbert Arns, Co- logne (2020), Zero Fold, Cologne (2019), Norma Mangione Gallery, Turin (2018), Kunstwerk, Cologne (2015), Marquise Gallery, Istanbul (2012). Among her group shows: Galerie Nor- bert Arns, Cologne (2021), Norma Mangione Gallery, Turin (2020), Kunsthalle, Recklinghausen (2019), Galerie Beck & Eggeling, Düsseldorf (2018), Romeo, New York (2016), Tem- porary Gallery, Cologne (2014), Chert Lüdde, Berlin (2013), Barriera, Turin (2011), Villa Merkel, Esslingen (2011), Gale- rie Susanne Zander, Cologne (2010). A video work by Popp is owned by ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe.

La mostra presenta per la prima volta in Italia una selezione di dipinti e disegni di Bill Lynch. Bill Lynch nasce ad Albuquerque, New Mexico, nel 1960. Studia a New York, dove trascorre alcuni anni prima di trasferirsi in vari luoghi degli Stati Uniti e poi stabilirsi a Raleigh, North Carolina, fino al 2013, anno della sua morte. Nonostante fosse stimato da artisti e amici, non ottiene riconoscimenti ufficiali se non nell’ultimo decennio, con la mostra del 2014 da White Columns a New York, curata dall’artista Verne Dawson, suo compagno di studi. Bill Lynch si forma come artista tra la fine degli anni ‘70 e i primi ’80 all’università Cooper Union, nell’East Village, centro del fermento culturale della scena underground newyorkese. Il giovane Lynch rimane estraneo alle tendenze delle gallerie e guarda altrove. Studia le opere dei maestri, come Tiziano o Goya, nei musei che frequenta assiduamente. Il suo interesse non si rivolge però solo alla storia dell’arte occidentale. Particolare fascino esercitano su di lui l’arte cinese e giapponese. Questo emerge sia nella scelta dei soggetti della sua pittura, sia materialmente nella pennellata, che in termini di composizione. I dipinti sono realizzati quasi sempre su tavole di compensato, le cui venature diventano parte integrante del lavoro, fondendosi con i soggetti rappresentati, che siano vasi o tazze di porcellana, alberi fioriti o uccelli. Gli stessi soggetti emergono da pagine bianche di quaderni su cui Lynch nel corso di tutta la vita, disegna e fa bozzetti e nei quali, ancora più che nelle tavole, si evidenzia la sua felicità di esecuzione e quella “apparenza di spontaneità” che gli interessava raggiungere. Il titolo della mostra è tratto da una poesia che Lynch scrive in una lettera al suo amico scrittore Michael Wilde:

 One night I was by

my rock

in Central Park

It was evening

It was springtime

I heard a robin singing

and now my imagination

takes over

The notes of the song

resounded with

instruction

a mother or father

informing the chicks

of the way of

the world

I’ve never heard a bird song

quite like it

[…]*

 I lavori di Bill Lynch (Albuquerque, New Mexico, 1960 – Raleigh, North Carolina, 2013) sono stati esposti da White Columns, New York, 2014, The Approach, Londra (2015, 2017), galleria che rappresenta l’artista, Tanya Leighton, Berlino (2015) e The Douglas Hyde Gallery, Dublino (2016).

Per la realizzazione della mostra si ringraziano la 

galleria The Approach di Londra, Matthew Higgs e la 

famiglia dell’artista.

*Una notte ero sulla / mia roccia / in Central Park / Era sera / Era primavera / Ho sentito un pettirosso cantare / e ora la mia immaginazione / prende il sopravvento / Le note della canzone / risuonano con / istruzioni / una madre o un padre / informano i pulcini / su come va / il mondo / Non ho mai sentito un canto d’uccello / simile a questo / […]

Under Twin Moons

Artisti: Michael Bauer, Raynes Birkbeck, Stefanie Popp, Bernd Ribbeck, Salvo